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  • Pierre Soulages fêtait ses cent ans le 24 décembre

     

     

    Pierre Soulages, un des plus grands artistes vivants, fêtait ses cent ans le 24 décembre 2019. Retour sur 80 ans de création, des brous de noix de ses premières oeuvres à l’Outrenoir, en passant par les fameux vitraux de l’abbatiale de Conques.

     

    Pierre Soulages fêtait donc son centième anniversaire ce mardi 24 décembre. Et le père de l’Outrenoir travaille toujours. Trois des œuvres exposées dans le cadre prestigieux de l’exposition-hommage du Louvre, qui a débuté le 11 décembre, ont d’ailleurs été peintes en 2019. Retour sur plus de 80 ans de carrière du plus grand artiste français vivant.

     

    « Enfant, je préférais tremper mes pinceaux dans l’encre noire plutôt que d’employer des couleurs. On m’a raconté que je faisais de grands traits noirs sur le papier, j’aurais répondu que je faisais de la neige », racontait Pierre Soulages en 2009, lors de la rétrospective organisée par le Centre Pompidou pour ses 90 ans. Il rendait ainsi le blanc du papier plus blanc en mettant du noir…

     

    Pierre Soulages a toujours aimé le noir : « Ce fut la couleur de mes vêtements dès que j’ai pu les choisir. Ma mère était outrée. Elle me disait : ‘Tu veux déjà porter mon deuil ? » », racontait-il à l’AFP en février dernier. Et c’est aussi en noir qu’il s’est marié en 1942 avec Colette, dont il partage la vie depuis 77 ans. En 1979, Pierre Soulages a commencé à ne mettre que du noir sur ses toiles, inventant ce qu’il a appelé l’Outrenoir, un autre « champ mental que le noir ».

     

     

     

    Le choc de Conques

    Pierre Soulages est né en 1919 à Rodez, dans l’Aveyron. Son père, un carrossier qui fabrique des charrettes, meurt alors qu’il n’a que sept ans. Il est élevé par sa mère et sa sœur plus âgée que lui. Enfant, il s’évade en fréquentant les artisans de son quartier. Il en gardera un goût pour les outils, utilisant des pinceaux de peintre en bâtiment ou fabriquant lui-même ses instruments.

    Lors d’un voyage de classe, il visite l’abbatiale romane de Conques (dont il créera les vitraux, bien des années plus tard), un choc esthétique qui décidera de sa carrière : « C’est (…) là, je peux le dire, que tout jeune, j’ai décidé que l’art serait la chose la plus importante de ma vie », disait-il dans un entretien à la Bibliothèque Nationale de France en 2001.

    Il peint régulièrement à partir de 1934 et monte à 18 ans à Paris pour préparer le concours de l’Ecole des Beaux-Arts. Il est admis mais il trouve l’enseignement médiocre et décide de retourner à Rodez.

    La période de la guerre est mouvementée : il est mobilisé en juin 1940, démobilisé début 1941, il étudie à l’Ecole des Beaux-Arts de Montpellier, puis travaille dans un vignoble sous une fausse identité pour échapper au travail obligatoire en Allemagne.

     

     

     

    Soulages, ce n’est pas que le noir

    La carrière de peintre de Pierre Soulages commence réellement quand il s’installe à Courbevoie, en banlieue parisienne, avec Colette, en 1946. D’emblée, ses œuvres sont abstraites. Il combine d’épaisses lignes verticales, horizontales, obliques, comme des idéogrammes. Il peint sur papier avec du brou de noix, sur des verres cassés avec du goudron.

    Au-delà de Conques, il a été impressionné par l’art pariétal, dans lequel il puise ses couleurs. Des couleurs sourdes, de l’ocre au noir en passant par le rouge ou des bruns plus ou moins intenses. Pierre Soulages a employé le brou de noix, le goudron, le noir de fumée, le noir d’ivoire, toutes matières organiques qui réfèrent à l’art de la préhistoire, aux premiers signes tracés à l’aide d’un morceau de charbon de bois dans l’obscurité des grottes. La peinture de Pierre Soulages dialogue avec la Peinture elle-même…

    A partir de 1951, Soulages pratique aussi la gravure, sur plaques de cuivre. Ses estampes de petite taille utilisent toutes ces couleurs, en contraste avec le noir. Il réalise plus tard des lithographies où il utilise des couleurs plus vives, rouge vermillon, jaune vif, bleu. Puis des sérigraphies (c’est une sérigraphie de Soulages qui est d’ailleurs utilisée pour l’affiche du festival d’Avignon en 1996). Sur papier, il peint des gouaches où il introduit des bleus intenses et lumineux.

    Dans ses peintures des années 1950-1970, il fait contraster des formes noires avec des fonds colorés, puis il fait apparaître les couleurs du fond en raclant le noir. Ou bien il fait contraster le noir avec le blanc.

     

     

     

    L’outrenoir : le noir et la lumière

    C’est en 1979 que Pierre Soulages invente le mythique Outrenoir et ces toiles, pour lesquelles il est le plus connu, où il n’utilise que le noir. En 2009, lors de la rétrospective du Centre Pompidou, il expliquait à l’historien de l’art Hans-Ulrich Obrist que l’Outrenoir est né alors qu’il était en train de « rater une toile. Un grand barbouillis noir ». Déçu par le résultat, il est allé dormir. « Au réveil, je suis allé voir la toile », racontait-il. « Et j’ai vu que ce n’était plus le noir qui faisait vivre la toile mais le reflet de la lumière sur les surfaces noires. Sur les zones striées, la lumière vibrait, et sur les zones plates tout était calme ». Un nouvel espace s’ouvre, pour lui, devant la toile : « La lumière vient du tableau vers moi, je suis dans le tableau ».

     

    « Pour ne pas limiter ces peintures à un phénomène optique, j’ai inventé le mot Outrenoir, au-delà du noir, une lumière transmutée par le noir et, comme Outre-Rhin et Outre-Manche désignent un autre pays, Outrenoir désigne aussi un autre pays, un autre champ mental que celui du simple noir. » (Pierre Soulages)

     

    Il se met alors à jouer avec la matière de la peinture noire qu’il travaille avec des outils, créant du relief, la rendant luisante ou mate. Dessus, la lumière produit des changements de couleur. D’une toile en trois panneaux (Peinture 222 x 449 cm, 30 septembre 1983) qu’il avait observée chez lui à Sète, près de la Méditerranée, et qu’il présentait au Centre Pompidou en 2009, Pierre Soulages a dit : « Certains matins, elle est gris argent. A d’autres moments, captant les reflets de la mer, elle est bleue. A d’autres heures, elle prend des tons de brun cuivré (…). Un jour, je l’ai même vue verte : il y avait eu un orage et un coup de soleil sur les arbres qui ne sont pas loin de là ».

     

     

     

    Voir Soulages, de Conques à Rodez

    Les vitraux de l’abbatiale de Conques, une commande publique, sont une des grandes œuvres de Pierre Soulages. Elles lui ont demandé sept ans de travail, entre 1987 et 1994. Pour les 104 verrières, il a imaginé un verre particulier, créé avec le maître-verrier Jean-Dominique Fleury. Il utilise l’opacité et la transparence qu’il a réparties pour faire varier les intensités lumineuses en fonction de l’heure du jour : cela a donné des effets de couleurs inattendus. Des lignes fluides, obliques, légèrement courbes, courent sur le verre.

    Un autre lieu qu’il faut visiter absolument pour rencontrer Soulages, c’est le musée qui lui est consacré dans sa ville natale et qui possède le plus important ensemble de ses oeuvres. Le Musée Soulages de Rodez a ouvert ses portes en mai 2014. L’artiste en a accepté l’idée à condition qu’il soit ouvert à d’autres artistes. Il a fait une donation de 500 pièces au musée, dont de nombreuses gravures, des gouaches, des encres, des brous de noix, des huiles sur toile et tous les travaux liés à la création des vitraux de Conques (notamment les cartons). Il y a ajouté quatorze peintures dont un Outrenoir de 1986.

    Pour ses cent ans, le Louvre rend hommage à Pierre Soulages en exposant dans le Salon Carré une sélection d’une vingtaine d’œuvres couvrant toute sa carrière, prêtées par les grands musées du monde (du 11 décembre 2019 au 9 mars 2020). Le Centre Pompidou expose également une sélection de 14 des 25 œuvres de l’artiste conservées dans sa collection, dont sept provenant du legs de Pierrette Bloch jamais encore montrées au Centre. Le Musée Fabre de Montpellier, qui possède une collection importante de Soulages, lui rend aussi hommage avec un parcours enrichi de nouvelles oeuvres, dont des prêts.

     

    Source : France Info Culture

     

     

    [kleo_divider type= »full » double= »no » position= »center » text= »Pour aller plus loin » class= » » id= » »]

    [kleo_icon icon= »link » icon_size= »large »] Pierre Soulages, derrière le noir, la quête de la lumière

    [kleo_icon icon= »link » icon_size= »large »] Pierre Soulages, quand la matière devient lumière

    [kleo_icon icon= »link » icon_size= »large »] Le Siècle Soulages à Rodez

     

     

     

  • Rétrospective Vasarely au Centre Pompidou : Le Partage des Formes

     

     

    Jamais une rétrospective ne lui avait été consacrée en France : Victor Vasarely, le père de l’art optique, est célébré au Centre Pompidou à Paris. L’œuvre foisonnante, parfois méconnue, de cet artiste d’origine hongroise, qui aura marqué la culture populaire de l’époque, est à revoir jusqu’au 6 mai 2019.

     

    Enfin la première grande rétrospective française consacrée à Victor Vasarely, considéré comme le père de l’art optique. Il était l’un des artistes préférés du couple Pompidou dans les années 70, et le voici mis à l’honneur au Centre Beaubourg. Des images colorées et géométriques aux dessins qui jouent sur l’illusion, son art s’impose dans la vie quotidienne. Son oeuvre fut ensuite quelque peu méprisée. Elle est donc réhabilitée plus de vingt ans après la disparition de l’artiste.

     

    C’est moi qui ai imaginé ce logo…

     

     

     

    ou la façade du siège historique de la radio RTL Rue Bayard en 1972…

     

     

     

    J’ai réalisé le décor de l’émission télé « La Une est à Vous » en 1973 ou encore la pochette de l’album « Space Oddity » de David Bowie. Qui suis-je ?

     

     

     

    Victor Vasarely, artiste hongrois, père de l’art optique et fervent défenseur de l’art pour tous : « Je considère que l’art doit être la nourriture de tout le monde ». Retour sur l’oeuvre prolifique de cette figure des années 60, disparue en 1997, en compagnie de son petit fils, Pierre Vasarely.

     

    « Vasarely n’était pas seulement utopiste ou utopique, il était aussi visionnaire. » (Pierre Vasarely)

     

    Lorsqu’il arrive en France en 1930, de sa Hongrie natale, Victor Vasarely a 24 ans. Il exerce d’abord la profession de graphiste dans les grandes agences publicitaires de l’époque. Il vient de terminer sa formation auprès de son compatriote Sandor Bortnyik, une des figures de l’avant-garde constructiviste.

     

    Sandor Bortnyik : « The New Adam » (1924)

     

    Sandor Bortnyik : « The New Eve » (1924)

     

     

    « La philosophie qui anime sa création, c’est celle de l’art utile. L’art utile et la forme efficace… » (Arnauld Pierre, Commissaire de l’exposition)

     

    Le jeune Vasarely a déjà trouvé son leitmotiv, mais il lui reste à forger son style. Et c’est à Belle-Île, sur une plage de galets, que lui vient l’inspiration…

     

    « Vasarely a une sorte de révélation du sentiment océanique, de l’unité de toute chose. Il contemple les formes d’un galet, il observe le rythme des vagues, la forme des nuages ou celle du soleil qui se couche à l’horizon et qui s’écrase peu à peu à ses pôles… Il comprend que tout cela est uni, finalement, par les mêmes forces, les mêmes formes fondamentales. » (Arnauld Pierre)

     

    Victor Vasarely : « Belle-Isle GP » (Huile sur Isorel, 1952) © Philippe Migeat

     

     

    Vasarely invente ainsi sa « géométrie du réel ». Il retranscrit à travers ces formes abstraites les paysages de l’île grecque de Santorin, du Vaucluse ou encore de la mer des Caraïbes. Mais c’est surtout à partir de 1950, quand il peint ces lignes noires et blanches, qu’il crée l’événement. Ses toiles deviennent synaptiques et mobiles ; il vient de donner naissance à l’art optique.

     

    Victor Vasarely : « Vegaviv II » (1955)

     

     

    « Il cherche absolument l’activation de la vision. Vasarely est un artiste qui s’intéresse non seulement aux formes, mais aussi à la perception de ces formes. Ses oeuvres nous placent face à des forces actives. Et ces forces, il les compare à celles qu’émet le cosmos, ou à celles qui unissent la matière comme aux forces intra-atomiques. » (Arnauld Pierre)

     

    Ce nouveau courant fait des émules. De nombreux artistes de sa génération expérimentent à leur tour. En 1955, Vasarely expose aux côtés de Marcel Duchamp ou encore Alexander Calder.

     

    « L’idée, au bout de quelques années, a énormément plu aux Américains. Et c’est à cette période qu’un manager a décidé de nommer cette nouvelle tendance de la peinture « Optimal Art », qui est rapidement devenue « Op Art ». » (Entretien entre Michel Polnareff et Victor Vasarely, 1968)

     

    Au fond, l’Op Art est le Pop de l’abstraction… C’est ainsi que Vasarely donnera à l’Op Art les couleurs de la Pop Culture. Et pour le vulgariser plus encore, l’artiste met au point un alphabet plastique, sorte d’espéranto composé de formes et de couleurs, censé faciliter la reproduction de ses oeuvres.

     

    Victor Vasarely : « Estampe Koska A » (1974)

     

     

    « A la toute fin des années 50, Vasarely dépose une sorte de brevet, afin de conceptualiser l’idée d’un langage visuel universel, qui serait constitué d’une suite de petites unités. Ces unités, ce sont des formes carrées, d’une certaine couleur, dans lesquelles sont incrustées d’autres formes simples, telles que des ronds, triangles, carrés d’une autre couleur. Et ce concept ne lui appartient d’ailleurs pas totalement. Il dit, au fond : emparez-vous de cela, et on engendrera ensemble un nouveau folklore planétaire. » (Arnauld Pierre)

     

    Victor Vasarely : « Kroa MC » (1970)

     

     

    « Il est dans un discours totalement révolutionnaire pour l’époque. Avec ce désir, avant les autres, de faire descendre l’art dans la rue. Que son art soit un art social, et qu’il puisse profiter au plus grand nombre. » (Pierre Vasarely, Président de la Fondation Vasarely)

     

    De la vaisselle aux couvertures de magazines, en passant par la décoration, la mode et l’architecture, au coeur des années 60, Victor Vasarely est partout. Artiste prolifique, il inonde les foyers français et ne s’offusque pas qu’on le copie. Tant et si bien qu’à la fin des années 70, on frôle l’overdose…

     

     

     

    « Trop de Vasarely tue Vasarely… Ayant réussi à ce point, et bien au-delà de ses espérances, Vasarely a subi le classique retour de bâton. Le pendule repart en arrière, ce que les gens ont adoré à un moment est détesté, et on efface Vasarely durant un quart de siècle. Jusqu’à aujourd’hui, pratiquement, où on redécouvre cet artiste majeur. » (Arnauld Pierre)

     

    L’art optique suscite ainsi de nouveau l’intérêt du public. Mais il inspire aussi les artistes de la nouvelle génération, comme Miguel Chevalier et sa « Pixel Wave » en 2015. La doctrine de Vasarely, quant à elle, n’a finalement pas pris une ride… Ce que l’artiste hongrois a complètement changé dans le monde de l’art, c’est une approche totalement débarrassée de toute sacralité qui s’attachait au mythe de l’artiste génial…

     

    Miguel Chevalier : « Pixel Wave » (2015)

     

    Miguel Chevalier : « Pixel Wave » (2015)

     

     

    « Il était véritablement un théoricien de cette recherche appliquée, qui voulait que l’artiste devait quitter son piédestal de créateur. Il s’agit vraiment pour lui d’engendrer un art populaire, qui finisse par échapper complètement à son créateur. » (Pierre Vasarely)

     

    « Vasarely, le Partage des Formes » à découvrir au Centre Pompidou jusqu’au 06 mai 2019. Quant aux oeuvres monumentales du père de l’art optique, elles sont aussi visibles à la Fondation Vasarely qui vient tout juste de rouvrir ses portes à Aix-en-Provence.

     

     

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  • Portrait chinois du designer français Ora ïto

     

     

    Autodidacte surdoué, Ora-ïto, 40 ans, est entré dans le design par effraction, en créant en 1997 des objets virtuels inspirés par des griffes internationales (Vuitton, Nike, Apple…), séduisant instantanément les internautes de la préhistoire du Web.

     

    Vingt ans plus tard, le fils du joaillier Pascal Morabito s’est taillé un nom à sa démesure : il entre au musée dans la collection du Centre Pompidou, avec les fichiers 3D de ses « Virtual Products » et six objets bien réels, dont la bouteille Heineken en aluminium. Ora-ïto est partout… Il achève un hôtel à Paris avec Daniel Buren, un tramway à Nice, et expose en 2016 l’artiste suisse Felice Varini sur le toit-terrasse de la Cité Radieuse à Marseille, qu’il a acheté en 2012 et transformé en centre d’art contemporain, le MaMo.

     

    Vous êtes un Tweet en 140 caractères max…

    « Donnez-moi le luxe de la vie et je me passerai volontiers de l’accessoire. » (« Give me the luxuries of life and I will willingly do without the necessities. »). Ce n’est pas de moi, mais de l’architecte américain Frank Lloyd Wright.

     

    Vous êtes un hashtag…

    #ayrtonboy, mon fidèle compagnon, un teckel qui relate sa vie sur les réseaux sociaux. Et #MarseilleModulor, le musée que j’ai créé sur le toit de la Cité Radieuse, baptisée à Marseille la « Maison du Fada ». Elle a été conçue en 1945 par Le Corbusier et classée au Patrimoine mondial de l’Unesco cet été. C’est un musée fascinant car sous le ciel, les œuvres changent à chaque fois que passent des nuages, ce que les internautes relaient par leurs photos…

     

    Vous êtes un complot ou une fausse rumeur…

    Trop de gens adorent les fausses rumeurs, inutile d’en lancer de vraies !

     

    Vous êtes la fonction d’un robot intelligent…

    « Off » : la capacité à décider du moment parfait pour s’éteindre soi-même.

     

    Vous êtes une application mobile idéale…

    Le Shazam des yeux…

     

    Vous êtes un lanceur d’alerte…

    Je suis un lanceur d’idées et de solutions, je déteste les alertes.

     

    Vous êtes un geste pas écolo…

    Prendre un bain. Ça me relaxe extraordinairement d’autant que de ma baignoire, j’ai vue sur une place historique de Paris.

     

    Vous êtes un sandwich…

    Le croque-madame, bien entendu !

     

    Vous êtes un mot à la mode insupportable…

    « Slow » : moi, je vis à cent à l’heure pour ne rien rater de la vie !

     

    Vous êtes une émission de télé…

    « 21 cm », sur Canal+. On a le droit de frimer, non ? C’est « le plaisir de la découverte et du grand », comme dit mon ami Augustin Trapenard, qui présente ce magazine littéraire.

     

    Vous êtes fast ou slow-food…

    Surtout fast ; le slow-food dépend de la région traversée et des gourmandises qu’elle promet.

     

    Vous êtes made in France ou Tout à 10 euros ?

    Né à Marseille, élevé à Nice et voyageant beaucoup pour mon métier, je suis made in PACA-Pulco…

     

    Vous êtes Tinder ou fin de soirée arrosée ?

    Fin de soirée arrosée, ça délie les langues…

     

    Vous êtes un néologisme…

    La « simplexité », soit l’idée qu’il est des plus complexes de créer un objet simple. J’aime qu’on ne voie pas l’effort, comme ces danseuses qui ont tant travaillé seules à la barre, puis répété, pour que le résultat semble fluide, le talent inné.

     

    Quelle époque auriez-vous aimé connaître ?

    Chicago, époque prohibition. J’aime la vie underground, les plaisirs cachés.

     

    Ce sera mieux demain quand…

    On arrêtera de jeter des tonnes de plastiques dans la mer Méditerranée que je vénère.

     

    © Véronique Lorelle pour Le Monde

     

     

     

  • L’événement Walker Evans au Centre Pompidou

     

     

    À travers plus de quatre cents photographies et documents, la rétrospective Walker Evans (1903-1975) présentée au Centre Pompidou témoigne de l’obsession de ce photographe américain pour la culture vernaculaire de son pays. Evans est l’un des photographes américains les plus marquants du 20ème siècle.

     

    « Vous ne voulez pas que votre œuvre vienne de l’art ; vous voulez qu’elle prenne origine dans la vie ? Alors c’est dans la rue qu’elle se trouve. Je ne me sens plus à l’aise dans les musées. Je n’ai pas envie de les visiter. Je ne veux pas qu’on m’apprenne quoi que ce soit. Je ne veux pas voir de l’art « accompli ». Je m’intéresse à ce que l’on appelle le vernaculaire. » Walker Evans, entretien avec Leslie Katz (1971).

    Walker Evans est pourtant le premier photographe à se considérer comme artiste en tant que tel, et va sans cesse défendre une approche documentaire dans son art. Il a comme sujet de prédilection son propre pays, les Etats-Unis. Il devient donc tout naturellement à partir des années 30 le photographe de l’Amérique populaire, et rien ne lui échappe.

    Julie Jones, attachée de conservation au Centre Pompidou, à Anne Chépeau, Radio France : « Qu’est-ce qu’on voit aux Etats-Unis ? On voit des baraques au bord des routes, on voit des devantures de magasin, on voit des gens dans les rues, des architectures typiques, des publicités, des affiches de cinéma. Walker Evans va donc s’attacher à rendre compte de l’environnement visuel de tous, dans ce pays si vaste que sont les Etats-Unis. »

    L’exposition retrace la totalité de la carrière de Walker Evans, des premiers autoportraits de la fin des années 20 aux polaroïds des années 70. Certaines series nous plongent au coeur même de l’identité américaine. Walker Evans photographie donc les baraques de bord de route, et notamment un garage dans la banlieue d’Atlanta.

     

     

    « On voit sur cette image ce garage un peu de fortune, évidemment situé au bord de la route. Une automobile est garée juste devant l’entrée, attendant peut-être d’être réparée. On y voit des pneus exposés sur la devanture, des accessoires, des pièces détachées, comme une sorte de cabinet de curiosité, et parmi tous ces gens devant le garage, on repère une femme qui semble attendre quelque chose. Tous ces éléments créent une sorte d’ambiance quasi cinématographique, caractéristique de l’esthétique d’Evans. »

     

    Si les vitrines, les enseignes, les publicités le passionnent, Walker Evans aime aussi saisir le regard des anonymes, « ceux qui, comme il l’écrivit, parlent avec leurs yeux ».

     

    « Ses portraits les plus connus sont sans doute ceux qu’il réalise en 1936 en Alabama, où il part avec l’écrivain James Agee pour le magazine Fortune, photographier trois familles de métayers victimes de la dépression, comme tant d’autres. Il part donc avec un appareil moyen-format avec lequel il va faire des portraits absolument magnifiques, de façon souvent très frontale. A travers ces portraits, tout l’art de Walker Evans est de laisser ces gens nous parler. » (Julie Jones)

    De retour à New York, dans la continuité de son travail de portraitiste inlassable de cette Amérique laborieuse des années 30, Walker Evans descend dans le métro new-yorkais de 1938 à 1941, et cachant son appareil sous son manteau, va photographier en toute discrétion les passagers assis en face de lui. En résultent des instants de vérité, qui constituent une étonnante galerie de portraits.

    A découvrir d’urgence au Centre Pompidou…

     

     

    Crédit photographique :

    © Walker Evans Archive, The Metropolitan Museum of Art

    © Fernando Maquieira, Cromotex

     

    L’événement Walker Evans, du 26 avril au 14 août 2017, Galerie 2 du Centre Pompidou (Paris)

    tous les jours de 11h à 21h, sauf les jeudis de 11h à 23h

     

     

     

  • Brassaï : Graffiti

     

     

    « Ces signes succincts ne sont rien moins que l’origine de l’écriture, ces animaux, ces monstres, ces démons, ces héros, ces dieux phalliques, rien moins que les éléments de la mythologie. »

     

    Les dessins et signes tracés ou grattés sur les murs de Paris ont fasciné Brassaï du début des années 1930 jusqu’à la fin de sa vie. Le photographe a constamment traqué ces expressions durant toute sa carrière, leur consacrant une importante série qui a pris forme dans un livre et à travers plusieurs expositions.

    Grâce à la richesse de sa collection de photographies, le Centre Pompidou propose une présentation thématique de la célèbre série « Graffiti » du photographe français d’origine hongroise. L’exposition replace la série dans le contexte de la fascination pour l’art brut d’artistes et écrivains proches de Brassaï : Raymond Queneau, Jean Dubuffet, Pablo Picasso, Jacques Prévert, notamment. Des documents enrichissent cette présentation inédite offrant au public d’en approfondir la compréhension et l’écho.

     

    « Le mur se dresse tel un défi. Protecteur de la propriété, défenseur de l’ordre, il reçoit protestations, injures, revendications et toutes les passions, politiques, sexuelles ou sociales. La Révolution française commença par détruire un mur, celui de la Bastille. Les journaux, les affiches n’ont pu supplanter les écritures murales. Un mot tracé à la main, en lettres immenses, a une emprise que n’aura jamais une affiche. Animé encore de l’émotion ou de la colère du geste, il hurle, barre le chemin. »

     

    C’est avec ces mots que Brassaï, photographe français d’origine hongroise, commentait, en 1933, la première publication de quelques-unes de ses photographies des fragments des murs parisiens parues dans la revue Minotaure. La série des « Graffiti », à laquelle le photographe travaillera pendant plus de vingt-cinq ans, est riche de plusieurs centaines d’images, dont une partie reste méconnue. L’exposition que présente le Centre Pompidou dans la Galerie de photographies, en dévoilant des inédits, propose un regard approfondi sur ce célèbre ensemble et sa fortune auprès d’artistes et d’écrivains proches de Brassaï : Pablo Picasso, Jacques Prévert, Jean Dubuffet, notamment.

    Flâneur nocturne, Brassaï s’intéresse dès ses débuts aux quartiers « mal famés » de Paris et à la culture populaire. Il est le premier, dans l’histoire de la photographie moderne, à penser intuitivement l’appareil photographique comme un outil de dissection de l’urbain. Il concentre son regard sur des dessins, signes et gribouillages inscrits sur les murs de Paris. À l’instar de ses clichés des pavés, il resserre son cadre, s’attache au détail et met en valeur un objet a priori sans importance, exactement comme il l’avait fait pour les Sculptures involontaires avec Salvador Dalí. Ces règles formelles établies, Brassaï entame un projet d’enregistrement systématique : au fil des années, il constitue un catalogue – un imagier populaire – des traces laissées sur les murs par les habitants de la capitale. Publiés pour la première fois dans le contexte surréaliste, ces dessins trouvés et photographiés sont lus comme l’expression de l’inconscient de la métropole. Rassemblés dans les années 1950 pour des expositions et édités dans le livre Graffiti (1961), ils sont soumis à une typologie proposée par l’artiste. Cette démarche inscrit sa pratique dans le contexte naissant de l’ethnologie et de la sociologie du quotidien.

    L’exposition prend sa source dans l’ensemble exceptionnel des « Graffiti » que conserve le Centre Pompidou et porte un regard nouveau sur ces images. Elle les inscrit dans le cadre plus large de la fascination exercée par l’art populaire sur certains artistes et écrivains en quête des sources premières de la création artistique. Grâce aux prêts d’œuvres venues de l’Estate Brassaï, de collections privées et d’autres institutions, l’exposition montre comment certains tirages de la série ont été réutilisés par des artistes : intégrés à des collages, illustrant des recueils de poésie, inspirant un dialogue avec des réalisations sculpturales ou graphiques.

     

    Brassaï : Graffiti au Centre Pompidou, du 09 novembre 2016 au 30 janvier 2017

    Commissaire : Mnam/Cci, Karolina Ziebinska-Lewandowska

    Crédit photographique : © Centre Pompidou / Photo A. Rzepka / dist. Rmn-GP, © Estate Brassaï

    Brassaï, « Graffiti », de la série « Images primitives », 1935-1950

     

     

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    L’exposition Brassaï s’écoute aussi sur Soundcloud !

     

     

     

  • Rétrospective Paul Klee au Centre Pompidou (du 6 avril au 1er août 2016)

     

     

    Cela faisait 47 ans que la France n’avait pas organisé de grande rétrospective consacrée à l’artiste allemand Paul Klee.

     

    La dernière avait eu lieu en 1969 au Musée National d’Art Moderne.

    250 œuvres de Paul Klee sont donc exposées actuellement au Centre Pompidou, sur un thème défini : « L’ironie romantique », le goût de la satire et de l’ironie ayant toujours été très forts chez le peintre. On y verra aussi bien des peintures que des sculptures ou des dessins, dont certains n’ont jamais été montrés en France et d’autres qui furent exécutés durant sa jeunesse sont en cela plus méconnus.

    L’exposition se découpe en sept sections correspondant à des étapes bien spécifiques du parcours de l’artiste. Elle tend à montrer comment, au fil des différentes périodes de sa vie, Paul Klee parvient à dénoncer avec ironie les dogmes et les normes de ses contemporains. Arme redoutable, cette ironie lui sert à déjouer les règles et ainsi affirmer sa liberté totale. Insoumission, transgression, idéalisme, Klee refuse d’être un suiveur, un épigone, et choisit la satire. Parmi les œuvres, trois sont particulièrement extraordinaires :

    • « Chemin principal et Chemins secondaires » (1929 – Musée de Cologne)
    • « Insula Dulcamara » (1938 – Musée de Berne)
    • et le mythique « Angelus Novus » exposé à côté du texte de Walter Benjamin qui lui est consacré (Aquarelle 1920 – Collection du musée d’Israël)

     

     

     

     

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    Du 6 avril au 1er août 2016

    Visites ouvertes de 11h à 21h – Nocturne tous les jeudis soirs jusqu’à 23h

    Tarif : 14 euros

     

     

    [kleo_divider type= »full » double= »no » position= »center » text= »Pour aller plus loin » class= » » id= » »]

    [kleo_icon icon= »link » icon_size= »large »] Centre Pompidou

    [kleo_icon icon= »link » icon_size= »large »] Vidéo Exposition

     

     

     

     

  • Pierre Paulin | Rétrospective à Beaubourg

     

     

    Choisi par deux présidents de la République, Georges Pompidou et François Mitterrand, pour réaménager une partie de l’Elysée, le designer Pierre Paulin est une grande figure de la création de l’après-guerre. Une rétrospective lui est consacrée à Beaubourg.

     

    Depuis le 11 mai 2016, ça sent bon les années 60, au Centre Pompidou à Paris. Première rétrospective d’ampleur pour Pierre Paulin, l’un des designers les plus emblématiques des Trente Glorieuses. Décédé en 2009, il fut le designer des présidents Pompidou et Mitterrand, mais officia aussi pour le Musée du Louvre. A partir de 1958, il révolutionne l’histoire du design avec une innovation technologique, la Jersey Mania. Très inspiré par le goût scandinave, il dessine des meubles confortables qui épousent les formes du corps. Un nouvel art de vivre…

    « Pierre a apporté quelque chose de tout à fait passionnant, c’est la notion du tissu stretch, qui permettait de cacher les structures du siège, et de le rendre rondouillet, sympathique et intégrable. C’est là une révolution dans le monde de la tapisserie, et dans la conception même du siège. » (Maïa Paulin, associée et épouse de Pierre Paulin)

    « Pierre Paulin va reprendre le procédé du maillot de bain, qu’on voit fleurir dans les années 50. Il va venir enfiler ce système de chaussette en jersey sur ses structures de mobilier. Et ça, c’est complètement nouveau. Par ce système, Pierre Paulin va faire disparaître le piètement, les pieds des pièces de mobilier, et ses sièges vont devenir des ponctuations chromatiques, d’une seule et même couleur très vive, qu’il va disperser dans ses aménagements. » (Cloé Pitiot, commissaire de l’exposition)

    « J’ai pu développer quelque chose qui m’était assez cher. Quand on utilise des techniques nouvelles, immédiatement, on débouche sur des esthétiques nouvelles. » (Pierre Paulin, 2007)

     

    Visionnaire des formes, Pierre Paulin fait ses gammes, avec des lignes toujours rondes et épurées, et une palette bien vitaminée.

     

    « Il est très attaché à la couleur, et en particulier aux couleurs du Nord. Les bleus glacier, les gris perlés, qu’il mélange avec d’autres couleurs plutôt indiennes, les jaunes safran, les roses tyriens, les bleus cyan, les verts pomme. » (Cloé Pitiot)

    Inventeur du siège-langue ou du fauteuil-champignon, c’est peut-être parce que Pierre Paulin rêve de design automobile qu’il décape à ce point les grands classiques du design mobilier. Avec lui, la causeuse ou la boudeuse ont de la pêche…

    « Tout est parti du siège automobile. Ou comment faire léger et pratique. Et si vous regardez le siège-champignon, il est directement inspiré du siège-crapaud. » (Maïa Paulin)

     

    Plus qu’un simple designer, Pierre Paulin a aussi donné forme à un nouvel art de vivre.

     

    « On a découvert dans les années 60 la convivialité. Ca impliquait des sièges d’une toute autre nature. Il va donc débrider tous les codes qui se trouvaient jusqu’alors dans nos architectures ou dans la manière de poser nos mobiliers. Et jusqu’à dans la manière d’assoir le corps, en fait. » (Cloé Pitiot)

    « Le Japon a été très décisif. A partir du travail sur les tatamis, il a décliné ces techniques pour ses fameux tapis-sièges. Il a aussi été très influencé par le monde oriental, avec en particulier ce tapis qui vient du mur, en descendant vers le sol, et sur lequel on peut s’assoir. Car dans les années 60, on vivait très ras-le-sol. » (Maïa Paulin)

    Avec Pierre Paulin, c’est aussi la naissance du design sculpture. Pour beaucoup de ses sièges, on peut parler de sculptures car on peut tourner autour… Ce ne sont pas des sièges que l’on colle contre un mur. Ils sont beaux, et quel que soit l’angle sous lequel on les regarde…

    Sculptural et confortable, tel est le leitmotiv Pierre Paulin.

    A découvrir à Beaubourg, jusqu’au 22 septembre 2016.

     

    L’événement Pierre Paulin au Centre Pompidou :

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  • Rétrospective Jeff Koons au Centre Pompidou

     

    On ne peut pas dire que Jeff Koons ait vraiment la gueule de l’emploi… C’est probablement son passé de trader qui lui permet de brouiller à ce point les pistes, et faire tomber les frontières entre culture populaire et art élitiste. Il n’en reste pas moins que Jeff Koons, qui vient de fêter ses 60 ans le 21 janvier dernier, est devenu en moins de trente ans un des artistes majeurs de l’art contemporain. Et un des plus chers… Le pape du « néo-pop » est un habitué des records : sa sculpture Balloon Dog, en version orange, a été adjugée au prix record de 58,4 millions de dollars en 2013.

    Le Centre Pompidou consacre donc à Jeff Koons, jusqu’au 27 avril 2015, une grande rétrospective réunissant une centaine d’œuvres de l’artiste, soigneusement choisies parmi les quelques trois-cents productions de celui qui est devenu trader pour pouvoir les financer.

    Très tôt, loin de faire de ses oeuvres des projets unilatéraux, Jeff Koons se montre attaché à un perfectionnisme pointilleux, et collabore avec les plus grands pour travailler la matière, la couleur, l’esthétique de ses oeuvres. Que ce soit avec un prix Nobel de physique pour créer des aquariums où des ballons flottent en suspension à mi-hauteur, des fondeurs pour travailler la rondeur parfaite de Ballon Dog et son brillant à tout épreuve, ou encore des graphistes pour travailler des mois durant sur un portrait, il cherche jusqu’au bout la courbe, le trait, la couleur parfaite. Vous découvrirez aussi un cabinet un peu à part au centre de ce hall 1 haut en couleur, au sein duquel l’accès est réservé à un public averti, car retraçant ses oeuvres avec sa première femme La Cicciolina.

    © Jeff Koons 2014 – Centre Pompidou 2014

    26 novembre 2014 au 27 avril 2015

    de 11h00 à 21h00 – Galerie 1 – Centre Pompidou, Paris

     

     

     

     

    [kleo_divider type= »full » double= »no » position= »center » text= »Pour aller plus loin » class= » » id= » »]

    [kleo_icon icon= »link » icon_size= »large »] Jeff Koons Official