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Catégorie : Focus

Un article de fond sur un thème que nos rédacteurs ont sélectionné

  • Focus | La légende de Robert Johnson

     

     

    Robert Johnson n’est pas un bluesman parmi tant d’autres… Avant lui, il y eut bien quelques bluesmen fondateurs, de W.C. Handy à Charlie Patton, en passant par Tommy Johnson, parmi lesquels certains sont d’ailleurs passés à la postérité. Après lui, et jusqu’à nos jours, pléthore de bluesmen ont bien-sûr continué à écrire l’histoire de cette musique… Mais Robert Johnson est le blues.

     

    D’abord, cette vie… Une vie digne des plus beaux romans de Balzac, à la dramaturgie imparable, et où tous les ingrédients sont réunis pour forger la légende de Johnson, qui se confondra peu à peu avec la légende de cette musique qu’il aura contribué à rendre si populaire : le blues… Robert Leroy Johnson serait né le 8 mai 1911, à Hazlehurst, dans le sud du Mississippi, l’état alors le plus dur à l’encontre de la communauté noire, pourtant majoritaire. Enfant naturel et petit-fils d’esclaves, son existence d’affranchi n’a cependant rien à envier à celle de ses grands-parents. En effet, après l’abolition de l’esclavage en 1865, ces anciens esclaves sont devenus des employés exploités par ceux qui étaient jusqu’alors leurs « maîtres ». C’est donc dans ce climat de misère et de chaos familial que Robert Johnson vit sa plus « tendre » enfance et son adolescence, balloté entre une mère ayant déjà enfanté à dix reprises, un père « inconnu », Noah Johnson, que Robert n’aura de cesse que de rechercher toute sa vie, des beaux-pères successifs, mais aussi des villes, des écoles, et divers noms de famille, entre Spencer, Dodds ou Willis… Ca n’est d’ailleurs qu’à seize ans qu’il adoptera définitivement le nom de Johnson.

    A quatorze ans, Robert Johnson abandonne la guimbarde pour l’harmonica, qui restera pendant longtemps son instrument de prédilection. Mais c’est à la fin des années 20 qu’il rencontre deux figures mythiques du blues, qui lui enseignent les rudiments de cette musique : Charlie Patton (1891 – 1934), le père du « Delta Blues », une des toutes premières formes de blues, qui inspirera bon nombre de musiciens malgré sa courte carrière, de John Lee Hooker à Son House, en passant par Howlin’ Wolf, Robert Palmer, Bob Dylan, jusque The White Stripes et… Francis Cabrel, et Willie Brown (1900 – 1952), dont on sait peu de choses, si ce n’est qu’il collabora régulièrement avec Patton jusqu’à la mort prématuré de ce dernier.

    En 1929, à l’âge de dix-huit ans, Robert Johnson découvre donc le blues, et se met à la guitare, sans abandonner pour autant l’harmonica, pour lequel il a confectionné un support qui lui permet de jouer des deux instruments en même temps.

    Mais c’est en 1930 qu’un événement tragique le précipite définitivement dans les bras du blues, la « musique du diable »… Sa femme de seize ans perd la vie, ainsi que leur enfant, suite à un accident qu’il aurait lui-même provoqué. Robert Johnson est anéanti, et pour calmer son immense peine, il se réfugie corps et âme dans la musique. C’est à cette période qu’il rencontre Son House, qui le ridiculise en public lors d’un concert : « tu ne sais pas jouer de la guitare, tu fais fuir les gens ».

    Vexé par cet affront, Robert Johnson retourne s’installer à Hazlehurst, sa ville natale, et il y rencontre Ike Zinnerman qui deviendra son mentor et le poussera à prêcher la « mauvaise parole » du blues dans les états du Sud. Cet homme étrange disait devoir la maîtrise de son instrument à la fréquentation d’un cimetière ; il exerce une influence certaine sur Robert, qui répétera à maintes reprises avoir appris à dominer sa « six cordes » à minuit, sur les tombes…

    Lorsqu’il revient à Robinsonville deux ans plus tard pour montrer ses progrès à Son House et Willie Brown, ceux-ci sont stupéfaits par la virtuosité et le talent sans bornes du jeune homme. C’est à ce moment précis que nait la légende de Robert Johnson, selon laquelle il aurait conclu un pacte avec le diable, une nuit sombre, à un carrefour au fin fond du Mississippi. Car ces années d’apprentissage et de concerts minables dans tous les « juke-joints » de l’état ne peuvent pas expliquer une telle métamorphose…

    Voilà ce que relate sa chanson « Crossroads » (enregistrée en novembre 1936) : un soir, à minuit, en pleine misère et en plein désarroi, le Diable lui a rendu visite à ce carrefour, pour lui proposer un pacte : le talent en échange de son âme. Ainsi, le blues ne pouvait pas mieux justifier cette appellation de « musique du diable »…

    Mais en réalité, cette légende proviendrait de son homonyme, Tommy Johnson, qui aurait vendu son âme au diable en échange de sa virtuosité à la guitare. Et Robert n’aurait fait que reprendre cette légende à son compte, à moins qu’elle ne lui ait été attribuée par erreur. C’est d’ailleurs le personnage de Tommy Johnson qui apparait dans O’Brother des frères Coen. De quoi finalement continuer à alimenter la polémique, et donc la légende de Robert Johnson…

    Et pour parachever le tout, Robert Johnson n’aura gravé durant sa courte carrière, sur vinyle et à la postérité, que 29 chansons en tout et pour tout, enregistrées lors de deux uniques sessions studio, en novembre 1936 à San Antonio, puis en juin 1937 à Dallas. La légende veut qu’il aurait écrit une 30ème chanson, mais que le Diable l’aurait gardée pour lui… Ce morceau qu’il n’a pas eu le temps d’enregistrer serait « Mister Downchild », repris ensuite par Sonny Boy Williamson.

    Mais Robert Johnson, c’est aussi trois uniques photos prises de son vivant, ainsi que trois tombes réparties dans l’état du Mississippi, son lieu de sépulture le plus probable étant Morgan City, où l’on peut lire sur la pierre tombale dressée en 1991 : « Ci-git Robert Johnson, roi des chanteurs du Delta Blues. Sa musique fit vibrer un accord qui continue de résonner. Ses blues s’adressaient à des générations qu’il ne connaîtrait jamais, et transformaient en poésie ses visions et ses peurs ».

    Le 16 août 1938, Robert Johnson meurt des suites d’un mystérieux empoisonnement… par un mari jaloux, après avoir agonisé pendant trois jours, dira encore la légende. Il n’avait que 27 ans. Pour la petite histoire… Ou pour la grande, il est le tout premier membre fondateur du fameux « Club des 27 » réunissant les artistes morts à 27 ans.

    Robert Johnson accédera à un début de notoriété en 1961, avec la sortie de l’album « King of the Delta Blues Singers », et deviendra ensuite la référence absolue pour toutes les générations de musiciens qui lui ont succédé, au-delà des frontières du blues, de Muddy Waters à Jimi Hendrix, en passant par John Lee Hooker, Elmore James, Robert Lockwood, Eric Clapton, les Allman Brothers, ou encore les Rolling Stones.

    A noter que tous les enregistrements de Robert Johnson ayant pu être récupérés, y compris les inédits, sont disponibles sur le double CD : « Robert Johnson – The Complete Recordings » (Collection Roots N’Blues – Sorti chez CBS en 1990 et réédité chez Sony Music Entertainment en 1996).

    Et pour finir, vous pourrez visionner Crossroads, film américain de Walter Hill sorti en 1986, qui évoque Robert Johnson à travers l’histoire d’un jeune guitariste blanc qui part à la recherche de la « légendaire » 30ème chanson du bluesman.

    Pour toutes ces raisons, Robert Johnson est le blues…

    Et là, pour la peine, ça n’est pas une légende…

     

     

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    [kleo_divider type= »full » double= »no » position= »center » text= »Pour aller plus loin » class= » » id= » »]

    [kleo_icon icon= »link » icon_size= »large »] Robert Johnson Blues Foundation

    [kleo_icon icon= »link » icon_size= »large »]  robertjohnson.fr

    [kleo_icon icon= »link » icon_size= »large »] Robert Johnson @ Deezer

    [kleo_icon icon= »link » icon_size= »large »] La Chronique d’André Manoukian

    [kleo_icon icon= »link » icon_size= »large »]  Supernatural Crossroad Blues Intro

    [kleo_icon icon= »link » icon_size= »large »]  Eric Clapton – Session For Robert Johnson – Me And The Devil Blues

    [kleo_icon icon= »link » icon_size= »large »]  Robert Johnson – Supernatural – Crossroad Blues

     

     

     

  • Steve Reich, tout est bruit pour qui a peur

     

     

    [kleo_pin type= »circle » left= »yes » right= » » top= » » bottom= » »]          « FOCUS »: un article de fond sur un thème que nos rédacteurs ont sélectionné.

     

     

    « City Life » est une œuvre du compositeur américain Steve Reich. Très bien. Mais encore ?

     

    Partie intégrante d’un large mouvement artistique venu tout droit des États-Unis, nommé « Musique Minimaliste », l’œuvre de Reich, inscrite dans ce que l’on appelle la « Musique Répétitive », est en elle-même originale dans le sens où depuis la fin des 60’s, le compositeur a inventé, développé, perfectionné un style qui lui est propre : le « Phasing ». Le déphasage, in French. Non pas que le monsieur soit lui-même déphasé, bien au contraire, et encore que, mais comme tout artiste qui se respecte ou se trouve respecté, Steve Reich conçoit et pense la musique, (les arts en général), dans sa réalité sociale.

    Déphasage et réalité sociale, donc. Une interprétation. La mienne. Mais il n’y a pas que cela… D’autres œuvres peuvent différer, un peu, pas trop non plus, faut pas exagérer.

    Steve Reich a mis de coté ses études en philosophie pour se consacrer à la musique. Musique qu’il a toujours connue. Papa est compositeur à Broadway, maman est chanteuse. Le fiston, féru de jazz, deviendra batteur, dans un premier temps. Depuis sa plus tendre enfance, il navigue entre New-York, où vit son père, et San Francisco, où vit sa mère. Il en fera état dans son œuvre « Different Trains ». Premiers déphasage ? Pour ses études en musique, pareil. La Julliard School of Music de New-York et le Mills College à Oakland, près de S.F.

    Bon. Mais encore ? Eh bien, ses rencontres. Celles de Philip Glass, d’abord, puis de Terry Riley. L’un sur la coté Est, l’autre sur la cote Ouest… Le grand écart, encore. Autre chose, il participe en 1964 à la musique « In C », l’œuvre fondatrice du mouvement minimaliste répétitif, composée par Riley. Et puis, hop, c’est parti. Il fonde son propre ensemble en 1966, le « Steve Reich and Musicians » et ainsi commence sa carrière.

    « City Life », pour revenir au sujet, est une œuvre majeure dans la musique de Reich. Elle date de 1995. Steve Reich a presque cinquante ans. C’est une œuvre de pleine maturité, donc. Maturité artistique, maturité philosophique, maturité spirituelle, maturité humaine. Elle met en œuvre le mélange de musique instrumentale et de sons préenregistrés. On nomme cela « Musique Mixte ». Elle met aussi en scène la ville de New-York et plus précisément un univers sonore de Manhattan.

     

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    Dans la note de programme, le compositeur nous dit ceci : « contrairement à mes précédentes compositions, Different Trains (1988) et The Cave (1993), les sons préenregistrés sont joués ici en direct sur deux claviers échantillonneurs. Il n’y a pas de bande magnétique dans la performance, ce qui ramène à cette petite flexibilité habituelle de tempo, caractéristique de la performance live ». Tiens ! J’ai déjà lu quelque chose comme cela lorsque Beethoven parlait du métronome…

    On y entend ainsi, mélangés aux instruments, des sons de klaxons, claquements de porte, carillon de métro, des alarmes de voiture, des battements de coeur, sirènes de bateau et de police, des discours (notamment les échanges entre pompiers lors du premier attentat du World Trade Center le 26 février 1993). Tout ceci faisant partie intégrante du tissu générateur de la pièce.

    « City Life » s’ouvrant sur : « Check it out » et se concluant par : « Be careful », il est souvent écrit dans les différentes analyses que l’œuvre est à la fois reflet et rejet de la société. Qu’en nous plongeant dans un premier temps au centre de Manhattan, traduisant ainsi la vie trépidante, fourmillante qui y règne ; puis, en assombrissant peu à peu le ciel new-yorkais, Steve Reich cherche à mettre l’accent sur une vie citadine de plus en plus stressante, correspondant à une vision plus sombre qu’il aurait de la ville. Preuve à l’appui, le « Attention » concluant la fin de l’œuvre. Qu’en outre le regard du compositeur nous montre sa fascination/aversion pour la ville. Et pour finir qu’il s’agit en quelque sorte d’un documentaire sonore sur New York.

     

    City Life part. 1 :

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    Ce n’est pas mon interprétation de l’œuvre… Steve Reich n’est pas, à mon avis, dans cette forme de démonstration. Certes, la dualité existe en lui (ce fameux phasing). Certes, des forces opposées s’affrontent. Non seulement en nous, mais également dans notre monde (consonance/dissonance). Certes il expose, il figure mais il ne démontre pas (une forme en arche) *. Il témoigne, s’interroge et nous laisse à notre propre compréhension. L’homme est philosophe, spirituel. En cela, il n’impose pas, ne résout rien, nous laisse dans l’ambiguïté.

    Dans ses œuvres, Reich utilise des matériaux volontairement réduits, musique minimaliste oblige : répétition continuelle de courtes phrases musicales (ostinato), écriture en canons rapprochés (déphasage graduel en boucle). Il y adjoint l’insertion de bruits plus ou moins musicalisés. En fait, souvent musicalisés.

    Sa recherche sur les cycles rythmiques infinis, le sens de toute son œuvre (il a étudié les percussions à l’Institut des Études Africaines à l’Université d’Accra, au Ghana ; puis de retour aux Etats-Unis, il a étudié la technique des gamelans balinais) témoigne non seulement d’un goût prononcé pour le rythme (son coté batteur de groupes de jazz – il a aussi une prédilection pour Parker Charlie et Davis Miles) mais aussi d’une vision circulaire du temps. Un peu comme dans la philosophie Bouddhiste (j’dis çà, j’dis rien non plus).

     

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    Pourtant, c’est là que réside la clef de son œuvre. Tous les compositeurs n’ont pas cette vision temporelle. Tu parles ! Nos sociétés occidentales ont une vision du temps… linéaire. En cela, dans leur musique, il devient difficile de se séparer de ce que nommait John Cage « la colle ». Comment se séparer de cette colle qui colle aux notes ? Un peu comme le sparadrap du capitaine Haddock… Reich à sa réponse. Les minimalistes de sa génération ont tous peu ou proue la même. Un compositeur comme Morton Feldman en a une autre. Ça me fait penser qu’il faudrait que j’aille réécouter James Brown.

    D’autres musicologues font état, comme pour essayer de nous rassurer, d’une logique dans cette volonté d’inscrire des bruits dans la musique instrumentale ; et ils nous disent que Reich a repris l’idée de Gershwin dans « Un Américain à Paris ». Pour le klaxon. Ah… Ouf ! Si Gershwin l’a fait… Peut-être. Mais que ne parle-t-on alors de Varese, Satie, Berlioz, Mozart (le père, pas le fils) ou bien Janequin (compositeur de François 1er) ? De tous temps, les compositeurs qui inscrivent leur œuvre dans leur réalité sociale, dans la vie, dans la ville, ont abordé le sujet. Il y en a bien d’autres sous d’autres formes.

    « Tout est bruit pour qui a peur », nous dit Sophocle. Steve Reich ? A pas peur, lui… Il prend des risques. En sculptant la matière brute, il fait état du tumulte de la ville, de la vie. Ses « bruits », musicalisés, suggèrent des réponses instrumentales en contrepoint des klaxons, freins pneumatiques, dérapages et autre pile-driver. Le bruit n’est pas traité comme une simple illustration, il est la matrice de la pièce. En cela, « City Life » n’est pas un documentaire sonore, elle est le reflet d’une part de notre vie, de ce que nous engendrons. Et si maux il y a, dans Manhattan ou ailleurs, ils sont le miroir des nôtres, Inside us. Les battements de cœur qu’il nous fait entendre, notre pulsation à nous, notre musique, est aussi cette pulsation urbaine sur laquelle nous évoluons. En contrepoint, vous dis-je… Pour Reich, c’est à nous de réfléchir, voire d’agir sur notre environnement.

     

    Auteur: Vincent Dacosta

     

     

    [kleo_divider type= »full » double= »no » position= »center » text= »Pour aller plus loin » class= » » id= » »]

     

    Pour une connaissance plus technique sur le plan harmonique, par exemple, quoi de mieux que de se référer aux mots du compositeur. On peut trouver cette analyse sur le site de l’IRCAM.

    * Une forme en arche : une forme musicale qui symbolise le cycle de la vie. Elle se présente ainsi : ABCB’A’ (ABC étant des thèmes et développements musicaux).

    En 1998, l’album « Reich Remixed » est un hommage rendu par le gratin des artistes de la musique électronique. DJ Spooky, Tranquility Bass, Mantronix, Nobukazu Tekamara et autres Coldcut, ont créé à partir d’une ou plusieurs pièces de Steve Reich, un nouveau morceau. En écoute ici :

     

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    Entre 1996 et 1999, le groupe Sonic Youth, par l’intermédiaire de son propre label SYR, sort une série de quatre albums expérimentaux. Avec SYR4, datant de 1999 : « Good Bye 20th Century », Sonic Youth donne la parole aux compositeurs américains du vingtième siècle en reprenant des morceaux de Cage, Cardew, Reich, Wolf, etc.

     

    SYR1 / Anagrama :

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    SYR4 / Good Bye 20th Century :

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    L’un des grands maîtres du chant polyphonique, Clément Janequin, Chantre du Roy François 1er, écrit en 1530 « Les Cris de Paris ». Point de samplers, mais une ambiance, celle de Paris et de ses camelots.

     

    Les Cris De Paris :

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    Steve Reich : Influences (Entretien avec Bloc.)

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  • Focus | Romain Gary et François Truffaut, résonances entre deux auteurs et leurs œuvres

     

    [kleo_pin type= »circle » left= »yes » right= » » top= » » bottom= » »]          « FOCUS » : un article de fond sur un thème que nos rédacteurs ont sélectionné.

     

     

    L’année 2014 commémorait à la fois le centenaire de la naissance de Romain Gary (1914-1980) et le trentième anniversaire de la mort de François Truffaut (1932-1984). Entre les deux auteurs, apparaissent des symétries, des parallèles, des points de convergence, à commencer par leur amour partagé de la littérature et du cinéma.

     

    Nommé Consul Général à Los Angeles en 1956, Romain Gary côtoie le tout Hollywood, épouse l’actrice Jean Seberg (pressentie par Truffaut pour le rôle de Jacqueline Bisset dans « La Nuit Américaine »), s’essaye à la mise en scène (01), et plusieurs de ses romans sont adaptés au cinéma (02). Quant à François Truffaut, d’abord critique dans « Arts » et dans « Les Cahiers du Cinéma », auteur d’un livre d’entretiens avec Alfred Hitchcock, il aurait certainement embrassé une carrière de romancier s’il n’avait été cinéaste. Passionné de littérature, il s’inspire de romans pour plusieurs de ses films (03), dont certains passages sont commentés d’une voix off, celle de Madame Jouve, par exemple, dans « La Femme d’à Côté » (1981). Et il n’est pas rare de voir les héros truffaldiens lire ou taper à la machine à écrire.

     

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    SOMMAIRE

    Le schéma familial
    Le poids du manque et celui du trop plein
    Je me suis toujours été un autre
    Les femmes, précieuses alliées
    Enquête d’identités

    Le rapport de la judéité
    Deux esprits libres
    De la fiction, faire une réalité
    C’est la fin
    Encore aujourd’hui
    – Notes –

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    Le schéma familial

    Leur destin d’auteurs prend naissance dans un même schéma familial : un père absent et une figure maternelle déterminante.

    Dans son premier film « Les 400 Coups » (1959), Truffaut fait le portrait à charge d’une mère autoritaire, volage, encombrée par un fils qui trouve refuge dans les livres et les salles obscures. Dans « La Promesse de l’Aube » (04), Romain Gary rend hommage à sa mère juive qui « n’était qu’amour » et voyait en lui un héros en devenir.

    « Avec l’amour maternel, la vie vous fait, à l’aube, une promesse qu’elle ne tient jamais. Chaque fois qu’une femme vous prend dans ses bras et vous serre sur son cœur, ce ne sont plus que des condoléances. On revient toujours gueuler sur la tombe de sa mère comme un chien abandonné. Jamais plus, jamais plus, jamais plus ».

     

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    Le poids du manque ou celui du trop plein

    Le cinéma de Truffaut comble un vide. « Le cinéma m’a sauvé la vie » déclare-t-il (05). Ferrand, le metteur en scène de « La Nuit Américaine » (1973), joué par Truffaut, sermonne son acteur Alphonse, interprété par Jean-Pierre Léaud : « Ne fais pas l’idiot, Alphonse. Tu es un très bon acteur, le travail marche bien. Je sais, il y a la vie privée, mais la vie privée est boiteuse pour tout le monde. Les films sont plus harmonieux que la vie, Alphonse. Il n’y a pas d’embouteillages dans les films, il n’y a pas de temps morts. Les films avancent comme des trains, tu comprends ? Comme des trains dans la nuit ».

    Pour Romain Gary, l’écriture libère d’un trop plein. Un besoin qu’il qualifie de « physiologique » le pousse à écrire dix heures par jour ! « L’écriture est un processus d’élimination, indispensable à mon équilibre psychique. Après je sors soulagé » (06). Se libérer des espoirs – voire de la mythomanie – de sa mère.

    Ambassadeur de France ! C’est ainsi qu’elle le rêvait. La France, patrie des Droits de l’homme, le paradis sur terre, aux yeux de Mina, juive polonaise, acharnée dans sa lutte pour survivre. En 1928, cette francophile invétérée quitte Vilnius et émigre à Nice avec son fils de 14 ans… Toute la vie de Gary est conditionnée par l’exigence maternelle. « Il me fallait tenir ma promesse, revenir à la maison couvert de gloire, après cent combats victorieux, écrire Guerre et Paix, devenir Ambassadeur de France, bref, permettre au talent de ma mère de se manifester » (04). Il s’engage dans les Forces aériennes françaises libres, rejoint De Gaulle à Londres, Leclerc en Afrique du Nord, risque sa vie plus d’une fois, est nommé Compagnon de la Libération, Commandeur de la Légion d’honneur, devient Consul Général de France en Californie et obtient deux fois le prix Goncourt (07) !

     

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    « Je me suis toujours été un autre »

    Né Roman Kacew, il s’invente un premier pseudonyme, Romain Gary, pour « Education Européenne » (1945, Prix des Critiques). Gary veut dire « brûle » en russe. Après trois autres prête-noms, Fosco Sinibaldi, Shatan Bogat (le « vagabond opulent » ou selon les sources, « le riche Satan » en russe) et Lucien Brûlard, Gary s’efface derrière Ajar, qui signifie « braise » en russe (08).

    Brûle, brûlard, braise… Faut-il y voir un hommage à Blaise Cendrars (de son vrai nom Frédéric Louis Sauser), avec la fille duquel il eut une courte liaison, qui comme lui, vit un temps en Russie, combat dans l’armée française, se passionne pour l’Afrique, est naturalisé Français, fait Commandeur de la Légion d’honneur, signe une oeuvre prolifique… ? Il ne serait pas étonnant que Gary se soit trouvé des affinités avec le poète dont l’oeuvre mêle autant réel et imaginaire.

    Pas plus qu’à Truffaut qui s’imagine un double cinématographique en Antoine Doinel, la vie ne suffit à Gary… au point qu’il s’en invente plusieurs. « Je lisais au dos de mes bouquins : plusieurs vies bien remplies… Aviateur, diplomate, écrivain… Rien, zéro, des brindilles au vent, et le goût de l’absolu aux lèvres. La vérité est que j’ai été très profondément atteint par la plus vieille tentation protéenne de l’homme : celle de la multiplicité. Une fringale de vie, sous toutes ses formes et dans toutes ses possibilités, que chaque saveur goûtée ne faisait que creuser davantage ». Le vrai, le faux s’emmêlent et s’alimentent comme des vases communicants. Gary travestit sa vie dans « La Promesse de l’Aube », qualifiée pourtant d’autobiographique, et fait de sa vraie vie une oeuvre romanesque dans laquelle il s’amuse à changer souvent de rôle. « Je me suis toujours été un autre » écrit-il dans « Vie et Mort d’Emile Ajar ».

    Gary écrit la légende, s’invente « un mélange de sang juif, cosaque et tartare », une naissance dans un wagon aux confins des steppes russes. Et dit se souvenir « des coups de feu, de la Révolution de 1917… Ma mère était comédienne au théâtre. Elle jouait pour les soldats, pour les comités d’ouvriers, pour les Soviets. On allait d’usine en usine, en traîneau, en plein hiver. Ma mère m’emmenait partout. Je me souviens des soldats de l’Armée Rouge qui étaient tous très gentils avec moi… » (04).

    « La vie, c’était l’écran » (05) pour Truffaut, tout autant attaché à fuir le monde réel. « Mon cinéma est un prolongement de la jeunesse avec un refus de voir la vie telle qu’elle est, le monde dans son état réel, et, en réaction, le besoin de créer quelque chose qui participe un peu du conte de fées ».

     

     

    Les femmes, précieuses alliées

    La vie ne suffisant pas à Gary, les femmes vont lui être utiles. « Chaque fois que vous aimez une femme, vous changez de peau » (09). Comme Truffaut qui tombe amoureux de la plupart de ses actrices, qui se projette dans « L’homme qui aimait les femmes » (1977) en un Charles Denner obsédé par les jambes féminines, Gary multiplie les conquêtes et les aventures à un rythme quasi obsessionnel. Si bien que l’âge venant, il est terrorisé à l’idée de perdre sa vigueur sexuelle. Il traduit sa crainte dans l’un de ses plus savoureux romans, « L’Angoisse du roi Salomon » (1979, Mercure de France) et prévient dans plusieurs interviews : « Je ne connaîtrai jamais la vieillesse. D’une manière ou d’une autre, je ne veux connaître cet état absolument effrayant où l’on devient vraiment vieux… Je crois que je peux prendre cet engagement devant vos spectateurs » (09).

     

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    Enquête d’identités

    A 36 ans, François Truffaut décide de rechercher l’identité de son père, qu’il n’a jamais connu. Il s’en remet à Albert Duchenne, patron de l’agence de détectives Dubly, rencontré pour « Baisers Volés » (1968). Après quelques semaines, l’enquêteur lui révèle le nom de son père, Roland Lévy, son origine juive, son métier, chirurgien-dentiste, son adresse. En septembre 1968, Truffaut se rend à Belfort observer discrètement son père sortir de son immeuble pour sa promenade du soir. Truffaut découvre un homme d’une soixantaine d’années, seul, de corpulence assez forte. Truffaut reste caché et repart avec ses questions sans réponses… finir la soirée dans une salle de cinéma.

    L’identité paternelle ? Gary préfère s’en amuser. Il affirme que son père est Ivan Mosjoukine, plus grande star russe du cinéma muet, un bel homme à fière allure que sa mère adulait, et en qui il se trouve une certaine ressemblance… Information formellement démentie par Myriam Anissimov dans sa remarquable biographie (10) : le père de Gary, Arieh-Leïb Kacew, s’avère être en réalité un polonais juif, propriétaire d’un magasin de fourrures à Vilnius.

     

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    Le rapport à la judéité

    Apprenant l’origine juive de son père, Truffaut s’en émeut mais ne s’en étonne pas. Le cinéaste « s’est toujours senti juif. Cette judéité, il l’associe à son penchant pour les proscrits, les martyrs, les marginaux, à l’affirmation de cet autre qu’il dit avoir été tout au long de sa jeunesse » (11).

    Le rapport à la judéité est aussi complexe chez Gary qui l’a tour à tour assumée, littérairement exploitée (« Gros-Câlin », « La Vie Devant Soi »…) et cachée, notamment en temps de guerre. « Tout ce que je leur avais dit à Paris lorsqu’on m’a interrogé… c’est que j’étais demi-juif. Je ne renie pas mes origines, je prends simplement des précautions pour l’avenir » (12).

    Aucun des deux n’est croyant, cela n’empêchant pas une certaine forme de mysticisme. Julien Davenne, joué par Truffaut, dans « La Chambre Verte » (1978), rejette la présence du prêtre et se construit sa propre liturgie dans un culte rendu aux morts, si intense qu’il prend le pas sur la vie.

    « Mes rapports avec la vie sont très mystiques, mais les religions organisées, les dogmes me sont totalement étrangers, confie Romain Gary. Je me sens épouvanté par le rituel. Ceci dit, je suis incapable de croire qu’il n’y ait rien d’autre que nous… » (06)

     

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    Deux esprits libres

    Les deux hommes sont des esprits libres, tendres et cruels, critiques à l’égard de leur oeuvre, tourmentés, d’une sensibilité tendant à la mélancolie, d’une indépendance confinant à la solitude, et paradoxalement, inlassables curieux de la nature humaine. Alors que Truffaut en explore souvent les ressorts dans l’espace triangulaire de la passion amoureuse (« Jules et Jim », « Le Dernier Métro »…), qu’il n’a jamais vraiment milité que pour la défense du cinéma, Gary est agité de questionnements plus politiques.

    Gary est un combattant acharné ; « même si aucun livre au monde ne pourra briser le cou à la haine », il porte en lui un grand « espoir de fraternité », pilier de toute son oeuvre. Dans « Les Racines du Ciel », le personnage principal se bat contre le massacre des éléphants en Afrique. Morel est l’allégorie de Gary, révolté par la privation de liberté, l’abus de pouvoir, l’injustice, le racisme, le fanatisme, la lâcheté… « Tous mes personnages sont des contestataires. C’est peut-être le seul fil conducteur de toute mon oeuvre. Il n’existe pas un roman de moi qui ne soit une protestation… C’est mon rôle d’écrivain de gueuler comme un écorché » estime Gary (06), toujours fidèle aux idéaux de sa mère. « Quand on pense à l’histoire de l’homme, on s’aperçoit que la plus grande puissance spirituelle humaine, c’est la Connerie, avec un C majuscule ». Ecœuré par l’indignité, la fin de la grandeur européenne, la médiocrité humaine…, Gary ne renonce pas. « Mes airs amusés et ironiques ne tromperont personne : le phénomène humain continue à m’effarer et à me faire hésiter entre l’espoir de quelque révolution biologique et de quelque révolution tout court » (13). Gary assouvit sa soif de changer le monde et les hommes dans ses romans, où in fine l’humour et l’innocence triomphent.

     

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    De la fiction, faire une réalité

    En 1975, Gary porte la mystification à son paroxysme, en organisant l’escroquerie littéraire du siècle. Il change de nom pour signer « La Vie Devant Soi ». « Il y avait la nostalgie de la jeunesse, du début, du premier livre, du recommencement… C’était une nouvelle naissance. Tout m’était donné encore une fois. J’avais l’illusion parfaite d’une nouvelle création de moi-même par moi-même » (12).

    La duplicité va plus loin. Dans un mouvement contraire au processus créatif classique, qui va du vrai à la fiction, Gary fait de son invention une réalité et trouve l’idée géniale de donner vie à son identité virtuelle. Il choisit Paul Pavlowitch, son petit cousin, pour endosser le rôle d’Emile Ajar. Duperie mémorable qui lui vaut, à ce jour, d’être le seul détenteur de deux prix Goncourt. Mais la mystification dépasse l’auteur. Gary enrage d’être enfermé dans « la combine métaphysique infernale » qu’il a lui-même échafaudée, et ne supporte pas de voir Paul Pavlowitch tirer gloire de sa propre création. Gary n’est plus maître de l’histoire et n’arrive plus à tirer les fils de sa marionnette.

     

     

    C’est la fin

    La vie échappe à Gary et ne lui suffit définitivement plus. Reste à écrire le mot fin. Le 1er décembre 1980, dans son appartement parisien, il se tire une balle dans la bouche… Ce n’est qu’à titre posthume que Gary tombe le masque.

    L’imposture est révélée dans « Vie et Mort d’Emile Ajar », publié le 17 juillet 1981. Mais là encore, le 3 juillet 1981, sa doublure, Paul Pavlowitch, préempte le devant de la scène et lui grille la vedette dans un témoignage lumineux d’intelligence, sur le plateau d’Apostrophes, pour la parution de son livre « L’homme que l’on croyait ». Paul Pavlowitch s’interroge : « Je ne sais pas si Gary était vraiment, je ne sais pas s’il a vécu par lui-même. J’ai tendance à croire qu’il n’existait pas »… (14)

    Quatre ans plus tard, Truffaut succombe d’une tumeur au cerveau.

     

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    Encore aujourd’hui

    De leur vivant et encore aujourd’hui, l’un et l’autre obtiennent un succès international. Truffaut obtient l’Oscar du meilleur film étranger pour « La Nuit Américaine » en 1974. Il est admiré de Spielberg qui, en 1977, lui confie un rôle dans « Rencontres du Troisième Type ». Gary est un écrivain adulé en Allemagne, en Pologne et aux Etats-Unis.

    Leurs films et romans se relisent et se revoient avec un plaisir changeant à mesure que nos vies passent. Et quand l’un et l’autre s’amusent à faire résonner l’écho d’une oeuvre à l’autre, qu’on reconnaît des répliques déjà prononcées, comme fiers d’avoir saisi le clin d’œil, on a cette délicieuse impression de les avoir approchés.

     

     

    Auteur : Anne Rohou

     

     

    [kleo_divider type= »full » double= »no » position= »center » text= »Notes » class= » » id= » »]

     

    01. « Les Oiseaux vont mourir au Pérou », titre d’une de ses nouvelles, (Folio Gallimard, 1962); Kill! (1972).

    02. « Les Racines du Ciel » de John Huston (1958) ; « Clair de Femme » de Costa-Gavras (1979) ; « Au-delà de cette limite, votre ticket n’est plus valable » de George Kaczender (1981) ; « La Vie Devant Soi » de Moshé Mizrahi (1977) ; « Les Cerfs-volants » de Badel (1984) et de Jérôme Cornuau (2007) ; Adaptation de « La Tête Coupable », « The Impostors » réalisé par Frédéric Blum.

    03. « Tirez sur le pianiste » de David Goodis, 1960; « Jules et Jim » de Henri-Pierre Roché, 1961 ; « Farenheït 451 » de Ray Bradbury, 1966 ; « La mariée était en noir »  1967 et « La Sirène du Mississippi » 1969, de William Irish.

    04. « La Promesse de l’Aube » (1960, Gallimard)

    05. « Les films de ma vie » de François Truffaut, Flammarion, 1975.

    06. « Romain Gary, Le Nomade multiple », 2 CD, entretien avec André Bourin, Archives Sonores, Les grandes heures Ina / France Culture, diffusées sur France Culture en mai et juin 1969.

    07. « Les Racines du Ciel » de Romain Gary en 1956 et « La Vie Devant Soi » d’Emile Ajar en 1975.

    08. Il signe Emile Ajar « Gros-Câlin » en 1974, « La Vie Devant Soi » en 1975 et « L’Angoisse du roi Salomon » en 1979, Gallimard.

    09. Entretien télévisé avec Jacques Busnel dans l’appartement parisien de Romain Gary, archives Ina.

    10. « Romain Gary, le caméléon » de Myriam Anissimov, Ed. Denoël.

    11. « François Truffaut » d’Antoine de Baecque et Serge Toubiana, Biographies, Ed. Gallimard, 1996.

    12. « La Nuit Sera Calme », 1974, Gallimard.

    13. Citation de Romain Gary, au sujet du recueil de nouvelles « Les oiseaux vont mourir au Pérou (Gloire à nos illustres pionniers) », Folio, 2009.

    14. Apostrophes, interview de Paul Pavlowitch, 1981, Antenne 2, archives Ina.

     

     

     

  • Focus | La légende de Robert Johnson

     

     

    Robert Johnson n’est pas un bluesman parmi tant d’autres… Avant lui, il y eut bien quelques bluesmen fondateurs, de W.C. Handy à Charlie Patton, en passant par Tommy Johnson, parmi lesquels certains sont d’ailleurs passés à la postérité. Après lui, et jusqu’à nos jours, pléthore de bluesmen ont bien-sûr continué à écrire l’histoire de cette musique… Mais Robert Johnson est le blues.

     

    D’abord, cette vie… Une vie digne des plus beaux romans de Balzac, à la dramaturgie imparable, et où tous les ingrédients sont réunis pour forger la légende de Johnson, qui se confondra peu à peu avec la légende de cette musique qu’il aura contribué à rendre si populaire : le blues… Robert Leroy Johnson serait né le 8 mai 1911, à Hazlehurst, dans le sud du Mississippi, l’état alors le plus dur à l’encontre de la communauté noire, pourtant majoritaire. Enfant naturel et petit-fils d’esclaves, son existence d’affranchi n’a cependant rien à envier à celle de ses grands-parents. En effet, après l’abolition de l’esclavage en 1865, ces anciens esclaves sont devenus des employés exploités par ceux qui étaient jusqu’alors leurs « maîtres ». C’est donc dans ce climat de misère et de chaos familial que Robert Johnson vit sa plus « tendre » enfance et son adolescence, balloté entre une mère ayant déjà enfanté à dix reprises, un père « inconnu », Noah Johnson, que Robert n’aura de cesse que de rechercher toute sa vie, des beaux-pères successifs, mais aussi des villes, des écoles, et divers noms de famille, entre Spencer, Dodds ou Willis… Ca n’est d’ailleurs qu’à seize ans qu’il adoptera définitivement le nom de Johnson.

    A quatorze ans, Robert Johnson abandonne la guimbarde pour l’harmonica, qui restera pendant longtemps son instrument de prédilection. Mais c’est à la fin des années 20 qu’il rencontre deux figures mythiques du blues, qui lui enseignent les rudiments de cette musique : Charlie Patton (1891 – 1934), le père du « Delta Blues », une des toutes premières formes de blues, qui inspirera bon nombre de musiciens malgré sa courte carrière, de John Lee Hooker à Son House, en passant par Howlin’ Wolf, Robert Palmer, Bob Dylan, jusque The White Stripes et… Francis Cabrel, et Willie Brown (1900 – 1952), dont on sait peu de choses, si ce n’est qu’il collabora régulièrement avec Patton jusqu’à la mort prématuré de ce dernier.

    En 1929, à l’âge de dix-huit ans, Robert Johnson découvre donc le blues, et se met à la guitare, sans abandonner pour autant l’harmonica, pour lequel il a confectionné un support qui lui permet de jouer des deux instruments en même temps.

    Mais c’est en 1930 qu’un événement tragique le précipite définitivement dans les bras du blues, la « musique du diable »… Sa femme de seize ans perd la vie, ainsi que leur enfant, suite à un accident qu’il aurait lui-même provoqué. Robert Johnson est anéanti, et pour calmer son immense peine, il se réfugie corps et âme dans la musique. C’est à cette période qu’il rencontre Son House, qui le ridiculise en public lors d’un concert : « tu ne sais pas jouer de la guitare, tu fais fuir les gens ».

    Vexé par cet affront, Robert Johnson retourne s’installer à Hazlehurst, sa ville natale, et il y rencontre Ike Zinnerman qui deviendra son mentor et le poussera à prêcher la « mauvaise parole » du blues dans les états du Sud. Cet homme étrange disait devoir la maîtrise de son instrument à la fréquentation d’un cimetière ; il exerce une influence certaine sur Robert, qui répétera à maintes reprises avoir appris à dominer sa « six cordes » à minuit, sur les tombes…

    Lorsqu’il revient à Robinsonville deux ans plus tard pour montrer ses progrès à Son House et Willie Brown, ceux-ci sont stupéfaits par la virtuosité et le talent sans bornes du jeune homme. C’est à ce moment précis que nait la légende de Robert Johnson, selon laquelle il aurait conclu un pacte avec le diable, une nuit sombre, à un carrefour au fin fond du Mississippi. Car ces années d’apprentissage et de concerts minables dans tous les « juke-joints » de l’état ne peuvent pas expliquer une telle métamorphose…

    Voilà ce que relate sa chanson « Crossroads » (enregistrée en novembre 1936) : un soir, à minuit, en pleine misère et en plein désarroi, le Diable lui a rendu visite à ce carrefour, pour lui proposer un pacte : le talent en échange de son âme. Ainsi, le blues ne pouvait pas mieux justifier cette appellation de « musique du diable »…

    Mais en réalité, cette légende proviendrait de son homonyme, Tommy Johnson, qui aurait vendu son âme au diable en échange de sa virtuosité à la guitare. Et Robert n’aurait fait que reprendre cette légende à son compte, à moins qu’elle ne lui ait été attribuée par erreur. C’est d’ailleurs le personnage de Tommy Johnson qui apparait dans O’Brother des frères Coen. De quoi finalement continuer à alimenter la polémique, et donc la légende de Robert Johnson…

    Et pour parachever le tout, Robert Johnson n’aura gravé durant sa courte carrière, sur vinyle et à la postérité, que 29 chansons en tout et pour tout, enregistrées lors de deux uniques sessions studio, en novembre 1936 à San Antonio, puis en juin 1937 à Dallas. La légende veut qu’il aurait écrit une 30ème chanson, mais que le Diable l’aurait gardée pour lui… Ce morceau qu’il n’a pas eu le temps d’enregistrer serait « Mister Downchild », repris ensuite par Sonny Boy Williamson.

    Mais Robert Johnson, c’est aussi trois uniques photos prises de son vivant, ainsi que trois tombes réparties dans l’état du Mississippi, son lieu de sépulture le plus probable étant Morgan City, où l’on peut lire sur la pierre tombale dressée en 1991 : « Ci-git Robert Johnson, roi des chanteurs du Delta Blues. Sa musique fit vibrer un accord qui continue de résonner. Ses blues s’adressaient à des générations qu’il ne connaîtrait jamais, et transformaient en poésie ses visions et ses peurs ».

    Le 16 août 1938, Robert Johnson meurt des suites d’un mystérieux empoisonnement… par un mari jaloux, après avoir agonisé pendant trois jours, dira encore la légende. Il n’avait que 27 ans. Pour la petite histoire… Ou pour la grande, il est le tout premier membre fondateur du fameux « Club des 27 » réunissant les artistes morts à 27 ans.

    Robert Johnson accédera à un début de notoriété en 1961, avec la sortie de l’album « King of the Delta Blues Singers », et deviendra ensuite la référence absolue pour toutes les générations de musiciens qui lui ont succédé, au-delà des frontières du blues, de Muddy Waters à Jimi Hendrix, en passant par John Lee Hooker, Elmore James, Robert Lockwood, Eric Clapton, les Allman Brothers, ou encore les Rolling Stones.

    A noter que tous les enregistrements de Robert Johnson ayant pu être récupérés, y compris les inédits, sont disponibles sur le double CD : « Robert Johnson – The Complete Recordings » (Collection Roots N’Blues – Sorti chez CBS en 1990 et réédité chez Sony Music Entertainment en 1996).

    Et pour finir, vous pourrez visionner Crossroads, film américain de Walter Hill sorti en 1986, qui évoque Robert Johnson à travers l’histoire d’un jeune guitariste blanc qui part à la recherche de la « légendaire » 30ème chanson du bluesman.

    Pour toutes ces raisons, Robert Johnson est le blues…

    Et là, pour la peine, ça n’est pas une légende…

     

     

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    [kleo_divider type= »full » double= »no » position= »center » text= »Pour aller plus loin » class= » » id= » »]

    [kleo_icon icon= »link » icon_size= »large »] Robert Johnson Blues Foundation

    [kleo_icon icon= »link » icon_size= »large »]  robertjohnson.fr

    [kleo_icon icon= »link » icon_size= »large »] Robert Johnson @ Deezer

    [kleo_icon icon= »link » icon_size= »large »] La Chronique d’André Manoukian

    [kleo_icon icon= »link » icon_size= »large »]  Supernatural Crossroad Blues Intro

    [kleo_icon icon= »link » icon_size= »large »]  Eric Clapton – Session For Robert Johnson – Me And The Devil Blues

    [kleo_icon icon= »link » icon_size= »large »]  Robert Johnson – Supernatural – Crossroad Blues

     

     

     

  • Julie Bernard | De la nécessité d’objectiver le langage

     

    Si la langue française recèle de trésors sémantiques, les  mots sont aussi complexes. A force d’être martelés, certains mots ne sonnent soudainement plus jusqu’à devenir vides de sens. Notre société hyper communicante précipite cette logique. Sommes-nous arrivés à satiété sémantique? Une vigilance accrue et une responsabilité sociale forte de la part des professionnels des mots semblent de mise.

    Richesse et évolution du langage

    Mis à part quelques mots spécialisés du vocabulaire scientifique ou technique, la plupart des mots sont polysémiques. Ils traduisent alors la diversité de sens de notre langue qui permet une richesse stylistique singulière. Ainsi, le mot « peine » par exemple signifie à la fois une sanction (« purger sa peine ») mais également un effort (« se donner la peine »), une gêne (« avoir de la peine à parler ») ou un chagrin (« faire/avoir de la peine »). De plus, le mot peut prendre un sens figuré en plus de son sens propre. En utilisant les ressources du vocabulaire, on peut ainsi superposer divers sens et créer des rapprochements inattendus voire susciter une multitude d’interprétations. D’où la difficulté à cerner le sens d’un mot. Par ailleurs, le langage est un matériau vivant, il est le témoin d’une époque et permet certaines incursions grammaticales ou orthographiques. Le néologisme illustre bien cette évolution. Il peut être de forme lorsqu’il constitue la création d’un nouveau mot ou de sens, lorsqu’il emploie un mot dans un sens qui n’est habituellement pas le sien.

    Le travail d’authenticité

    On peut tout à fait admettre que les mots évoluent, laissant alors transparaître la spontanéité du langage. Il ne s’agit pas de condamner l’évolution de la langue mais ses emplois abusifs. Cartographier la polysémie suppose une incursion linguistique à laquelle s’adonne chercheurs, sémiologues mais également éditeurs, traducteurs et autres passeurs de savoir. Face à la diversité des trésors du langage français, ils sont des guides qui permettent aux écrits du passé d’être correctement compris. Car les mots peuvent parfois dérouter et leur interprétation peut parfois trahir la pensée initiale de l’auteur. Ceci est particulièrement vrai lorsqu’il s’agit de textes anciens au vocabulaire désuet. Aussi, un travail quasi-archéologique est nécessaire quant à la quête de sens des mots. Alain Rey, linguiste, s’inscrit dans cette démarche d’exploration de la langue française, notamment grâce à son travail à la tête des différents dictionnaires des éditions Robert. Il souligne ainsi l’importance de l’étymologie dans l’emploi et la compréhension des mots dans un quotidien aux repères parfois brouillés.

    Ce travail d’authenticité est également porté par les éditeurs qui proposent des ouvrages commentés afin de révéler le sens profond d’une idée et d’en transmettre la dimension originelle. C’est même une de leurs missions principales si on en croit Jean-François Hersant (1), auteur de Passeurs culturels dans le monde des médias et de l’édition en Europe. Selon lui, l’éditeur est un « médiateur culturel et ne doit pas se contenter de vendre le texte sans lui ajouter quoi que ce soit ». Il existe bien un « acte d’édition » qui permet une mise en forme des mots et une canalisation de l’évolution du langage. Ce rôle qui vise à « donner un sens plus pur aux mots », pour paraphraser Stéphane Mallarmé, est d’autant plus important dans une société qui veut tout nommer, tout comprendre de manière instantanée.

    Retour et recours au sens

    La volonté croissante d’enrichir notre langage de nouveaux mots afin de rendre compte de la richesse de notre quotidien, est légitime. Or, le sens que l’on prête aux mots est souvent éloigné de leur sens véritable.  Parfois on les vêt d’un voile de sens imaginaire. La volonté croissante d’un langage élargi peut constituer une confusion de sens. Un emploi inapproprié d’un terme pour un autre ou d’un terme plus vague, plus précis gêne la communication plutôt qu’il ne la facilite. « Un mot en perte de sens est sans doute un mot galvaudé, c’est-à-dire un mot altéré, gâché, pourri par un mauvais usage. Le sens se perd également quand un mot devient fourre-tout et que chacun y met ce qui lui plait. Comment écrire avec des mots qui ne veulent plus rien dire ? » s’interroge Olivier Choinière (2), auteur de « 26 lettres », un abécédaire collectif qui interpelle sur cette perte de sens.

    La réponse est peut-être à trouver du côté du linguiste et universitaire René Étiemble, selon lequel « tout le monde en France a le droit de créer des mots, de changer le sens des mots, à l’exception des enseignants et des écrivains ». Il expose en filigrane une responsabilité des « professionnels des mots » et de l’éducation dans la transmission des savoirs, notamment envers les jeunes. Ces derniers ont une responsabilité supplémentaire dans l’exemplarité et le bon usage des mots, notamment dans la confection de manuels scolaires ou tout support pédagogique. « Notre métier de passeur, de pourvoyeur de repères, de donneur de sens, de créateurs d’objets est irremplaçable, particulièrement dans ce monde qui s’enivre de SMS, de tweets et d’instantanés », ajoute Arnaud Nourry (3), PDG d’Hachette Livre, le célèbre groupe d’édition très présent dans l’édition scolaire. Dans une société de l’hyper communication, mais où les mots sont pa
    rfois minés et se réduisent à un bavardage incessant résumé en 140 caractères, Arnaud Nourry aborde en effet le métier d’éditeur comme un « métier le plus exigeant qui soit, car c’est de leur rigueur, de leur impartialité et du souci d’exactitude que dépend la qualité du savoir des générations futures. »

    Or, dans un contexte où les esprits sont à vif, l’art rhétorique reste une arme redoutable. Et les ravages peuvent être grands avec l’ampleur induite par les nouvelles technologies de communication. Les mots doivent retrouver leur sens pour constituer un langage objectivé. Car « lorsque les mots perdent leur sens, les peuples perdent leur liberté » disait Confucius.

     

    Auteur : Julie Bernard

     

     

    [kleo_divider type= »full » double= »no » position= »center » text= »Pour aller plus loin » class= » » id= » »]

    [kleo_icon icon= »link » icon_size= »large »] Bulletin des Bibliothèques de France

    [kleo_icon icon= »link » icon_size= »large »] L’Oreille Tendue

    [kleo_icon icon= »link » icon_size= »large »] Sense Making

     

     

  • « La Fantaisie des Dieux » | Interview exclusive de Patrick de Saint-Exupéry

     

    « La Fantaisie des Dieux » est une excellente BD reportage sur le génocide rwandais de 1994. Elle figure dans le Top 10 des meilleures BD de l’année 2014.  Patrick de Saint-Exupéry est aux commandes du scénario et Hippolyte au dessin. Publiée en 2014 aux Editions « Les arènes », la BD raconte le génocide sous l’angle plus précis du rôle de la France. L’acteur principal en est le silence : celui des autorités françaises, celui des morts, celui des survivants qui se cachent ou de la nature privée à nouveau de toute présence humaine.

    L’histoire : Patrick, journaliste raconte, 20 ans après, le déroulement du génocide rwandais à un ami (le dessinateur  Hippolyte) en l’emmenant sur les lieux où se sont déroulés les événements.

    Le ton s’efforce d’être soft, objectif, de s’en tenir aux faits, sans partis pris. L’horreur suffisant à elle-même, il n’était en effet pas nécessaire d’en rajouter. Pas de femmes qui pleurent, pas de corps mutilés, on n’est absolument pas dans le voyeurisme ni dans le cru du réalisme. Le génocide, on en parle de manière journalistique, en exprimant les faits. Tout simplement.

    Les dessins d’aquarelle relevés d’un trait d’encre de chine et les couleurs pastelles très diluées apportent une douceur au propos. L’humour permet de détendre l’atmosphère en relevant l’absurde de la situation, le décalage entre la beauté du paysage et le sordide des massacres, le déphasage entre les propos des assassins et l’infâmité de leurs actes.

    Les mots sont rares mais choisis. On reconnaît l’oeil du photographe dans certaines prises de vues. Des photos noir et blanc sont d’ailleurs parcimonieusement distillées dans le texte montrant les lieux ou les personnages tels qu’ils sont aujourd’hui, 20 ans plus tard. C’est très émouvant. Cela donne du coffre à l’histoire, permettant au lecteur de bien prendre conscience qu’il s’agit de faits réels et pas d’une fiction,  que ces gens-là ont bien existé, démontrant une fois de plus que bien souvent, la fiction dépasse la réalité.

    A moto, les deux personnages principaux remontent la chronologie des événements. Le ton des dialogues est bref, clair, allant à l’essentiel. Les aquarelles du lac Kivu sont magnifiques. Il y en a plusieurs, qui reviennent en leïtmotiv, comme un instant de pause, de méditation. Un temps nécessaire pour souffler et digérer les informations. Mais les pages bleues cassent parfois un peu le rythme. Elles nous réveillent trop brusquement de notre plongée dans l’histoire et on s’interroge parfois de leur utilité, même si l’on comprend qu’il s’agit d’une introspection.

    La fin est comme le début : scotchante !… A peine croyable pour qui découvre l’envers du décor. La sidération causée par la révélation finale est extrêmement bien rendue à travers les dessins en zoom des yeux du gendarme adjudant chef au GIGN, Thierry Prungnaud.

    Né en 1962, Patrick de Saint-Exupéry est un journaliste français ayant couvert de nombreux pays d’Afrique et du Moyen-Orient en tant que correspondant à l’étranger. Lauréat du Prix Albert Londres en 1991 pour ses reportages sur la guerre du Libéria et l’apartheid en Afrique du Sud, il a fondé sa propre revue de grand reportage appelée « XXI » en 2008. Présent au Rwanda lors de l’opération Turquoise, il écrit toute une série d’articles pour faire connaître les événements de Bisesero dont il fut l’un des témoins directs.

    Hippolyte avait déjà réalisé dix BD reportage avant « La Fantaisie des Dieux » . C’était la première fois en 2013 qu’il se rendait au Rwanda.

    Pour aller plus loin :

    ✓ « Silence Turquoise » Editions Don Quichotte, 2012, Laure Vulpian et Thierry Prungnaud

    ✓ « Complices de l’inavouable, la France au Rwanda », 2004 Patrick Saint Exupéry

     

    Instant-City-La-Fantaisie-des-Dieux-01

     

    Pour Instant City, Patrick de Saint -Exupéry a accepté de répondre à nos questions :

    iCity  : Bonjour Patrick de Saint-Exupéry, pourquoi une BD en plus des livres ?

    PdSE : Parce qu’elle nous a semblé nécessaire, à Hippolyte et à moi-même. Hippolyte avait 18 ans au moment des faits. Lorsque nous avons discuté du projet, il me disait se souvenir des images alors passées à la télévision mais « n’avoir rien compris » à cette histoire dont il ne gardait en tête qu’une impression confuse d’extrême violence et d’effroi. Revenir vingt ans plus tard en bande dessinée sur le génocide des Tutsis du Rwanda, c’est offrir un nouveau point d’accès à cette page d’histoire qui nous concerne et nous interroge, tant sur les mécanismes du génocide que sur le rôle de la France..

    iCity  : Pourquoi ce sujet est-il davantage présent dans vos écrits que d’autres (le Libéria ou l’apartheid ) ?

    PdSE : Un génocide est un défi à la compréhension. Son marqueur n’est pas la furie, mais le silence qui s’ensuit. Ce silence n’est pas acceptable. Un génocide est un crime contre l’humanité. Ce crime et sa possibilité doivent être interrogés. C’est une exigence morale.

    iCity  : Quelle technique Hipolpolyte utilise-t-il ? Est-ce bien de l’aquarelle + encre de chine ? Ce choix d’outils est-il délibéré par rapport à un objectif précis ?

    PdSE : Oui, Hippolyte travaille en aquarelle avec des traits en encre de chine.

    iCity  : Les pages bleues : pouvez-vous nous en parler ?

    PdSE : Ces pages bleues sont une respiration. Elles nous ont semblé nécessaires, pour balancer le rythme et poser des éléments de réflexion. Entrer dans une compréhension des mécanismes du génocide suppose d’accepter de se confronter à sa propre humanité. C’est l’objet de ces pages qui sont des moments vécus par Hippolyte : tous les soirs, celui-ci éprouvait la nécessité de se « laver » dans les eaux du lac Kivu de ce qu’il avait entendu et compris dans la journée.

    iCity  : Quel accueil avez-vous eu à la publication de vos articles en rentrant du Rwanda ? Avez-vous été menacé ? Moqué ?

    PdSE : Ca n’a pas toujours été facile. Il a surtout fallu affronter une réticence générale au questionnement, à l’interrogation. En gros : « Pourquoi reparler de tout cela alors que c’est passé ? »…

    iCity  : Top 10 de la meilleure BD en 2014, avec un sujet aussi dur et sensible, une vraie fierté ?

    PdSE : Je ne sais pas si cela est motif à fierté. Je pense que cette BD était nécessaire. Qu’elle ait été bien accueillie est bien sûr une satisfaction. Hippolyte a réalisé un très beau travail et le public a bien compris la démarche. Mais il reste tant encore à faire…

    iCity  : Le Rwanda est-il derrière vous maintenant, ou y aura-t-il une suite, peut-être un film ?

    PdSE : Cela fait plusieurs années que je me dis que le Rwanda est maintenant derrière moi et, à chaque fois, je me trompe. Alors que vous dire ?… Peut-être, peut-être pas, je ne sais pas. Tout ce que je puis vous dire, c’est que cette histoire n’a pas fini de m’interroger.

    iCity  : Merci à vous.

    PdSE : Merci à vous également

     

     

     

  • Focus | Interview exclusive de Patrick de Saint-Exupéry

     

     

    [kleo_pin type= »circle » left= »yes »]          « FOCUS »: un article de fond sur un thème que nos rédacteurs ont sélectionné.

     

    Né en 1962, Patrick de Saint-Exupéry est un journaliste français ayant couvert de nombreux pays d’Afrique et du Moyen-Orient en tant que correspondant à l’étranger. Lauréat du Prix Albert Londres en 1991 pour ses reportages sur la guerre du Libéria et l’apartheid en Afrique du Sud, il a fondé sa propre revue de grand reportage appelée « XXI » en 2008. Présent au Rwanda lors de l’opération Turquoise, il écrit toute une série d’articles pour faire connaître les événements de Bisesero dont il fut l’un des témoins directs.

    Pour Instant City, Patrick de Saint -Exupéry a accepté de répondre à nos questions :

    iCity  : Bonjour Patrick de Saint-Exupéry, pourquoi une BD en plus des livres ?

    PdSE : Parce qu’elle nous a semblé nécessaire, à Hippolyte et à moi-même. Hippolyte avait 18 ans au moment des faits. Lorsque nous avons discuté du projet, il me disait se souvenir des images alors passées à la télévision mais « n’avoir rien compris » à cette histoire dont il ne gardait en tête qu’une impression confuse d’extrême violence et d’effroi. Revenir vingt ans plus tard en bande dessinée sur le génocide des Tutsis du Rwanda, c’est offrir un nouveau point d’accès à cette page d’histoire qui nous concerne et nous interroge, tant sur les mécanismes du génocide que sur le rôle de la France..

    iCity  : Pourquoi ce sujet est-il davantage présent dans vos écrits que d’autres (le Libéria ou l’apartheid ) ?

    PdSE : Un génocide est un défi à la compréhension. Son marqueur n’est pas la furie, mais le silence qui s’ensuit. Ce silence n’est pas acceptable. Un génocide est un crime contre l’humanité. Ce crime et sa possibilité doivent être interrogés. C’est une exigence morale.

    iCity  : Quelle technique Hipolpolyte utilise-t-il ? Est-ce bien de l’aquarelle + encre de chine ? Ce choix d’outils est-il délibéré par rapport à un objectif précis ?

    PdSE : Oui, Hippolyte travaille en aquarelle avec des traits en encre de chine.

    iCity  : Les pages bleues : pouvez-vous nous en parler ?

    PdSE : Ces pages bleues sont une respiration. Elles nous ont semblé nécessaires, pour balancer le rythme et poser des éléments de réflexion. Entrer dans une compréhension des mécanismes du génocide suppose d’accepter de se confronter à sa propre humanité. C’est l’objet de ces pages qui sont des moments vécus par Hippolyte : tous les soirs, celui-ci éprouvait la nécessité de se « laver » dans les eaux du lac Kivu de ce qu’il avait entendu et compris dans la journée.

    iCity  : Quel accueil avez-vous eu à la publication de vos articles en rentrant du Rwanda ? Avez-vous été menacé ? Moqué ?

    PdSE : Ca n’a pas toujours été facile. Il a surtout fallu affronter une réticence générale au questionnement, à l’interrogation. En gros : « Pourquoi reparler de tout cela alors que c’est passé ? »…

    iCity  : Top 10 de la meilleure BD en 2014, avec un sujet aussi dur et sensible, une vraie fierté ?

    PdSE : Je ne sais pas si cela est motif à fierté. Je pense que cette BD était nécessaire. Qu’elle ait été bien accueillie est bien sûr une satisfaction. Hippolyte a réalisé un très beau travail et le public a bien compris la démarche. Mais il reste tant encore à faire…

    iCity  : Le Rwanda est-il derrière vous maintenant, ou y aura-t-il une suite, peut-être un film ?

    PdSE : Cela fait plusieurs années que je me dis que le Rwanda est maintenant derrière moi et, à chaque fois, je me trompe. Alors que vous dire ?… Peut-être, peut-être pas, je ne sais pas. Tout ce que je puis vous dire, c’est que cette histoire n’a pas fini de m’interroger.

    iCity  : Merci à vous.

    PdSE : Merci à vous également.

     

     

     

  • Focus | François Trinel, la Bretagne dans le sang

    Focus | François Trinel, la Bretagne dans le sang

     

     

    [kleo_pin type= »circle » left= »yes » right= » » top= » » bottom= » »]          « FOCUS »: un article de fond sur un thème que nos rédacteurs ont sélectionné.

     

    François Trinel est un artiste photographe qui vit en Bretagne, plus précisément sur la côte sud, dans le Morbihan, son terrain de jeu et de balades privilégié.

    C’est en voyageant dans les Highlands, en Ecosse, qu’il a le déclic de la photo, en 1999. Pendant ce séjour de six mois en terre celtique, il est tombé amoureux de ces paysages, dont l’aspect sauvage est magnifié par des lumières changeantes. Sans doute les paysages bretons lui rappellent-ils les Hautes Terres du Loch Ness et de la côte Atlantique, dont on retrouve l’esprit dans les photos noir et blanc de la Ria D’Etel ou de l’îlot de Nichtarguer.

    Sa quête, c’est la lumière. De ses photos, on retient un grand écarquillement. On est émerveillé par ces images magnifiques de vagues déferlantes, de reflets dans les eaux mystérieuses de l’Etel, de rochers vivants qui veillent telles des sentinelles. Une photo de François Trinel n’est pas simplement un bout de Bretagne acheté au marché semi-nocturne de Lorient, ou au marché du lundi de Lomener. C’est bien plus que cela. Il s’agit d’un coup au cœur porté par l’objectif d’un appareil affuté, et qui touche sa cible avec une intelligence remarquable. Le sentiment d’émerveillement est à la fois physique, en raison de la beauté indéniable de la photo, et intellectuel, par la pertinence du choix du sujet mis en valeur par un cadrage pertinent et juste.

    On regarde ces toutes petites maisons de pierre placées au milieu du grand vide, devant un horizon qui semble s’élargir à l’infini, et on se retrouve projeté dans l’immensité d’un paysage celte intemporel et magique, comme un mélange entre L’Ecosse et l’Islande, terre des origines. L’eau est partout présente : la mer, un lac, un fleuve. Elle contribue à renvoyer cette lumière brillante et lumineuse qui happe le regard. Mais il n’y a pas que l’image qui joue de l’hypnose : chaque titre choisi contribue à faire de la photo une œuvre unique, dans laquelle on plonge comme dans un livre, et qui nous raconte une histoire belle et mystérieuse, nous emmène en voyage, loin, très loin, en des lieux et en des temps inconnus. Regarder une photographie de François Trinel, c’est se laisser happer par cette lumière mystérieuse qui vous emporte à l’intérieur du paysage.

     

    Pour Instant City, il a accepté de répondre à quelques questions :

    Quel est votre parcours ?

    « En 2002, après des études en agriculture, je me suis installé à Lorient, en Bretagne, et j’ai démarré une carrière dans l’agro-alimentaire. Après plusieurs années de travail dans des usines de plats cuisinés, j’ai décidé de devenir photographe professionnel en 2008 »

    Où peut-on voir vos photographies ?

    « Après plusieurs expos à Lanester (2012) ou Hennebont (2014), afin de faire connaître mes œuvres au public, je les expose et je les vends sur les marchés estivaux (Étel, Ploemeur, Larmor-plage, saint Pierre Quiberon, Port Louis et le Pouldu). Ceci me permet d’entrer en contact avec le public, et à lui de découvrir les photos développées sur papier. Les gens peuvent me faire part de leurs remarques et de leurs souhaits en direct. Ces photographies sont également consultables par simple demande sur ma page facebook. »

    Avez-vous un site web ?

    « Longtemps hermétique au web, j’ai créé il y a cinq mois ma page Facebook, sur laquelle je poste quotidiennement des photos. Celle-ci rencontre un succès croissant, et ce sont déjà près de 1200 personnes qui suivent mes publications. Je tiens d’ailleurs à les en remercier chaudement. »

    Qu’aimez-vous photographier ?

    « Dans ma collection figurent des photographies panoramiques dont j’ai fait ma spécialité. Lorsque je photographie un paysage, ma priorité absolue est la lumière. Je cherche ensuite quelque chose à mettre “sous cette belle lumière”. Ma photo fétiche ? Celle d’un chêne multiséculaire, dont la ramure est magnifiée par une lumière exceptionnelle, et face à ce colosse de la nature, une silhouette humaine en ombre chinoise. Une photo où les symboles et les messages sont nombreux. Je l’ai postée récemment sur ma page Facebook, et les commentaires ont été nombreux. J’ai été très étonné par la diversité des émotions et des ressentis exprimés dans les commentaires. Cette photo touche les spectateurs de différentes manières ; nos vécu et sensibilité propres n’y sont sûrement pas pour rien… J’ai su le jour où j’ai photographié cet arbre que je tenais quelque chose… Cela s’est confirmé lorsque j’ai présenté la photographie au public »

    Pourquoi l’Etel est–il votre site favori, et que ressentez-vous face à ce paysage ?

    Pour moi, la ria d’Etel est un petit paradis pour les photographes. C’est comme un golfe du Morbihan, version miniature en plus authentique et sauvage. Au delà des bijoux que sont l’île de Saint-Cado, la maison de Nichtarguer (connue dans le monde entier !), le cimetière à bateaux du Magouër et la fameuse barre d’Etel, elle recèle plein d’autres trésors, pour qui prend le temps de la parcourir en long en large et en travers. La ria, qui mesure dix kilomètres de long, présente tout de même 150 kilomètres de rivages. C’est dire si l’eau est omniprésente, s’immisçant au gré des marées au travers des anses, lagunes, chenaux et étangs qui composent cette magnifique ria. Grâce aux marées, les paysages sont en perpétuel évolution de même que les lumières qui y sont très changeantes. J’apprécie particulièrement les ambiances brumeuses du petit matin lorsque les bancs de brume sculptent le paysage, révélant ou cachant les éléments du paysage. Depuis l’estuaire où la
    présence humaine se manifeste au travers des ports et des maisons et jusqu’en amont où les landes et les vasières sont reines, c’est tout une variété de paysage qui s’offre aux photographes.

    Pouvez-vous nous expliquer en quoi consiste le « Défi Noir et Blanc » ?

    « Cette initiative est née d’un défi lancé sur facebook par un ami. Il s’agissait de poster chaque jour, et ce pendant cinq jours, une photo N&B. Grand amateur de ces photographies assez peu représentées sur le net, j’ai décidé de poursuivre ce défi sur une année… Ces photographies feront peut-être l’objet d’un livre… Avis aux éditeurs… Les photographies N&B nous replongent dans les bases de la photographie : lumière et composition y sont primordiales, et doivent faire l’objet d’une attention toute particulière. »

    Pourquoi dites-vous que la lumière est votre Graal ? Qu’apporte-t-elle à vos photos ? Qu’est-ce qu’une « lumière idéale » ?

    Lorsque l’on réalise des photographies en extérieur, on est tributaire des conditions météo et de la lumière. Contrairement aux photos studio, on peut difficilement modifier un éclairage extérieur ; il faut alors composer avec la lumière du moment, ou revenir à un autre moment lorsque la celle-ci sera plus propice…

    La belle lumière est l’alliée du photographe ; elle va lui permettre de mettre en valeur les sujets de sa photographie, et transformer un paysage banal ou photographié mille fois en une photo unique. Une lumière rasante va mettre en valeur les reliefs et les textures en allongeant les ombres. Une lumière dure est plus difficile a maîtriser, mais peut permettre de réaliser des photos très contrastées, où les personnages se transforment en ombres chinoises lorsqu’ils sont à contre-jour. Le photographe doit donc s’adapter pour tirer le meilleur parti des conditions de lumière… Tout dépend du message qu’il souhaite faire passer au spectateur. Par exemple, pour des photos zen, une lumière douce de début de journée, avec une légère brume, est idéale. Je dois confesser un gros penchant pour les lumière bretonnes, et particulièrement les ciels sculptés par les nuages. Ils sont souvent des éléments primordiaux dans mes photographies

    Comment vous est venue l’idée de la série « Sentinelles » ? Comment choisissez-vous les noms des photos ?

    Je pratique la photographie numérique depuis une dizaine d’années. Parfois je parcours mon disque dur, et redécouvre certaines photos mises de côté. J’ai une bonne mémoire concernant mes photographies, alors si je tombe sur une photographie qui me parle sur le moment, et que je peux lui associer d’autres clichés, je démarre une série… C’est ce qui s’est passé pour les sentinelles. Tout est parti de la photographie que j’ai intitulé “Les Deux Sentinelles”. Celle-ci représente un visage naturellement sculpté dans la roche par les éléments, et un corps de garde douanier. Il faut avoir le coup d’oeil pour voir ce visage, attendre qu’une lumière rasante d’hiver vienne en souligner les traits, et cadrer de façon à ce qu’il soit le plus apparent possible… C’est cela le travail du photographe… J’ai ensuite farfouillé dans ma mémoire pour trouver d’autres photos de rochers aux formes étranges pour compléter la série. Concernant les titres, je n’en donne pas systématiquement, mais si je parviens à trouver un titre poétique qui entre en résonance avec l’image, je ne m’en prive pas.

     

    François Trinel fait aussi des photographies de scènes de vie, portraits, mariages, et travaille pour des collectivités telle que Lorient Agglomération. Il travaille actuellement sur les mains. Qu’elles soient jeunes et lisses, ou marquées par l’usure du temps, les mains en disent long sur leurs propriétaires, leur caractère, les activités qu’ils pratiquent, leur interaction avec le monde…

    Il souhaite développer son activité de service aux entreprises et aux mairies, en réalisant des reportages de grande qualité, comme cet album réalisé à l’occasion des manifestations de soutien à Charlie Hebdo. L’acquisition d’un studio photo est un projet qu’il souhaite réaliser prochainement.

    Aujourd’hui, le photographe dispose d’une banque de 1 500 images disponibles à la vente ou pour des expositions.

     

    Depuis novembre 2014 :

    – Série sur les mains « Les mains dans tous les états »
    – Série « Photos aériennes »
    – Série « Défi Noir & Blanc »
    – Série « Vagues et déferlantes »
    – Série « A la tombée de la nuit ou au petit matin »
    – Série « Fleurs »
    – Série « Exercices équestres »
    – Série « Grotte marine à Quiberon »
    – Série « Trois photos par jour pendant 5 jours »
    – Série « Lorient EST Charlie »
    – Série « Zen »

     

    François Trinel, actuellement en FOCUS à Instant City.

     

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    [kleo_divider type= »full » double= »no » position= »center » text= »Liens externes » class= » » id= » »]

    [kleo_icon icon= »link » icon_size= »large »] François Trinel Photographe

     

     

     

  • Focus : Tristes Tropiques

     

    Il y a 60 ans tout rond, paraissait « Tristes Tropiques » de l’ethnologue Claude Lévi-Strauss.

    Provocant de la part d’un anthropologue : « je hais les voyages et les explorateurs ». Perturbant : la description d’un tatouage primitif ou le récit  d’un voyage en pirogue font office de projecteur braquant une lumière crue sur les errements, renoncements, servitudes volontaires, inhérents à toutes les sociétés (l’Occident étant loti à la même enseigne que toutes les autres).

    Extraits décapants en quelques actes (et commentaires plus ou moins pertinents par moi-même) : distance, croyances, servitude, écriture… Et Père Noël.

    60 ans et pas une ride ! (le bouquin, pas le Père Noël).

    Acte 1 – Distance

    « Je savais que, de façon lente et progressive, ces situations [de conflit] se mettaient à sourdre comme une eau perfide d’une humanité saturée de son propre nombre, et de la complexité chaque jour plus grande de ses problèmes, comme si son épiderme eut été irrité par le frottement résultant d’échanges matériels et intellectuels accrus par l’intensité des communications. Toutes ces manifestations stupides, haineuses et crédules, que les groupements sociaux sécrètent comme un pus quand la distance commence à leur manquer, je ne les rencontrais pas pour la première fois. »

    (Tiens tiens, j’y penserai la prochaine fois que j’aurai mon nez collé à l’aisselle de mon voisin dans le métro)

    Acte 2 – Croyances

    « Il faut beaucoup de naïveté ou de mauvaise foi pour penser que les hommes choisissent leurs croyances indépendamment de leur condition. Loin que les systèmes politiques déterminent la forme d’existence sociale, ce sont les formes d’existence qui donnent un sens aux idéologies qui les expriment : ces signes ne constituent un langage qu’en présence des objets auxquels ils se rapportent. En ce moment, le malentendu entre l’Occident et l’Orient est d’abord sémantique : les formules que nous y colportons impliquent des signifiés absents ou différents. »

    (Naïveté, mauvaise foi… Claude, vous y allez fort quand même. On nous aurait donc menti ?)

    Acte 3 – Servitude

    « Ce problème du nombre, l’Inde s’y est attaquée il y a  quelques 3000 ans en cherchant, avec le système des castes, un moyen de transformer la quantité en qualité, c’est-à-dire de différencier les groupements humains pour leur permettre de vivre côte à côte. […] Il est tragique pour l’homme que cette grande expérience ait échoué, […] que les castes n’aient pas réussi à atteindre un état où elles seraient demeurées égales parce que différentes, et que se soit introduite une dose d’homogénéité qui permettait la comparaison, et donc la création d’une hiérarchie. […] Une société ne se perpétue qu’en sécrétant la servitude. »

    (Ouh là, pas très enthousiasmant pour la suite… De quoi regarder à deux fois les pseudo-révolutions de toutes origines. En espérant qu’à la fin, c’est le gentil qui gagne)

    Acte 4 – Ecriture

    « si mon hypothèse est exacte, il faut admettre que la fonction primaire de la communication écrite est de faciliter l’asservissement. L’emploi de l’écriture à des fins désintéressées, en vue de tirer des satisfactions intellectuelles et esthétiques, est un résultat secondaire, si même il ne se réduit pas le plus souvent à un moyen pour renforcer, justifier ou dissimuler l’autre. »

    (Affirmation extrême, mais… Faut-il ne donner au citoyen que  des outils émoussés (voire sabotés), des recettes incomplètes (voire mortelles), bref une illusion de libre arbitre et de pouvoir ? L’honnêteté voudrait qu’on le laisse en dehors de toute influence, ou qu’au contraire, on lui donne toutes les clés, sans exception. Mais d’ailleurs, en écrivant ce commentaire, ne suis-je pas déjà en train de manipuler quelqu’un ?)

    Acte 5 – Père Noël

    « Ce n’est pas seulement pour duper nos enfants que nous les entretenons dans la croyance au Père Noël : leur ferveur nous réchauffe, nous aide à nous tromper nous-mêmes, et à croire, puisqu’ils y croient, qu’un monde de générosité sans contrepartie n’est pas absolument incompatible avec la réalité. »

    (Ah… Tout s’explique… Mais au fait, lorsque dans la phrase ci-dessus, on remplace « Père Noël » par « Restos du Cœur » et « enfants » par « démunis », est-ce que ça marche encore ?)

     

     

    Claude Lévi-Strauss - Tristes Tropiques (Plon)

     

     

    https://vimeo.com/33358076

     

     

    [kleo_divider type= »full » double= »no » position= »center » text= »Pour aller plus loin » class= » » id= » »]

    [kleo_icon icon= »link » icon_size= »large »] Tristes Tropiques

     

     

  • Instant City : mode d’emploi

    Instant City : mode d’emploi

     

    Pour fêter nos deux-mille followers sur facebook, nous vous avons concocté un petit tutorial vidéo, afin de vous ôter vos derniers doutes quant à la nécessité de vous inscrire sur Instant City, ou vos dernières bonnes excuses pour ne pas vous être déjà inscrit…

    Donc, la marche à suivre ne saurait être plus simple…

    ✔ Rendez-vous sur la Page d’accueil Instant City.

    ✔ Cliquez sur « Inscription » en haut et à droite de la page d’accueil, ou sur « s’inscrire à la version beta publique » en milieu de page, sous le slide-show.

    ✔ Vous accédez ainsi à la page « Créer un compte ».

    ✔ Une fois le formulaire d’inscription rempli, complétez le Captcha en bas de page, juste pour prouver que vous n’êtes pas un robot.

    ✔ Dès que le compte est créé, rendez-vous dans votre messagerie, afin d’activer votre compte en cliquant sur le lien que vous venez de recevoir. Faites-le immédiatement, car ce lien reste valide peu de temps, pour des raisons de sécurité.

    ✔ Vous pouvez à présent vous connecter à votre compte, et accéder à votre page personnelle.

    ✔ Pour ajouter une photo de profil, cliquez sur « Profile », puis « Changer la photo du profil ».

    ✔ Téléchargez la photo.

    ✔ Retaillez votre photo, et cliquez sur « retaillage ».

    ✔ Votre profil est maintenant à jour.

    ✔ Vous pouvez dès lors consulter le Mag, ou écouter les playlists.

    ✔ Dans le menu « Collaborations », vous pouvez soumettre un article, proposer une collaboration artistique, consulter les projets en cours ou aboutis.

    ✔ En accédant aux Focus, vous pourrez profiter d’une sélection des articles de fond publiés précédemment dans le Mag.

    ✔ Dans le menu « Instant City Live », vous pourrez consulter le fil d’actualité récent de la communauté, et accéder aux membres ou aux districts de la ville.

    ✔ Vous pouvez aussi retrouver l’actualité de la communauté sur Facebook, Twitter, Google+ ou Pinterest.

    Afin de revenir une dernière fois sur une année 2014 bien remplie, nous avons mis en ligne le site en juillet, et nous avons publié les premiers articles dans le Mag en août. Nous avons ensuite ouvert la version beta privée de la Communauté Instant City (inscription uniquement sur invitation) en septembre, avant de lancer finalement la version beta publique en décembre (inscription libre).

    A venir dans les prochains mois :

    ✔ Instant City Toulouse, avec l’actualité culturelle de Toulouse et ses environs, les bons plans, les artistes locaux.

    ✔ A suivre ensuite, Instant City Marseille, Bordeaux et Courbevoie.

    ✔ Une appli smartphone

    ✔ Un lecteur audio-video embedded

    ✔ Et plein d’autres projets encore…

    Ah oui, une dernière chose… La musique du tutorial est signée Mona & Co, « Atelier 154 » © 2012 Andco-Recordings.

    Open Your Eyes, Open Your Ears, and Never Surrender ! Revolution 2.0.14 @ Instant City !

     

     

    [vimeo id= »118866151″ align= »center » mode= »normal » autoplay= »no » maxwidth= »900″]

     

     

    [kleo_divider type= »full » double= »no » position= »center » text= »Pour aller plus loin » class= » » id= » »]

    [kleo_icon icon= »link » icon_size= »large »] SF Studio

    [kleo_icon icon= »link » icon_size= »large »] Andco Recordings