Instant City

Auteur/autrice : HuberTouzot

  • Depeche Mode : Esprit, es-tu toujours là ?

     

     

    Cela n’aura échappé à personne et surtout pas aux fans qui sont légion, auxquels j’appartiens d’ailleurs depuis 1982 : Depeche Mode a sorti son nouvel album, « Spirit », en février 2017.

     

    L’ayant écouté au moment de sa sortie (mais écouté de nouveau depuis, je vous rassure…), mon premier sentiment à chaud était, hélas, que ce nouvel opus de Depeche Mode est d’une inconvenante paresse artistique. Pourtant produit par James Ford, à qui l’on doit entre autres les albums des Foals, Artic Monkeys ou encore The Last Shadow Puppets, on s’attendait à une rencontre intéressante entre les quinquas de Basildon et le son pop et novateur de tout un pan de la nouvelle scène anglaise. Le résultat en l’état fait juste « Sploutch » tant tout se traîne ici. Des morceaux mous, sans réelle saveur ni mélodie fédératrice, auxquels le groupe nous avait pourtant habitués jusqu’à présent. Où est passée l’étrangeté des textes, en symbiose avec une musique inimitable et entêtante ?

    Depuis « Sounds Of The Universe », il faut d’ailleurs bien avouer que seuls deux ou trois morceaux émergeaient souvent d’une mélasse musicale assez indigeste. Martin Gore et Dave Gahan arrivaient malgré tout à nous faire encore dresser les poils avec quelques pépites telles que « Wrong » ou « Should Be Higher » sur l’album « Delta Machine ». En revanche, le reste se noie dans une électro soul répétitive à grands coups de riffs de guitare pseudo-bluesy et de sonorités Bontempi rappelant « Speak & Spell » ou « A Broken Frame », leurs deux premiers albums sortis respectivement en 1981 et 1982… Quant au chant de Dave Gahan, il est redevenu bien hasardeux…

     

    Nous découvrions donc il y a quelques semaines le premier single extrait de « Spirit », « Where’s The Revolution »… Autant dire, sans bête jeu de mot, que si vous y cherchez une quelconque révolution, ça n’est pas dans cet album que vous allez la trouver.

     

    Certes, en tendant bien l’oreille, avec une concentration maximale, on peut prétendre reconnaître dans quelques morceaux de ce nouvel opus ce qui faisait le sel de Depeche Mode. Mais plus généralement, mon Dieu, comme c’est maigre… On assiste à une sorte de grand recyclage de ce qui a faisait la splendeur de ce groupe, que l’on se surprend malgré tout à redécouvrir dans des morceaux hâtivement torchés, comme pour répondre tant que faire se peut aux obligations contractuelles.

    Et quand on nous annonce des dates de tournée pour des concerts en devenir, alors que le trio se trouve encore en studio, on sent bien que les derniers albums de Depeche Mode sont davantage des prétextes pour mieux vendre des billets pour les stades que pour compléter toujours un peu plus leur discographie.

    D’ailleurs, les fans ne s’y trompent pas et semblent se moquer de toutes ces nouvelles chansons lénifiantes, car finalement, ce sont toujours les mêmes anciens standards que l’on entend lors des tournées.

    Dans ce contexte, « Spirit » restera sans doute leur pire album à ce jour…

     

     

     

  • Rize, noir comme la lumière…

     

     

    Rize vient de ressortir en salle. C’est l’occasion de redécouvrir, si vous étiez passé à côté à l’époque en 2005, ce film ou plutôt cette expérience proposée par le photographe David LaChapelle.

     

    Noir comme la lumière… Aimer les corps et la fusion créée entre leurs mouvements, et toute la puissance qui s’en dégage…

    David LaChapelle a dû être complètement tétanisé lorsqu’il découvrit pour la première fois tous ces jeunes de South Central, un ghetto noir et portoricain en plein cœur de Los Angeles, trouver un exutoire à leur condition, sous forme de danses complètement nouvelles appelées « Stripping’ », « Clowning » ou « Krumping », mélange de Tribal, de Hip Hop ou de Voguing.

    Cette frénésie collective, comme taillée dans la pierre, surgissant de peaux noires et luisantes, et faisant saillir les muscles, offre un spectacle inouï. Toutes ces chorégraphies évolutives et furieuses, par lesquelles chacun vient transcender son être, c’est ce qui ressort des images de Rize.

    Durant tout le film, un saisissement nous étreint, nous émeut, nous prend à la gorge, nous bouleverse. Sans doute de l’amour… En tout cas, il se passe quelque chose. Jamais la danse et les corps en mouvement n’avaient exprimé autant de sentiments et d’émotions.

    Déjà douze ans de passés… Le contenu de ce reportage n’est peut-être plus d’actualité, et ses protagonistes ont sans doute bien changé. Pourtant, ces images que l’on revoit aujourd’hui, ont gardé toute leur majesté. Douze ans après, et rien ne semble avoir été affecté. Rize est un bloc. David LaChapelle, dont on connaît le travail, souvent si enclin à un style formaliste, outrancier, que ce soit dans ses photos ou dans ses clips, s’est ici complètement effacé, pour mieux recueillir ce jus, cette intensité de vie et de puissance, sans jamais forcer le trait ni tomber dans le misérabilisme ou la complaisance, pour nous offrir ce témoignage incroyable sur la beauté, la fierté et la foi.

    A redécouvrir d’urgence…

     

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    [kleo_divider type= »full » double= »no » position= »center » text= »Pour aller plus loin » class= » » id= » »]

    [kleo_icon icon= »link » icon_size= »large »] Dévoreur Hubertouzot

    [kleo_icon icon= »link » icon_size= »large »] Hubert Touzot : Photographe dévoreur d’images

     

     

     

  • Conjuring 1… Mais 2…

     

     

    A la manière d’un Tarantino, James Wan fait des films en citant sans complexe tous ceux qui lui ont sans doute donné le goût du cinéma de genre.

     

    Avec « Saw » d’abord, le premier du nom, James Wan égrenait déjà autant de références empruntées à ses pères transalpins comme Dario Argento, Lucio Fulci, Mario Bava, tout en créant un genre en soi, le « Torture Porn Movie »… « Insidious », ensuite, reprenait sans vergogne tous les codes de « Poltergeist » qui lui même faisait déjà référence à « La Maison du Diable » de Robert Wise, grand film de maison hantée, dans lequel la peur était sculptée dans la suggestion. On peut donc dire que ce jeune réalisateur talentueux connait ses classiques sur le bout des doigts et sait les utiliser pour mieux les réinterpréter, les réinventer. Enfin, avec « Conjuring », c’est « Amityville » et surtout « L’Exorciste » qui servaient ici de référence, de modèle et de moule.

    En optant alors pour un traitement à contre-courant des figures imposées aujourd’hui, par lesquelles violence crue et scènes graphiques inondent le moindre centimètre de pellicule, le réalisateur de « Dead Silence » préférait quant à lui s’essayer au pur travail de mise en scène. A ce titre, « Conjuring » pouvait se targuer d’être un modèle du genre, tant son décor principal, la maison, était utilisé comme un personnage à part entière. En ayant très peu recours aux effets faciles tels que les « Jump Scares » ou autres effets spectaculaires, tout consistait ici à rendre l’atmosphère du film très rapidement immersive, afin que le spectateur se sente lui aussi réellement dans la maison. De nombreux plans-séquences permettaient cette empathie et créaient ainsi l’angoisse.

    S’appuyant également sur un casting solide, le film, même s’il n’échappait pas aux facilités d’usage ou encore à des références quelque peu lourdes, se montrait jusqu’au bout toujours honnête et franc. Ne cédant jamais à l’ironie facile tout en essayant d’être une sorte d’ultime film de genre, généreux et appliqué, « Conjuring » s’avérait jusqu’à ce jour être le digne rejeton de ses illustres ainées.

    Le problème avec James Wan, c’est qu’à contrario de ses prédécesseurs qui prenaient le risque de changer de genre à chaque nouveau film, lui ose la suite, au son des cloches du succès que connurent « Insidious » et « Conjuring ». Rejouer le même tour de passe-passe, à ses risques… Ainsi, avec « Conjuring 2 », il tente le tout pour le tout. Patatra… L’opus 2 se vautre donc dans tous les travers que le premier avait su si justement éviter.

    Premier problème de taille, le rythme. Deux heures dix pour un film d’horreur, c’est beaucoup trop long pour retenir l’attention et maintenir l’angoisse du spectateur. Surtout que cette fois-ci, l’histoire, décalque du premier volet, nous ressert les mêmes ingrédients dans une ambiance davantage fête foraine, où les « Jump Scares » sont revenus au galop, comme si le film n’avait plus d’autre ambition que de n’être juste qu’un banal train fantôme. Même si on tente de nous flatter avec cette prétendue histoire dans l’histoire, ou du film dans le film, peut-être que tout cela n’est finalement qu’un coup monté, un rêve ou une pièce de théâtre, qui sait.

    Côté monstres et démons, il faut donc se contenter d’un vieillard sénile inspiré du croque-mort du « Phantasm » de Don Coscarelli, ou d’une nonne démoniaque ayant piqué le maquillage du chanteur-rockeur Marylin Manson. Bref, un peu chiche niveau trouvaille visuelle. Le couple Warren, les Ghostbusters si impliqués dans le premier opus, semble cette fois-ci se foutre un peu trop de ce qui lui arrive. Le mari nous pousse même à un moment la chansonnette avec sa guitare. « Conjuring 2 » ne fait donc absolument pas peur, traîne en longueur, et devient vite un vrai chemin de croix, compte tenu du public venu voir le film, aussi infect séance après séance, puisqu’il n’est quasiment composé que de pré-adolescents ayant été sûrement élevés au Pal, la pâtée des champions…

    Bref, le petit maître de l’horreur serait prié de renouveler son stock de fantômes et autres cas de possession, car les ficelles commencent sérieusement à se voir. Et c’est un fan de « L’Exorciste », « Amityville » et « Massacre à la Tronçonneuse » qui le dit !

     

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    [kleo_icon icon= »link » icon_size= »large »] Dévoreur Hubertouzot

    [kleo_icon icon= »link » icon_size= »large »] Hubert Touzot : Photographe dévoreur d’images

     

     

     

  • Notre monde était arc-en-ciel

     

     

    Ils sont morts parce qu’ils étaient humoristes, dessinateurs, caricaturistes, journalistes. Ils sont morts parce qu’ils croyaient à la liberté d’expression, à la démocratie, à la laïcité.

    Ils sont morts parce qu’ils étaient juifs, catholiques, bouddhistes, musulmans, agnostiques.

    Ils sont morts parce qu’ils étaient jeunes, parce qu’ils étaient vieux, parce qu’ils aimaient se retrouver entre amis à boire et à manger en terrasse.

    Ils sont morts parce qu’ils allaient à des concerts, parce qu’ils aimaient la musique et la fête.

    Ils sont morts parce qu’ils s’amusaient, parce qu’ils riaient, parce qu’ils parlaient de tout et de rien.

    Et puis ils sont morts aussi parce qu’ils étaient homosexuels, trans, bi, travestis ou lesbian.

    Ils sont morts d’avoir pu choisir quelle vie ils souhaitaient, avec qui baiser, sucer, enculer, aimer, parler, s’enivrer, jouir.

    Ils sont morts tous autant qu’ils sont parce qu’ils étaient libres de danser, chanter, lever les bras en l’air s’ils en avaient envie.

    Ils sont tous morts pour la même raison.

    Ils sont morts parce qu’ils célébraient la vie, cette vie, la seule, brève, fugace, faite de courts instants de bonheur qu’il faut savoir cueillir comme on cueille les cerises.

    Ils sont morts parce qu’ils espéraient, parce qu’ils croyaient tous à la lumière et aux forces du bien.

    Ils sont morts parce qu’ils étaient en vie, que ceux qui les ont tués vivent quant à eux dans la peur, la colère, les ténèbres, et n’aspirent plus à rien d’autre que le silence et le froid du tombeau.

    Notre monde était arc-en-ciel…

     

     

     

  • Karl, Chanel… et Yves

     

     

    1983, un certain Karl Lagerfeld investit les murs de l’une des plus vieilles maisons de Haute Couture françaises, Chanel. Avec ce nouveau directeur artistique, cette institution moribonde rêve de retrouver de sa superbe d’antan, voire même de rajeunir.

     

    Cet ancien grand ami d’Yves Saint Laurent, qui vient d’être engagé par la famille Wertheimer à qui appartient cette maison depuis 1954, tient ici peut-être sa revanche sur celui qui l’a toujours dépassé en tout point. Une rivalité qui existe depuis leur première rencontre, à l’aune de leurs carrières respectives et qui lie les deux hommes, comme un étrange sortilège où s’entremêlent estime, jalousie, respect et amants partagés.

    Même après le faste des années 70 et la flamboyance de ses collections, Yves Saint Laurent reste encore l’ultime référence dans ce milieu d’exception et est considéré par tous comme un génie absolue. Karl Lagerfeld, quant à lui, dont le parcours créatif a été plus laborieux, ne semble posséder que le talent.

    Néanmoins, cette pureté et cet état de grâce fragile, instable, suspendu au-dessus de Saint Laurent, ont toujours eu besoin de Pierre Bergé pour être canalisés, contenus et exploités. Saint Laurent, aussi génial qu’il put être comme créateur et magicien des femmes, restait aussi ce styliste, ce modéliste en blouse blanche qui travaillait toujours à l’ancienne, prisonnier de son statut, accaparé uniquement par cette fonction de devoir renouveler des collections les unes après les autres, année après année, sans conscience réelle de ce que cela représentait.

    Lagerfeld, plus pragmatique et plus visionnaire, a toujours peu laissé de place au hasard ou à une quelconque magie. Travailleur acharné, méthodique et opiniâtre, il savait que son heure viendrait un jour, forcément. Tout ce savoir et cette culture amassée, ces différentes expériences au fil des années, allaient bientôt être payants. Avec l’entité Chanel qu’on lui mettait entre les mains, c’était là une opportunité inespérée de pouvoir enfin concrétiser tout ce qui avait échoué jusqu’à présent, avec ses différents projets avortés. Un laboratoire et une rampe de lancement.

    Yves Saint Laurent a connu le succès et les éloges dès le début de sa carrière, d’abord brièvement chez Dior, avant d’être remercié par Marcel Boussac, puis avec sa propre maison créée sous l’impulsion de Pierre Bergé. Saint Laurent – Bergé, une alchimie rare et ce don de pouvoir tout transformer en or. La marque, représentée par ce célèbre logo composé des trois initiales Y S L entrelacées, était devenu un symbole qui exprimait aussi bien le luxe, que la France et l’exception.

     

    Mais des Saint Laurent, il n’y en a qu’un par siècle, voire aucun…

     

    Lagerfeld, quant à lui, n’arrivera jamais à obtenir la moindre reconnaissance ou un quelconque engouement juste avec juste son nom sur une étiquette. Toutes ses tentatives de collections, de sa propre initiative et à différentes époques, se sont toujours soldées par des échecs ou ont été confrontées à une indifférence polie.

    Mais faisons un bon en arrière jusqu’en 1955. Karl Otto Lagerfeld est remarqué par Pierre Balmain à un concours, en y terminant d’ailleurs ex-equo avec Yves Saint Laurent. Le célèbre couturier de la rue François 1er propose à ce jeune homme brillant d’origine Allemande de l’assister dans son travail et ses réalisations. Lagerfeld comprend et apprend vite les rouages du métier, les rapports entre les gens, les attentes de la clientèle. Il observe et ne laisse rien de côté, jusqu’au plus petit détail, jusqu’au moindre petit rôle, tout ce qui constitue les arcanes d’une maison de couture. Brûlant les étapes grâce à son caractère émancipé et volontaire, il se voit confier quatre ans plus tard le poste de directeur artistique de la Maison Patou. Une maison de haute couture à l’ancienne, avec ses rites et ses habitudes d’un autre temps, où Lagerfeld se sentira vite à l’étroit. Il y apprendra cependant la rigueur et le sens du détail.

    Quand d’autres stylistes ambitieux et forts des expériences vécues dans les grandes maisons de couture, choisiraient alors de continuer logiquement leur ascension comme on ambitionnerait l’Everest, Karl lui choisit plutôt d’emprunter des chemins plus modestes. Comme par exemple, après avoir manié l’organdi et la crêpe de soie, préférer se concentrer sur des collections de vêtements de prêt-à-porter destinées à des grandes enseignes en France, en Italie, en Allemagne ou même au Japon. Comprendre le métier, tous les métiers de la mode de A à Z… C’est avec la maison Chloé en 1963 qu’il décide de renouer avec le luxe, en y créant toute une gamme de bijoux fantaisie et des collections de prêt-à-porter couture.

    C’est aussi une époque en pleine ébullition. La mode longtemps restée statique se mue sous l’impulsion d’une nouvelle génération de stylistes tels que Paco Rabanne, Pierre Cardin ou André Courrèges, dont la démarche est en parfaite adéquation avec les nouveaux courants de pensée libertaires de l’époque. La révolution des mœurs et des idées contestataires est devancée par leurs vêtements aux formes radicales et aux matériaux modernes voire futuristes. Cette refonte passe aussi par une démocratisation du luxe et l’idée que le chic et l’allure doivent être à la portée de tous.

     

    Yves Saint Laurent qui ronronne dans sa maison de Haute Couture va se saisir de cette opportunité et proposer très vite une ligne de prêt-à-porter à prix plus abordable. En surfant ainsi sur le prestige de son nom et de son savoir faire, ses collections vont s’exporter partout dans le monde. C’est un carton plein.

     

    Dans son coin, Lagerfeld reste à l’affût, observant scrupuleusement la société en pleine mutation qui ne cesse de changer. Il constate également impuissant l’ascension inexorable de celui qui vient d’être de nouveau acclamé, cette fois-ci pour ses robes-trapèzes Mondrian, et enrage silencieusement de n’être toujours qu’un prête-nom. Est-ce par frustration ou par manque, ou pour un idéal qui semble s’éloigner à chaque fois qu’il avance vers lui, que Lagerfeld multiplie les collaborations comme styliste ou designer, comme avec Fendi ? La marque italienne lui laisse une liberté totale et lui accorde une confiance sans borne pour en changer à sa guise l’esprit, en commençant par son logo qu’il redessine lui-même, avec ces deux F encastrés que l’on peut voir sur tous les sacs à main ou les escarpins qui se vendent dans le monde entier depuis 50 ans.

    En ce début des années 80, Chanel n’a plus de prestigieux que ses parfums. Le nom associé au N°5, best-seller incontournable de la parfumerie, reste malgré tout magique, et à sa simple évocation, les yeux brillent. Lagerfeld accepte ce nouveau défi, qui sera de superviser l’ensemble des collections Haute Couture, prêt-à-porter et accessoires, sans en mesurer encore l’ampleur de la tâche et de l’attente. Il s’agit surtout pour lui d’une question d’amour propre, de prestige et d’orgueil, en sachant qu’il met aussi les pieds dans une prison dorée.

    Avec son sens inné et précurseur du marketing et de la communication, il va rapidement réaliser tout le potentiel qui dort derrière cette simple enseigne et qui dépasse de très loin par sa simple évocation le prestige des autres noms avec lesquels il a collaboré jusqu’à présent. Cette place dans la lumière, il va peut-être enfin pouvoir y accéder, en vampirisant la marque de l’intérieur pour y graver son empreinte durablement. Force est de constater que 39 ans plus tard, Chanel c’est Karl Lagerfeld et Karl Lagerfeld est Chanel.

    Mais revenons au tout début de cette aventure exceptionnelle. En se voyant conférer les pleins pouvoirs et une latitude totale, celui qui arbore déjà à l’époque un catogan va consciencieusement dépoussiérer cette maison située au 21 de la rue Cambon, fondée en 1910, et ce pièce par pièce, objet par objet.

     

    Car finalement, l’esprit Chanel, c’est quoi ?

     

    Des cardigans en jersey et tweed à boutons dorés, de nombreux emprunts à une mode militaire prussienne et masculine, des cabans, des pantalons taille haute, des tailleurs sans col, les célèbres petits sacs matelassés avec leurs chaînes dorées entrelacées de cuir et leurs deux C dorés croisés, un esprit minimaliste et sans exubérance, toute l’influence d’une mode garçonne typique des années 20. Tout ce que Madame Chanel à son époque avait créé comme nouveaux codes vestimentaires émancipateurs, mais devenus aussi avec le temps des artefacts, des chaînons manquants dans l’évolution de la mode.

    Ce nouveau directeur artistique est surtout choisi pour redonner à cette maison, à défaut d’une âme, une ambition, une place privilégiée dans le monde de la mode. On a suivi son parcours et constaté les petits miracles qu’il a obtenus chez les concurrents chez qui il a pu officier précédemment.

    Karl Lagerfeld va donc d’abord digérer toute l’œuvre de la femme au collier de perles, car il sait qu’on attend de lui qu’il restitue l’éclat d’antan à cette maison, comme le ferait un faussaire. Un travail servile, soigné mais sans éclat. Juste de quoi satisfaire de riches et vieilles Américaine nostalgiques. Heureusement, Lagerfeld a appris tout au long de son parcours initiatique que la mode est amnésique. Car son projet est en vérité beaucoup plus ambitieux. C’est à une métamorphose qu’il songe plutôt, mais qui ne se fera pas non plus du jour au lendemain. Lagerfeld n’est ni fou ni téméraire. Il est méthodiste et allemand accessoirement.

    Discipliné, la première collection qu’il présente est un hommage circonspect à tout ce que cette maison de couture a pu proposer de plus acclamé. Il pioche dans les modèles les plus représentatifs imaginés par Gabrielle Chanel, ainsi que dans certains accessoires iconiques. En élève appliqué, il passe le test du premier défilé sans une faute de goût. Et la bourgeoise se pâme… Karl fait des baisemains et des ronds de jambe, et badin, joue le jeu.

    La révolution se fera en douceur, par étapes, en gommant progressivement les aspects « mémère » de l’esprit Chanel et en poussant juste certains détails vestimentaires. Il teste au fur et à mesure les réactions à cette réforme qui a pour but d’évacuer à terme les archétypes et certains gimmicks encombrants et obsolètes. Alors on commence à voir des baskets dans un défilé, des combinaisons de moto nippées les unes aux autres, puis un blouson en cuir, des cuissardes. Des matériaux nouveaux tels que le denim utilisé pour l’un de ses fameux cardigans sans col.

    Pas un vêtement, un accessoire, un élément qui cependant ne ramène pas au premier coup d’œil à cet esprit Chanel. Astucieux, ludique, comme une musique constituée de samples, ces échantillons de morceaux connus que l’on utilise pour être greffé sur une autre création originale. Lagerfeld fait de même avec, par exemple, les deux C croisés qui deviennent du métal ou de l’or avant d’être montés sur un bracelet en cuir ou une ceinture. Chanel devient logo et Chanel devient alors terriblement cool.

     

    L’une des principales forces de Karl Lagerfeld, constitutives de son talent, c’est qu’il peut sans difficulté s’adapter aux différentes époques qu’il traverse.

     

    Epoques qu’il comprend et qu’il assimile à chaque fois, grâce à la connaissance de tout ce qui les compose, que ce soit culturel, populaire et politique. Il vit pleinement le présent et déteste ressasser le passé, tout en ayant déjà un pied dans l’avenir. En ce sens, c’est aussi l’exact contraire de ce qu’était Saint Laurent, qui lui ne supportait le présent que grâce au passé, comme échappatoire et comme source vitale essentielle. Il aimait s’entourer et vivre parmi les antiquités, les objets anciens. L’avenir le terrorisait. D’une lente et moelleuse mélancolie proustienne, il glissa jusqu’à sa mort avec la dépression.

    De son côté, Lagerfeld ne laisse rien au hasard. Il se nourrit du présent et de chacune de ses nouveautés. Au début des années 90, il va anticiper ce que la société deviendra ensuite et sait déjà comment utiliser le pouvoir de l’image et de la communication, deux concepts qui vont bientôt prendre une place inédite dans nos sociétés. Chanel ne sera pas qu’une marque de vêtements de plus, s’adressant à des femmes fortunées. Lagerfeld va lui donner du sens, une direction, et au lieu de se contenter d’un succès mondial, il va peu à peu pousser toujours plus loin les expériences et les concepts. C’est tout un univers cohérent qu’il va mettre en place, en commençant par des défilés monstres, conçus comme d’énormes happenings organisés au Grand Palais, qui vont refléter l’époque et sa démesure, sans occulter la vacuité de la mode et de ce qu’elle représente dans l’inconscient collectif. Avec d’énormes moyens engagés, ces shows sont aussi des forces de frappe stratégiques et financières qui subjuguent, humilient et écrasent toute concurrence.

    Au delà du spectacle et de son premier degré, Lagerfeld se joue d’un monde de luxe hypertrophié à la limite de la rupture, parfois beau mais trop souvent vaniteux, mégalo jusqu’au grotesque, jusqu’à l’écoeurement. Lui-même tourne sur la piste de ce cirque baroque, en devenant progressivement un concept, une abstraction, une icône pop déclinée sur tous supports, dessinée, reproduite, facilement identifiable, immuable et totalement en phase avec l’époque. Lagerfeld a dépassé toutes ses espérances. Il est devenu tout simplement l’incarnation de la mode. Etrange paradoxe, cependant, pour quelqu’un à l’égo-trip surdimensionné qui peut en même temps dépenser tant d’énergie, abattre un tel travail, et finalement donner autant de sa vie pour une maison qui a existé avant lui et qui existera sûrement après.

    Karl Lagerfeld est bel et bien un paradoxe, ne souhaitant pas être scruté de trop près et ne se prêtant à aucune analyse. Il a toujours brouillé son image, au point de mentir sur sa date de naissance. Il a changé maintes et maintes fois d’aspect jusqu’à celui que nous lui connaissons aujourd’hui, depuis qu’il a entamé ce régime draconien qui lui permit de perdre une quarantaine de kilos, devenu ainsi cet étrange personnage autant reflet que fantôme, enfin débarrassé de toute contingence liée à un âge ou à un quelconque repaire temporel.

    Il est devenu une œuvre parmi ses œuvres, ce mutant protéiforme dont l’image iconographique qu’il s’est lui-même créée est indissociable non seulement de la maison dont il est l’ambassadeur, mais aussi de la mode en général et de ce qu’elle représente dans l’inconscient collectif. Celui qui peut concevoir des robes vendues des milliers d’euros mais aussi des vêtements éphémères pour H&M.

    Et cette revanche alors, qu’il a finalement assouvie in extrémis au détriment de son vieil ami Yves, aidé en cela par l’érosion du temps et la lassitude ? Il ne s’en souvient plus… Car il est si loin, ce temps d’une mode ultra codifiée, avec ses repaires stricts et tellement vains. Aujourd’hui, Chanel est un empire tout aussi puissant, si ce n’est plus, que l’identité Saint Laurent ; le double C croisé de son logo possède la même force d’évocation que la tour Eiffel sur un T-shirt, et bien plus identifiable désormais que les trois lettres Y S L.

    Rétrospectivement l’univers de Saint Laurent reste fort, tenu par quelque chose de mystique et de grand. Et Lagerfeld n’est pas dupe… Il sait que dans 50 ans, ce qu’il a entrepris, créé et propagé ne sera plus qu’une vague anecdote dans l’histoire de la mode,  comme un ultime pied de nez warholien.

     

     

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    [kleo_icon icon= »link » icon_size= »large »] Dévoreur Hubertouzot

    [kleo_icon icon= »link » icon_size= »large »] Hubert Touzot : Photographe dévoreur d’images

     

     

     

  • Le Roi est mort…

     

     

    J’ai découvert Prince en 1983 avec son album « Purple Rain ». Un choc…

    Adolescent à cette période et tiraillé par des choix cornéliens, hésitant entre le spleen de la New Wave et devenir curiste, ou suivre cet étrange lutin androgyne habillé comme Elvis Presley période Las Vegas, jaillissant sur une grosse cylindrée et se déhanchant en bottines à talons aiguilles. Prince et ses allures improbables, son univers mêlant kitch et premier degré, a fait jaillir d’une autre dimension des chansons hallucinantes, hallucinées. Des mélodies aux arrangements sophistiqués, baroques et funky, des volutes enveloppantes érotisant chacune des sonorités venant lécher nos oreilles.

    Durant toutes ces années 80 et une bonne partie des années 90, il nous aura gratifié d’un concentré de chefs d’œuvre, à raison d’un album par an. Des tubes en rafale tels les balles d’un fusil mitrailleur, nous atteignant dans la tête, dans le cœur, dans les jambes, dans les bras. Criblés, nous dansions jusqu’au matin, pantins possédés par ces airs fous, puissants, sexuels, lascifs, grisants, abolissant toute notion de temps.

    Prince était unique, aussi petit que géant, un prince devenu roi.

    Musicien complet, génial, aux concerts, qui pour tous ceux ayant eu la chance d’y avoir assisté, étaient des moments uniques, inoubliables. Ce stakhanoviste de la musique, cette réincarnation mégalomane de Mozart à défaut d’un Bach, s’était certes peut-être un peu dilué dans les années 2000 avec des doubles, triples ou quadruples albums concept quelque peu bourratifs.

    Mais ce que Prince, ou Love Symbol, laisse aujourd’hui, avec dans son sillage, Wendy, Lisa, The Revolution, The New Power Generation et tous les autres qui ont contribué à son œuvre, est gigantesque. Une oeuvre tant puissante que frêle, rare, précieuse, comme une eau vive qui circule toujours autour de nous.

    Une eau, une pluie pourpre et maintenant des larmes. Il fait froid.

    Parfois il neige aussi en avril…

     

     

    [kleo_divider type= »full » double= »no » position= »center » text= »Pour aller plus loin » class= » » id= » »]

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    [kleo_icon icon= »link » icon_size= »large »] Hubert Touzot : Photographe dévoreur d’images

     

     

     

     

  • Jean-Paul Gaultier et la parenthèse enchantée

     

     

    Il y a un an précisément, au Grand Palais, se célébrait non sans un certain sens du solennel la carrière de Jean-Paul Gaultier, bien que toujours en vie. A cette occasion, on exposait certaines des créations les plus marquantes de sa carrière, qui n’est pas encore terminée, je suppose. De la robe en toile cirée en passant par les seins coniques pour Madonna, jusqu’à la fabuleuse robe haute couture commençant en marinière pour devenir un éblouissement fait de plumes, cette démonstration tournait pourtant un peu à vide. En vulgarisant et en expédiant ainsi quelques modèles sélectionnés, on nous faisait oublier qui était réellement Jean-Paul Gaultier, avant d’être un habilleur mondain pour icones de la pop-culture.

    A la manière d’une visite au musée, les visiteurs, après de longues heures de queue, avaient enfin le loisir de contempler, dans un environnement sombre et étudié, des œuvres qui pourtant n’avaient pas trente ans d’existence. Etrange paradoxe, en l’espèce, que de venir contempler de très près des pièces conçues sur une période de quinze années, comme on viendrait se recueillir devant des antiquités babyloniennes retournées de ces mondes à tout jamais perdus. Très peu de couturiers ont pu connaître de leur vivant pareils honneurs. Le génial Yves Saint Laurent, peut-être, dans les années 90, au Louvre et dans une salle extérieure, mais dans une bien moindre mesure. Ce n’est d’ailleurs qu’une fois mort qu’il aura finalement droit à sa grande exposition, mais « seulement » au Petit Palais…

    Cette exposition Gaultier a donc été conçue avant tout pour l’exportation. Avec son tapage médiatique, on y décelait en fin de compte surtout le principe de la jolie vitrine faite pour nous vendre ensuite des livres et des produits dérivés estampillés aux rayures et aux nom et prénom du créateur, en alignement asymétrique. Misère de notre temps où l’on récupère tout pour le mettre dans des boîtes. Et comble de l’ironie pour celui qui a dépoussiéré la mode en France, en se jouant des codes et des différents niveaux de hiérarchie pour évoquer le luxe et le style, avec un premier parfum sorti dont le packaging était une boîte de conserve.

    Jean-Paul Gaultier apparaît au début des années 80, comme un lapin qui sort d’un clap, au milieu d’un champ de bataille moribond et venteux, après ses passages studieux au sein des maisons Cardin et Jean Patou. Le premier, connu en son temps, au début des années 60, pour ses innovations, à l’instar de Courrèges et Paco Rabanne, et le deuxième pour sa haute couture et ses fourrures, son savoir faire et le prestige d’une grande maison parisienne d’avant-guerre. Jean-Paul Gaultier gardera de ces expériences un goût prononcé pour l’innovation, le détournement des codes, mais aussi une précision sans faille dans la modélisation et la connaissance parfaite du vêtement.

    Dans cette période post-Punk, avec cet esprit épingle à nourrice, motif écossais et godillots militaires qui nous vient tout droit de Londres, et qui le caractérise rapidement, le jeune homme à la brosse peroxydée en utilise les principaux motifs pour se lancer et affiner son propre style. Fort d’une première collection et d’un défilé qui remportent un grand succès critique, mais pas commercial, il devra tout de même attendre l’aide du groupe financier Japonais Kashiyama pour s’épanouir et donner la pleine impulsion à son imagination et son audace, ses principaux partenaires pendant toute la décennie qui allait suivre.

    Après dix longues années de pattes d’éph et de chemises col pelle à tarte, le vêtement se radicalise et tout se rétrécit à nouveau. Ouf… Renoma, une célèbre marque de prêt à porter tient le haut du pavé depuis les années 60, mais n’arrive plus à suivre la tendance de la rue, à l’orée de cette décennie qui s’ouvre avec la crise, le sida et François Mitterrand. Place donc à une nouvelle génération de jeunes gens audacieux, nourris au punk, aux multi-références culturelles et biberonnés aux slogans émancipateurs. Il y a bien aussi Kenzo, déjà dans la place, et ses quelques innovations, mais qui restent bien sages et complexées car trop assujetties à la toute omniscience d’Yves Saint Laurent qui règne sans partage sur la mode en France et dans le monde. Le maître de la Couture de la Rive Gauche, qu’elle soit Haute ou bien prête à porter, reste indéboulonnable et les bourgeoises et autres happy fews de l’époque ne respirent que pour ce couturier aux célèbres lunettes et à la voix surannée.

    Les grandes maisons d’antan, Dior, Balenciaga, Guy Laroche, Balmain, Givenchy, Chanel ou bien encore Jean-Louis Scherrer sont toutes à l’agonie. N’ayant voulu tabler que sur de la Haute Couture, les salons d’essayage de l’Avenue Montaigne paraissent bien vides dans ces années-là, si ce n’est encore quelques commandes passées par de riches épouses d’armateurs grecs, ou bien des licences pour ceinturons ou chemises ici et là. Mais c’est surtout avec la parfumerie que toutes ces maisons jadis prestigieuses parviennent à sauver les meubles.

    Le concept de « Créateur » viendra en fait du Japon dès 1978, avec deux noms qui émergent, Rei Kawakubo et sa marque Comme des Garçons, et Yohji Yamamoto. Tous deux présentent leur première collection à Paris en 1980. Issey Miyake, quant à lui, déjà dans le circuit depuis 1973 au Japon, bénéficiera de cette ouverture pour venir proposer ses savants plissages à la capitale française. Ce qu’on appellera l’« antifashion », avec cette approche plus cérébrale du vêtement, va remettre en perspective tout l’édifice de la mode. Porter du beau, oui, mais cette fois-ci avec du sens…

    D’ailleurs, le mot « Mode » n’aura plus vraiment de légitimité avec cette façon de redéfinir l’habillement, puisque malgré les obligations commerciales et les délais qui incombent pour livrer en temps et en heure les dites collections, ces vêtements proposés ne sont plus l’histoire d’une saison, voire même destinés à un homme ou à une femme. Ils sont tout bonnement des pièces avec leur propre histoire, leur propre cheminement, et porter tel ou tel vêtement devient pour celui qui l’acquiert plus qu’un code ou une appartenance sociale.

    Avec des silhouettes le plus souvent noires ou bleu marine, ces grandes chemises de popeline de coton blanches aux formes destructurées, assymétriques, savantes, ces vestes, ces robes aux volumes étonnants, ces touches de rouge parfois cinglant l’ensemble, la révolution viendra donc bien du pays du Soleil Levant…

    Jean-Paul Gaultier va ainsi arriver dans ce sillage, accompagné aussi de trois autres grands noms qui vont marquer les années 80 : Claude Montana, Thierry Mugler et Azzedine Alaïa. Quatre griffes qui en France vont faire frémir pendant dix ans au moins les attentes des fashion addicts.

    Si les trois homologues de Gaultier ont une vision de la femme quelque peu fantasmée, avec tout ce que l’on se rappelle des années 80, les vestes taille de guêpe hypra épaulées chez Montana, par exemple, arboreront des arrondis goldorakesques. Quand Mugler préfèrera les épaules en angles et les silhouettes louchant entre la pin-up 50′ et des courbes insectoïdes, Alaïa accentuera une femme hyper féminine tout droit sortie d’un compte médiéval austère et sexy à la fois.

    Une marque comme Marithé & François Girbaud, jusqu’ici confidentielle, va se servir de ce tremplin et l’engouement nouveau pour la « mode autrement », pour revenir aussi au devant de la scène avec ses métamorpho-jeans et ses premières collections capsules.

    Quant à Gaultier, il est le plus remarquable des trois, le plus ingénieux, celui qui maniera humour, désinvolture en même temps que savoir-faire et amour du travail bien fait. Jean-Paul Gaultier ne va donc pas chercher coûte que coûte, comme Montana et Mugler, à idéaliser une femme en la rendant fétichiste, futuriste et ultra sexuée. Non, lui va proposer beaucoup plus que ça…

    Il y a de l’humilité dans la démarche créative de Jean-Paul Gaultier. Il cite, il égrène ses souvenirs, ce qu’il a vu, vécu, aimé, et il les restitue, en les passant par son prisme personnel. Des créations diffractées, toutes à la fois drôles, enjouées et mélancoliques. Des silhouettes fortes, inédites et belles, qui offrent aux femmes beaucoup plus d’affirmation encore, un travail qui fut commencé en son temps par Saint Laurent, et pour les hommes, une féminisation audacieuse, ludique et une façon de porter un vêtement qui n’est plus juste qu’un uniforme sociétal.

    Le succès est assez immédiat, car c’est sûrement Gaultier qui correspond le plus à son époque. Chacun de ses paris est pertinent, même s’ils ne remplissent qu’en partie leur mission, comme la fameuse jupe pour homme qu’il sera le premier à oser faire porter par ses mannequins homme sur les podiums.

    Une boutique s’ouvre Rue Vivienne, avec des téléviseurs dans le sol sur lesquels des défilés passent en boucle. Quelque chose de magique s’opère. Pour tous ceux qui ont toujours ressenti de l’excitation à la simple évocation du vêtement et des créateurs, rentrer dans cette boutique et découvrir les pièces reconnaissables à leur petite languette en haut, c’est un véritable enchantement. Et Jean-Paul Gaultier, c’est le plus « créateur » de tous, le plus galvanisant…

    Cette manière de travailler les imprimés, les coupes inimitables, la sophistication de chaque silhouette, avec cette manière de porter des vestes hyper-contrées à col châle avec les épaules tombantes, les pantalons extra-larges qui montent au dessus du nombril, des rangers revisitées à bout cubique, broderie et dentelle qui se superposent sur des imprimés camouflage. Jean-Paul Gaultier, c’est ça, sublimer l’anodin de la rue ou le motif désuet en le poussant à son paroxysme. C’est faire du moderne avec du vieux. Rejouer les vieux films de Jean Gabin et de Micheline Presle, mais avec une fougue nouvelle, une énergie incroyable.

    Celui qui réinvente la marinière et qui détourne le corset va séduire le monde entier, à commencer par les grandes divas de l’époque en pleine gloire. Si Grace Jones a Alaïa, lui, c’est avec Madonna qu’il triomphe en 1989.

    Courant 90, Claude Montana montre déjà ses limites. Thierry Mugler aussi. Leurs styles ne font plus recette et n’arrivent déjà plus à suivre ce qui se profile en venant directement de Belgique. En l’occurence, une nouvelle génération de créateurs tout droit sortie de la prestigieuse Académie Royale d’Anvers. Anne Demeulemeester, Martin Margiela, Dries Van Noten, Walter Van Beirendonck et Dirk Bikkembergs, j’en oublie probablement, qui font partie de ce qu’on appelle les Six d’Anvers ou la Première Vague. Dans des styles très différents les uns des autres, ils vont rebattre encore une fois les cartes et émouvoir les éditorialistes et les fashion addicts. Ils seront les nouvelles coqueluches pour un certain nombre d’années. Et il y a aura une deuxième puis une troisième vague, avec Raf Simons, Véronique Branquinho, Kris Van Assche parmi les plus connus. Un engouement sans précédant pour la mode belge qui va redéfinir une nouvelle fois les contours de la Hype. Mais ceci est une autre histoire, car les arcanes de la mode sont des méandres où l’on se perd facilement, pour qui ne tient pas le fil rouge dès l’entrée du labyrinthe.

    Pour Gaultier, l’état de grâce va durer encore un peu, de par l’aura qu’il génère au delà des aficionados. Alaïa, lui qui n’a jamais rien fait comme tout le monde, en n’organisant ni défilés, ni collections deux fois par an, et surtout en travaillant à son rythme, a du coup toujours su garder son cap et est encore aujourd’hui d’ailleurs extrêmement courtisé.

    Viennent ensuite les années 2000 qui voient le monde de la mode de nouveau être chamboulé avec l’arrivée des grandes enseignes telles H&M, Zara ou Mango, qui loin de vouloir proposer de l’innovation, vendent exactement ce que le consommateur modeste attendait depuis toujours, soit des ersatz, des mirages et toujours cette satanée impression de pouvoir avoir un style à vil prix. Mais tout cela a un prix, justement, dans tous les sens du terme. L’amour du travail bien fait, l’artisanat, la confection suivie laisse leur place au mondialisme aveugle et à l’industrialisation négrière.

    Paradoxalement, en ce début de nouveau millénaire, on voit le retour des vieilles maisons telles Givenchy, Balenciaga qui emboîtent le pas à Chanel, qui s’était relancée quinze ans plus tôt avec Karl Largerfeld comme directeur artistique vedette. Cette nouvelle décennie verra donc l’avènement des directeurs artistiques, ceux qui donnent le La pour chacune des collections en devenir. Plus que la maison qu’ils représentent, les directeurs artistiques sont de vraies stars, des divas qui dans ce nouveau siècle où la communication sera reine, apportent souvent plus que le produit lui-même. John Galliano pour Dior et Hedi Slimane en sont les plus emblématiques.

    Jean Paul Gaultier, dans tout ça, nage la brasse coulée. Heureusement, ses collaborations pour la maison Hermès feront des miracles et consolideront définitivement sa crédibilité. Il va peu à peu abandonner le prêt-à-porter, qu’il préfère laisser au cynisme ambiant pour se concentrer sur la Haute Couture. Et c’est bien ici, dans l’exception, qu’il laissera finalement sa véritable empreinte…

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    [kleo_icon icon= »link » icon_size= »large »] Hubert Touzot : Photographe dévoreur d’images

     

     

     

  • Silence Plateau | Clara et les Chics Types

     

     

    Bertrand, Louise, Frédéric, Charles ou Mickey sont des amis qui se connaissent depuis l’enfance, mais qui ont emprunté différents chemins socio-professionnels et connu divers amours ou fortunes.

     

    Ce qui pourtant les rattache, les lie les uns aux autres, ce sont des idéaux, des utopies, des souvenirs et ce groupe de musique confidentiel qu’ils forment depuis des années, les Why Not. Leur dernier grand projet est d’aller donner un concert dans leur ancienne école. En chemin, Bertrand fait la rencontre inopinée de Clara, une jeune femme fantasque qui vient de fuir son futur époux le jour même de la cérémonie de mariage. C’est le coup de foudre, la rencontre de plein fouet avec les grandes espérances…

    Revoir aujourd’hui « Clara et les Chics Types » de Jacques Monnet, sorti en 1981, c’est un peu comme l’effet de la crème Nivea, du lait concentré sucré en tube, ou encore le goût d’un chausson aux pommes… Dans la lignée de « L’année prochaine… Si tout va bien » de Jean-Louis Hubert ou de « La Gifle » de Claude Pinoteau, c’est un retour en arrière sur une époque qui semble désormais fantasmée, tant tout semble y être doux, utopique, tendre et souriant. « Clara et les Chics Types », plus que les autres films, c’est un baume qui fait du bien à nos gerçures et nos crevasses.

    On y parle de souhaits, d’espoir, d’amitié, de petites trahisons, de mensonges, du temps qui passe et de ces amours qui se fanent avant même d’avoir été cueillis. On dirait qu’il y a cent ans, mille ans, ou même que cette époque n’a jamais existé, que tout est inventé, édulcoré. Entendre ces timbres de voix, ces tessitures. Revoir ces visages, ces gestes. Les ambiances, la lumière, les sons, tout cet univers d’avant, comme si entre-temps des drames terribles avaient eu lieu. Un monde qui aurait basculé. Non, ça n’est pas que de la nostalgie que de retrouver la bande du Splendid à leurs débuts ; Isabelle Adjani, si naturelle, c’est autre chose… Tous les acteurs que l’on voit dans le film sont eux aussi en devenir, avant qu’ils n’aient muté pour la plupart d’entre eux en institutions boursouflées. Tous, la trentaine à peine, jouaient pourtant déjà sur le registre de la nostalgie.

    Les dialogues de Jean Loup Dabadie, comme si souvent, sont pleins de tendresse, de justesse, de cette petite musique mélancolique qui donne aussi aux films et aux acteurs pour lesquels ils sont écrits cette intemporalité. Et puis, il y a la musique de Michel Jonasz. Tout ce qui confère au film sa tonalité, cette façon de ne pas crâner, de ne pas s’imposer, mais qui au final trace des sillons, des scarifications et redéfinit nos émotions. C’est sur la cristallisation de ces infinis petits moments de bonheur que l’on serre entre ses mains très fort, mais qui s’envolent quand même. Pour cette phrase dite à la toute fin par Thierry Lhermitte se regardant dans une glace déformante… Ce que l’on devient ou pas. Ce que l’on est ou ce que l’on voudrait être.

    C’est drôle mais c’est triste. C’est simple mais c’est grand.

     

    Instant-City-Clara-et-les-Chics-Types-Affiche

     

     

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    [kleo_icon icon= »link » icon_size= »large »] Hubert Touzot : Photographe dévoreur d’images

     

     

     

  • Os & Vanité

     

     

    Notre fin de civilisation n’en est pas à un paradoxe près…

     

    Une société où plus personne n’est censé mourir de faim, où l’abondance et la diversité des aliments se trouvent même jusque dans les containers à ordure des grandes surfaces qui préfèrent jeter que de redistribuer (mais ça c’est un autre débat).

    Pourtant, il existe une religion, avec ses croyances et ses pratiques radicales, qui n’est pas le salafisme ou une de ces doctrines orthodoxes monothéistes connues. Il s’agit de ce royaume étrange de la mode et de ses sortilèges.

    Un monde parallèle fait de luxe, d’exception et de beauté, qui de petits ateliers et de salons cramoisis pour belles bourgeoises d’avant-guerre, se mua décennie après décennie en un concept commercial qui finalement réussit à se fondre dans notre vie de tous les jours.

    Des Saint Laurent, des Courrèges, des Cardin, ont voulu démocratiser les belles étoffes et les finitions savantes pour vendre plus mais surtout faire de la couture un produit de pop culture, accessible… Cette révolution, d’abord noble et candide, engendra des monstres que sont aujourd’hui les H&M et autres Zara. Les petites structures artisanales d’antan qui faisaient travailler des couturières émérites ne sont plus.

    Les grands groupes textiles ont piétiné les valeurs de la confection et du savoir-faire pour embrasser la mondialisation en se nourrissant tel l’ogre de petits enfants, chair à canon, pour gagner sans panache cette guerre globale de l’anéantissement des valeurs morales et humanistes.

    Cyniques ou aveugles, nous acceptons sans broncher, heureux d’acquérir ces vêtements ersatz à moindre frais, en prenant soin de ne pas penser aux petits bras s’attelant à la tâche à l’autre bout du monde en échange d’un salaire de misère… Et c’est sans compter ces artificiers que sont les publicitaires et les départements marketing pour rediriger la foule anonyme vers de nouveaux besoins. Mais là encore, c’est toujours un autre débat.

    Il aura fallu certes du temps mais nous y sommes, en plein dedans. Ce fameux futur Orwelien où tout est devenu slogans, tels des litanies martelées à longueur de journée et reprises en cœur par toutes celles et ceux qui ont le pouvoir de les relayer. Au cinéma, à la télévision, dans la presse et les magazines.

    Ce monde hermétique rempli de falbalas, devenu finalement le dieu suprême à vénérer, avec ses rituels, ses obédiences et ses fidèles. Ce monde devenu triste mais où on nous oblige à être beaux, souriants, légers, en commençant par tous ceux qui deviennent célèbres et riches et qui doivent impérativement être sûrs d’eux, drôles, attrayants et minces, oui minces, toujours plus minces, en rêvant à l’épaisseur d’une feuille de papier comme but ultime à atteindre.

    Cette idée de la minceur comme une victoire sur la vie ou une revanche sur toutes nos frustrations existentielles mutées en obsessions quasi journalières, où l’on préfère désormais porter un pantalon en taille 32 que de se nourrir convenablement. Arborer une silhouette osseuse, famélique, flottant dans une veste XS avec une pomme et un bouillon comme seul repas de la journée.

    Cette fixation sur la maigreur, après avoir supplanté celle de la minceur, est vécue donc comme une normalité, soit une règle absolue, aussi bien pour les femmes que pour les hommes, et maintenant même pour les enfants. Pour vous en convaincre, les mannequins hommes vus dans les derniers défilés Vuitton, Balenciaga ou Rick Owens, arboraient des visages crayeux, les yeux fiévreux, les pommettes du visage comme des lames.

    On se souvient aussi de la silhouette osseuse et blanche de David Bowie dans le film « L’Homme Qui Venait D’ailleurs », période albums « Station To Station », « Low » et « Heroes », quand une abondance de cocaïne le faisait ressembler à un grand cadavre exsangue.

    Regardez-les, tous ces cintres mouvants sur les podiums comme dans la rue, qu’un simple courant d’air peut balayer de la surface de la terre. Voici donc cette image démultipliée qui représente si bien cet univers qui prend tous les jours un peu plus des couleurs de fin du monde, absurde, violent, grotesque et dément.

    … Et ces êtres décharnés si bien habillés, superposant la hype et les tendances, qui se frôlent dans la rue avec d’autres êtres devenus quant à eux obèses et monstrueux, à force d’ingérer toutes les heures de la journées du gras et du sucre. Spectacle de « Freaks » que n’aurait pas renié Tod Browning.

    Cette anorexie collective triomphante s’invite jusque dans les restaurants des grands chefs où il est formidable de dépenser une fortune pour se faire servir des assiettes immenses et vides, où l’aliment lui-même est remplacé par des formulations pompeuses déclamées par des maîtres d’hôtel taillés comme des épingles et qui vous regardent sournoisement si vous avez le malheur de demander si le plat choisi est copieux.

    Quand on sait que le premier à avoir exigé cette maigreur chez les modèles hommes ou femmes s’appelle Hedi Slimane, lui-même physiquement étranger au concept de nourriture. Relançant la mode du « Slim », cette silhouette post Punk-Rock de la fin 70 et du début 80, lorsque beaucoup des figures populaires ou underground de cette époque naviguaient toutes entre Héroïne et Cocaïne, avec à la clé une fin prématurée.

    Cette vision romantique mais morbide d’une époque ou d’un courant musical qui est devenue avec tous ces directeurs artistiques, à commencer par celui de la marque Saint Laurent, une norme standard. Karl Lagerfeld a succombé également à ce chant des sirènes pour se transformer en une poupée effrayante tout droit sortie d’un épisode des « Sentinelles De L’Air ».

    Pas un vêtement acheté dans la grande distribution qui désormais ne sera pas « Slimy », ou soit veste étroite, chemise resserrée à la taille et pantalon tube. Les ventres et les bourrelets sont donc cruellement recalés. Régime et sport sont devenus obligatoires pour chacun d’entre nous, si nous ne tenons pas à encaisser chaque jour de petites phrases assassines, ou même de simples regards accusateurs sur nos parties de corps incriminées.

    On se croirait vivre sur une terre, à l’instar du film « Body Snatchers », où nos différences risquent de se retourner contre nous à tout moment et où il serait tellement plus simple de devenir comme tous les autres, dans une uniformisation confortable et sereine, ces autres qui s’échangent un petit sourire et un mouvement de tête entendu lorsqu’ils se croisent.

    La tyrannie du beau, du mince, du maigre, du lustré, du sans poil, instaurée par tous ces gens qui gravitent dans un univers où on ne vit décidément pas comme le tout un chacun.

    Des moutons de Panurge, des veaux, c’est ce qui définit le reste d’une société anxieuse de pouvoir devenir aussi comme l’un de ces mannequins de 16 ans vu dans une revue, ou même encore pouvoir ressembler à un acteur de cinéma qui pour les besoins d’un film doit perdre 15 kilos en deux semaines et voir son corps devenir hyper musclé à grand coup de stéroïdes, d’injections et d’endoctrinement coachisé 24 heures sur 24.

    Ceci n’est pas la réalité. Ceci n’est pas réel. Pourtant, comme un pied qui ferait du 44 et qui à l’aide d’un chausse-pied voudrait absolument rentrer dans une ballerine en 38, nous sommes obnubilés par ces silhouettes filiformes qui nous entourent, dans un cauchemar qui a déjà commencé.

    Autrefois, les femmes plus girondes portaient des corsets, puis plus tard des gaines pour affiner la taille. Aujourd’hui, pour paraître aussi plates que des limandes, les plus riches se font enlever des côtes, liposucer… On transforme son corps, on le modifie, on le travestit, on le profane à la gloire de cette déité païenne. Des romanciers comme J.G. Ballard avaient vu juste sur le devenir de l’être humain.

    Quant à nos rêves de voyage dans les étoiles, il est peu probable que cela nous soit permis un jour, tant toutes nos pensées sont réduites, recroquevillées sur l’inconséquente et insignifiante petite enveloppe qui nous sert de corps. Cette science fiction qui nous faisait tellement rêver enfant est réduite à bien peu de chose…

    Sous tous ces prétextes fallacieux du « bien vivre », du « saint, équilibré, léger », à grand renfort d’écrans, de caméras et d’objectifs nous scrutant en boucle, de montres au poignet qui contrôlent, surveillent tous nos faits et gestes, le nombre de marches montées et les calories perdues, nous perdons à vitesse grand V tout ce qui restait d’humanité en nous. De trop nous regarder dans ces miroirs magiques pour nous rassurer sans arrêt quant à la perfection de notre dentition blanche et parfaite, nos muscles si bien dessinés, notre coupe de cheveux si réussie, nous devenons aussi lisses que ces surfaces réfléchissantes, aussi transparents qu’une vitre, aussi vides qu’un courant d’air. Oui, nous disparaissons ainsi de la surface de la terre. Nous nous effaçons.

    Et il ne reste que des os et de la vanité…

     

     

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  • The Hateful Height

     

     

    Quentin Tarantino… En une poignée de films, ce réalisateur cinéphage est devenu une marque de fabrique, une griffe. On ne va pas voir « Kill Bill », « Django Unchained », « Jacky Brown » ou « Pulp Fiction », non, on va voir le dernier Tarantino. 

     

    Quentin Tarantino est désormais dans le carré très fermé de ces réalisateurs qui arrivent à s’adresser aussi bien à un très large public qu’à une audience plus cinéphile, pointue, à qui on ne la fait pas. Il est de bon ton d’apprécier ses films, presque un devoir, un acte politique. C’est la force et le talent, ou peut-être la roublardise, de ce réalisateur que de caresser dans le sens du poil un lecteur de Télérama comme des Inrocks, flatté lorsqu’il reconnaît au détour d’une scène tel ou tel emprunt musical, ou encore une référence à un vieux classique italien, français ou japonais, tout en séduisant dans le même temps un spectateur lambda moins scrupuleux quant à la diégèse du film qu’il est en train de regarder, mais qui apprécie à sa juste valeur l’efficacité, le style « cool » et les morceaux d’anthologie.

    Quentin Tarantino aura été dans toutes les directions et poussé au maximum les possibilités narratives, avec toujours comme principe le cinéma, l’image au service de l’histoire. Etant une encyclopédie du cinéma sur jambes, Tarantino est le seul à manier comme il le fait un cinéma à la base populaire, voire même souvent bis, pour transformer, magnifier une idée et la pousser jusqu’à la rupture. Ses plus grandes influences ont été à l’origine le cinéma italien et plus précisément le western. De Sergio Leone à Sergio Corbucci, cette façon d’iconiser les personnages et les situations, avec ce sens du découpage proche de la bande dessinée, est un des fondements de la « Patte Tarantino ». Avec sa deuxième grande passion pour le cinéma français, là où se télescopent Godard, Melville et Audiard, Tarantino en garde donc l’amour des dialogues et de ce fameux existentialisme qu’on retrouve dans ce cinéma hexagonal. Le mélange est improbable, imparable.

    Aujourd’hui, avec cette tentative de mélanger Corbucci et Bergman, Carpenter, Raimi, cette passion du vertige sans filet où anecdotes et bons mots servent à contrebalancer le rythme, Tarantino nous propose « Les Huit Salopards ». Son 9ème film serait une sorte de pied de nez, une contradiction, un paradoxe. A priori plus un film pour critiques de cinéma que pour spectateurs normaux, « The Hateful Eight » repose évidemment sur ces principes normatifs « tarantinesques » que l’on connaît par cœur et ces dispositifs alternant langueur et déchaînement orgasmique. Mais il n’en reste pas moins que ces presque trois heures de métrage n’aboutissent qu’à un pur sentiment d’ennui mortifère.

    Le thème original composé cette fois-ci exprès par Ennio Morricone ou les références explicites à The Thing, le chef d’œuvre de John Carpenter, le décor aussi bien extérieur qu’en studio, la pellicule 70 mn, la photographie et le talent combiné d’acteurs chevronnés, ne peuvent malheureusement rien face à la mélasse tiède qui s’insinue petit à petit tout au long de ce long et pénible déroulé filmique. Et même si Quentin Tarantino justifie son œuvre nihiliste comme miroir d’une Amérique actuelle à la Donald Trump, il n’en demeure pas moins que le brouet reste indigeste de bout en bout, en montrant les limites de ce réalisateur talentueux mais rattrapé ici par un égo troqué contre une mongolfière.

     

     

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