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Catégorie : Culture

  • Touche Française : Quand Arte décrypte la French Touch (Episodes 1 + 2)

     

     

    Touche Française : les principaux acteurs de la French Touch reviennent sur les secrets de cette musique, leurs influences et décryptent le phénomène.

     

    Arte vous propose une plongée visuelle et sonore au cœur d’un mouvement qui a su replacer la France sur la carte du divertissement international. Du pionnier Laurent Garnier aux influences métissées de Motorbass, des révolutionnaires Daft Punk aux électrons libres et pop Sebastien Tellier ou Air, en passant par l’electroclash de Vitalic, Touche Française revisite la French Touch, qui a fait danser et rêver la planète, à travers une playlist de douze morceaux emblématiques de la musique électronique française de 1995 à aujourd’hui.

    Une websérie documentaire de 12 x 6’ écrite par Jean-Francois Tatin, réalisée par Guillaume Fédou et Jean-Francois Tatin, et coproduite par Arte France et Silex Films.

     

    Episode 1/12 : « Black Chimie », les « Flying Fingers » de Motorbass

     

    Les ex-Motorbass Philippe Zdar et Etienne de Crécy reviennent sur la création de l’album « Pansoul » (1996), entre les synthés de leur coloc à Montmartre et les rencontres en studio, quand un certain Jimmy Jay, producteur de MC Solaar, a posé ses « Flying Fingers ». Considéré par beaucoup comme l’album fondateur de la French Touch, « Pansoul » est révélateur du son métissé de l’époque, un « Son » house influencé par le Hip-Hop et le Funk. C’est aussi le temps des raves mémorables qui ont contribué au succès de la Techno, où l’on danse encore ensemble et pas encore devant le DJ…

     

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    Episode 2/12 : « Techno Combat », le « Flashback » de Laurent Garnier

     

    Le pionnier de la « House » Laurent Garnier raconte comment « Flashback » a réussi à faire entrer la culture Techno sur la bande FM – jusqu’aux Victoires de la Musique ! – tout en respectant les quotas de chanson française imposés par le gouvernement, à une époque où la musique électronique a pour ennemie sa propre image, celle d’une musique de voleurs et de drogués. Un succès qui croit avec le développement des soirées comme les « Wake Up » qu’il organise alors au Rex Club à Paris.

     

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    « Touche Française » est à découvrir dans son intégralité sur Arte, et c’est ici !

     

     

     

  • Kristy Chatelain : Brooklyn Changing

     

     

    La photographe américaine Kristy Chatelain, originaire de Brooklyn, témoigne avec sa série de clichés intitulée « Brooklyn Changing » de la métamorphose de son quartier, où les façades de ses maisons et commerces passent peu à peu dans la grande lessiveuse gentrifugeuse du hipster new-yorkais.

     

    Il suffit de se rendre à pied de Manhattan à Brooklyn, et de traverser le borough du Nord vers le Sud, depuis le Williamsburg Bridge jusqu’au Brooklyn Bridge, en passant par Bedford Avenue, pour constater que ce quartier où se concentrait il y a encore une dizaine d’années la plupart des vendeurs de vinyles de New York, n’en compte aujourd’hui plus un seul… Ce qui ne signifie pas pour autant que le quartier a complètement perdu de son intérêt, mais il faut dire que l’amateur de musique qui pouvait passer des jours entiers à chercher son bonheur dans les magasins de disques du coin ne risquera dorénavant plus l’excédent de bagages à son retour… Et ce qui vaut pour les vinyles vaut pour le reste.

    Originaire de la Nouvelle Orléans, Kristy Chatelain est d’abord passée par Berlin pendant deux années pour affiner sa sensibilité aux architectures urbaines, avant de revenir trainer ses guêtres dans les rues de la Grande Pomme, et y décrocher un master en arts visuels.

    Durant ces huit dernières années, elle va donc fixer sur sa pellicule numérique ce borough de Brooklyn, de Greenpoint au Dumbo (Down Under the Manhattan Bridge Overpass) en passant par Williamsburg, et témoigner du lifting qu’ont opéré les hipsters sur les rues new-yorkaises, où les graffitis laissent place aux façades bien propres sur elles…

    Tiens, d’ailleurs, où est donc passé ce magnifique Space Invader que vous aurez sûrement remarqué sur la photo choisie comme image à la une de cet article ?

     

     

     

     

    [kleo_divider type= »full » double= »no » position= »center » text= »Pour aller plus loin » class= » » id= » »]

    [kleo_icon icon= »link » icon_size= »large »] Kristy Chatelain Official

    [kleo_icon icon= »link » icon_size= »large »] Kristy Chatelain Instagram

     

     

     

  • Gourmand Croquant

     

     

    Dans la série « Hubert a des putains de problèmes dans la vie… »

     

    Aujourd’hui, penchons-nous sur ces deux nouvelles expressions qui désormais encombrent sans cesse le champ lexical restreint de bon nombre de nos contemporains. S’ils s’expriment dans la langue de Molière, bien-sûr… Deux expressions qui d’ailleurs, au passage, ne peuvent pas trouver leur équivalent dans une autre langue, puisqu’elles ne sont absolument pas françaises. Tel est le contexte dans lequel elles sont généralement formulées. Ajoutons à cela le fait qu’elles ne veulent rien dire du tout, et ne font finalement que souligner une certaine vacuité, un manque total de personnalité de la part de celles et ceux qui s’expriment de la sorte.

    Ces deux sottes expressions sont donc :

    A – être sur quelque chose…

    et

    B – partir sur…

     

    Exemple…

    Dans un contexte défini, ça peut donner : « Alors là, on est sur une vraie bonne nouvelle… »

    et

    « Alors là, on peut partir sur un gris chiné… »

     

    Ces deux niaises formulations sont ainsi refourguées à toutes les sauces, sur tout et n’importe quoi. Ceux qui les emploient souhaitent sûrement donner une intention précise, presque technique, souligner un fait, une évidence qu’on ne pourra plus jamais remettre en cause après.

    On avait commencé à entendre ces deux crétines articulations syntaxiques tout d’abord dans des émissions culinaires. Vous savez, ces émissions où l’on voit des gens habillés en cuisinier hyper anxieux, en train de découper une tomate avec leur visage à un centimètre du légume de la famille des solanacées, avec cette précision que seuls possèdent les chirurgiens de l’œil.

    Et là, en commentaire annexe à la démonstration, le chirurgien oculaire, qui se trouve être en l’espèce découpeur de tomates en rondelles, balance avec un sérieux pédagogique et une prestance d’universitaire : « On va partir sur une déclinaison de tomate mozzarella avec du gourmand, du croquant… ». Et pour finir, en conclusion de sa démonstration dingue : « Et là, on est vraiment sur une note fraiche et estivale… Et ça, ça fait du bieng… »

    Vous noterez qu’au passage, quelques autres mots assez insupportables en ont profité pour se glisser dans ces saillies photocopiées et crispantes.

    ✓ Gourmand

    ✓ Croquant

    Cette expression immonde, « Et ça, ça fait du bien », ayant supplanté une autre plus usitée au début des années 2000, prononcée partout dans les émissions de télé, sur les radios, et tout aussi ignoble : « C’est que du bonheur ! ». Si vous entendez encore aujourd’hui, en 2017, quelqu’un dire dans votre entourage, au travail, dans le métro, dans les WC, « C’est que du bonheur ! », alors vous avez le droit de le gifler.

    Pour revenir précisément à :

    A – Partir sur…

    et

    B – On est sur…

    Des serveurs zélés mais définitivement cons se sentent aujourd’hui obligés, pensant que c’est le comble du chic, de la classe ou du swag, de prononcer à tour de bras le A et le B en toute désinvolture à la façon de Lord Brett Sinclair. Ils peuvent tout à fait vous les balancer si vous leur demandez un conseil sur le vin : « Alors là, on est sur une note de fruit rouge avec un peu d’épice »…

    C’est à dire qu’on y est vraiment, là. On est dans le fruit avec le serveur. On est là avec lui et qu’est ce que c’est beau, putain ! C’est beau un fruit dedans, en fait.

    Peut-être un conseil sur la blanquette ? « Si je puis me permettre, vous pourriez plutôt partir sur le plat du jour »… Oui, on part avec le serveur vers le plat du jour, la main dans la main. On part, c’est chouette, c’est chaud. Le plat du jour comme un couché de soleil.

    Mais ne blâmons pas trop nos amis de la restauration, car dans le milieu de la viennoiserie, de la parfumerie, de la banque même, on n’est pas non plus en reste : « Bon ben là, on est sur un vrai beau découvert et on va partir sur une belle interdiction bancaire ». Vous noterez d’ailleurs que le banquier a quant à lui fait une doublette, soit les deux expressions dans une même phrase et ça, ça n’a pas de prix.

    Merci qui ?

     

     

    [kleo_divider type= »full » double= »no » position= »center » text= »Pour aller plus loin » class= » » id= » »]

    [kleo_icon icon= »link » icon_size= »large »] Dévoreur Hubertouzot

    [kleo_icon icon= »link » icon_size= »large »] Hubert Touzot : Photographe dévoreur d’images

     

     

     

  • Marseille : Du cinéma sous les étoiles (du 4 juillet au 15 septembre 2018)

     

     

    Cela fait maintenant vingt-trois étés que le Ciné Plein Air propose une vingtaine de projections durant la saison, sur des sites remarquables ou plus secrets de Marseille : Le couvent Levat, la Cité des Arts de la Rue, le toit du Mucem, la place Henri Verneuil à la Joliette, le jardin Guy Azaïs à la Capelette, le théâtre Silvain, les îles du Frioul et bien d’autres.

     

    Entièrement gratuite, la manifestation offre chaque année à plus de 10.000 spectateurs le bonheur de pouvoir découvrir ou redécouvrir des films en grand format. Une programmation grand public mais toujours exigeante, composée de films récents ou de patrimoine, de films d’auteur comme d’art et essai.

    Des films pour les petits et pour les grands, diffusés à la tombée de la nuit. On y vient en famille, entre amis ou entre voisins, avec coussins et couvertures. On partage un verre, un pique-nique, une partie de carte. On analyse le film, on débat, on rigole.

    On y croisera ainsi Spike Lee dans « Do The Right Thing », « La Femme du Boulanger » de Marcel Pagnol et « Cyrano de Bergerac » de Jean-Paul Rappeneau en versions restaurées, Charlot dans « Le Cirque », des hippies dans « Hair » de Milos Forman… et tant d’autres pépites du 7ème art.

    De plus, Cinétilt s’emploie chaque année à enrichir sa programmation avec une sélection de courts-métrages. Au final, un choix rigoureux qui agrémente la « sélection officielle » d’un avant-programme souvent riche en surprises.

    Rendez-vous du 4 juillet au 15 septembre pour une balade culturelle à travers la ville, et sous les étoiles.

     

     

     

  • Canicule, cette petite chienne qui nous éprouve…

     

     

    Une vague de chaleur s’abat actuellement sur l’Europe. À Paris, la température atteint régulièrement les 36 degrés. La canicule est donc au rendez-vous. Mais d’où vient son nom ? 

     

    Les beaux jours sont synonymes de soleil, glaces sucrées et vilains coups de soleil. En revanche, ce que nous vivons actuellement en Europe, désigné communément par le terme de « Canicule », représente un phénomène exceptionnel, mais qui devrait l’être de moins en moins, si on s’en tient à ce que nous prédisent les spécialistes du climat.

    Cruelle, la « Canicule » n’épargne personne et nous la redoutons tous. Certains gestes sont essentiels pour la supporter. S’hydrater régulièrement, porter des vêtements amples et légers, se reposer… Mais peut-être est-ce aussi l’occasion de s’interroger sur l’origine du nom qui désigne ce phénomène.

    Peut-être l’avez-vous remarqué, le terme « Canicule » a comme base le mot latin « Canis », signifiant « chien ». Et comme l’indique le Trésor de la Langue française, « Canicula » n’est autre que le diminutif féminin de « Canis », soit « petite chienne ». Alors quel rapport établir entre cette éprouvante période de chaleur qui s’abat actuellement sur l’Europe et l’animal réputé meilleur ami de l’Homme ?

    « Canicula » désignait chez les Anciens la plus brillante des étoiles fixes, étoile principale de la constellation du Grand Chien et située à plus de huit années-lumière de la Terre. Mais elle est également la cinquième étoile par ordre de distance au Soleil. Et cela a toute son importance… Toujours selon le Trésor de la Langue française, dès l’Antiquité, les Anciens ont observé que l’étoile centrale de notre système solaire se levait et se couchait avec la constellation du Grand Chien, entre le 22 juillet et le 23 août. Période de l’année pendant laquelle surviennent généralement les fortes chaleurs…

    L’étoile Canicula est aujourd’hui connue sous le nom de « Sirius » (Alpha Canis Majoris) qui vient du Grec « Seirius » , signifiant « brûlant », « ardent ». Comme souvent, les noms des constellations, des planètes ou des corps célestes de notre univers sont en lien avec le divin. Ainsi, Sirius est le nom du chien d’Orion, un célèbre et beau chasseur de la mythologie grecque. La mythologie égyptienne, quant à elle, associerait l’étoile Sirius à Anubis, le dieu des Morts, au corps d’homme et à la tête de chacal.

     

    Source : Claire Conruyt pour Le Figaro

     

     

     

  • Tomorrowland 2018

     

     

    Tomorrowland est le plus grand festival de musique électronique au monde. Chaque année, sa programmation déborde littéralement de DJs parmi les plus populaires et les plus respectés de la planète. Mises en scène démesurées et hallucinantes, feux d’artifices spectaculaires… Tomorrowland est un véritable pays des merveilles électro, unique en son genre.

     

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    Depuis des débuts assez confidentiels en 2005, le festival belge s’est hissé au fil des années au sommet du panthéon de la Dance Music, par son esthétique toujours renouvelée et des line up absolument monstrueux. Depuis 2010, c’est bien simple, tous les meilleurs DJs au monde se donnent rendez-vous chaque année à Tomorrowland. Plus de 15 scènes réparties sur le site qui accueille le festival explorent ainsi toutes les variations du spectre électro : EDM, House, Techno…

    Et chaque année, Tomorrowland régale ses festivaliers en leur proposant des shows de plus en plus démesurés, pour tous les goûts et toutes les envies.

    L’évolution de la Main Stage de Tomorrowland depuis sa création en 2005 reflète ainsi l’ascension fulgurante du plus grand festival Dance de la planète.

    Petit festival tranquille il y a dix ans, Tomorrowland est aujourd’hui un événement Dance de très grande échelle…

     

     

    2005

    En 2005, Tomorrowland ouvre ses portes pour la toute première fois, avec certes une Main Stage de qualité, mais rien de bien exceptionnel.

    Malgré un line up déjà composé de grands noms, avec entre autres Armin van Buuren, Ferry Corsten et Sven Väth, le festival belge ne se distingue pas encore des ses illustres rivaux, comme Coachella ou le Burning Man.

     

     

     

     

    2006

    La deuxième édition s’appuie sur le même concept qu’en 2005, avec cette année-là un oeil grand ouvert sur une foule de fans. Si à première vue le festival affiche plutôt un  look heavy metal, on peut aussi, avec le recul, y voir les prémices de l’esthétique caractéristique de Tomorrowland.

     

     

     

     

     

    2007

    La Main Stage arbore un look simple et dépouillé pour la dernière fois en 2007, s’offrant toutefois quatre écrans et un mur de lumières, éléments qui constitueront un premier pas vers des shows visuels de plus en plus époustouflants.

     

     

     

     

    2008

    Certains verront dans cet impressionnante tête d’animal surplombant la scène un bison, d’autres une tortue…

    Mais c’est bien l’édition 2008 de Tomorrowland qui marque le début d’une ascension fulgurante, avec une Main Stage affichant une esthétique qui deviendra la marque de fabrique du festival.

     

     

     

     

    2009

    On ne va pas se mentir : la Main Stage de 2009 est un peu glauque.

    La taille de la scène impressionne, la touche arty est là, quitte à faire froid dans le dos !

    Et pour refléter le thème de l’année, « Masker » (masque, donc), quoi de mieux qu’une scène démoniaque avec une tête géante à l’énorme bouche, au lipstick bien rouge et à la moustache-pieuvre ? Ambiance chair de poule assurée !

     

     

     

    Petit zoom… Et oui, les DJs sont aux platines, dans la bouche de ce monstrueux personnage…

     

     

     

     

    2010

    Contrastant avec l’édition 2009, Tomorrowland 2010 apporte plutôt paix et amour. Le visage serein et apaisant du « Zon » (soleil) brille sous un arc-en-ciel étincelant, alors que des tours de nénuphars (et pourquoi pas ?) donnent pour la première fois une certaine profondeur à la Main Stage.

     

     

     

     

     

    2011

    Le face du festival change encore une fois en 2011, avec « The Tree of Life », un arbre bienveillant aux racines ancrées dans une forêt enchantée de sucettes et autres champignons délirants.

     

     

     

     

     

    2012

    Le thème « Book of Wisdom » clôt définitement l’ère des toiles de fond simplistes. Comme en 3D, des décors poussent de toute part, et repoussent les limites de la mise en scène du festival.

    De nombreux événements commencent dès lors à s’inspirer de l’univers Tomorrowland, qui nous conte en 2012 les histoires des DJs du monde entier. Une autre page se tourne dans la destinée du festival…

     

     

     

     

    Le succès énorme du « Book of Wisdom » assure la renommée internationale du festival, et contribue à la naissance de TomorrowWorld USA en 2013 et Tomorrowland Brasil en 2015.

     

     

     

     

     

    2013

    « The Arising of Life » accueille les artistes au pied d’un volcan en éruption, dans un décor quasi apocalyptique…

     

     

     

     

    Une mise en scène reproduite pour l’édition USA un an plus tard, avec TomorrowWorld 2014…

     

     

     

    2014

    « The Key to Happiness » reflète vraiment l’âme de Tomorrowland et replace l’humain au centre de la Main Stage, avec ce visage à l’allure de masque inca.

     

     

     

    Tout comme en 2013, le décor de l’édition 2014 sera réutilisé à Chattahoochie Hills pour TomorrowWorld 2015 et Tomorrowland Brasil en 2016, la deuxième (et dernière)  édition du festival en Amérique du Sud.

     

     

     

     

    2015

    Cette année-là émerge de nulle part une impressionnante cathédrale gothique, devenu le temps d’un week-end le temple païen de la Dance Music, avec le grand « Secret Kingdom of Melodia ». Grandiose, la structure est la plus imposante de l’histoire du festival.

     

     

     

     

     

    2016

    Après une célébration de l’architecture gothique en 2015, « The Elixir of Life » reconnecte Tomorrowland à la nature avec la canopée d’un monde mystérieux, surplombant les artistes et les fans de ses arbres tropicaux…

     

     

     

     

     

     

    2017

    Et pour finir (jusqu’à 2018…), le thème de l’année 2017 est le cirque. Pour la seconde fois depuis sa naissance en 2005, le festival se déroulera donc sur deux weekends, avec l’impressionnante « Amicorum Spectaculum », son ambiance carnavalesque et… ses équilibristes. Rien de trop surprenant pour l’événement incontournable qu’est devenu Tomorrowland en 13 éditions !

     

     

     

     

     

    A présent, rendez-vous à Boom, en Belgique, les week-ends des 20, 21, 22 et 27, 28, 29 juillet 2018, pour le Tomorrowland 2018 !

    Live Today, Love Tomorrow, Unite Forever…

    www.tomorrowland.com

     

    Source : Joel Robertson for Festicket Magazine

     

    What if I told you

    That the most ordinary things in life

    can hold mysteries you would never believe.

    Stories waiting to be discovered.

    Take a closer look and be guided on a quest

    that will show you a new perspective on life.

    Somewhere in these endless surroundings

    embraced by the most valuable gifts

    of Mother Nature

    lies a place rarely visited by mankind.

    Follow your coordinates in search of

    fundamental beauty.

    The Story of Planaxis…

     

     

    Discover now the Official Tomorrowland 2018 Aftermovie. Each and every one of you has the rhythm of the ocean beating inside of you. We have connected to that rhythm together… You have answered the call of Planaxis.

     

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  • Chapeau Melon et Bottes de Cuir de retour tout l’été sur Arte

     

     

    En 1976, Patrick Macnee reprenait du service pour de nouvelles aventures de « Chapeau Melon et Bottes de Cuir », épaulé cette fois-ci par la « so sexy » Joanna Lumley et Gareth Hunt, la caution « action » de la fine équipe. Profitons donc de la rediffusion de la seconde série « The New Avengers » sur Arte cet été, tous les jours du 09 au 25 juillet, pour nous replonger dans les arcanes de l’une des séries télévisées parmi les plus mythiques.

     

    « Chapeau Melon et Bottes de Cuir » est le titre français de deux séries télévisées britanniques, « The Avengers » et « The New Avengers », mélangeant espionnage, science-fiction et action, et mettant en scène John Steed, le personnage principal (la seconde série pouvant être considérée comme la suite de la première).

    La seconde série, intitulée en anglais « The New Avengers » (Les Nouveaux Justiciers), fut créée par Brian Clemens et Albert Fennell et se compose de 26 épisodes de 52 minutes. Elle a été diffusée en Angleterre entre le 22 octobre 1976 et le 18 novembre 1977 sur ITV.

    Relancée par le producteur français Rudolf Roffi et coproduite par TF1, la série « Chapeau Melon et Bottes de Cuir » renaît donc en 1976 avec, à la demande du public français, toujours l’inoxydable Patrick Macnee. Secondé par Joanna Lumley (Purdey, qui succède à la mythique Emma Peel et à Tara King), Steed peut désormais aussi compter sur un jeune et fougueux homme de main pour assurer les scènes d’action.

    A ne pas rater sur Arte, du 09 au 25 juillet. Et pour les séances de rattrapage, c’est ici !

     

    Musique : Laurie Johnson

    Production : Associated British Pictures Corp.

    Scénario : Brian Clemens

    Acteur : Patrick Macnee, Gareth Hunt, Joanna Lumley

    Pays : Royaume-Uni

    Année : 1976

     

    Quant à la première série, ayant pour titre original « The Avengers » (Les Vengeurs), elle se compose de 161 épisodes de 52 minutes, dont 104 en noir et blanc, et fut créée par Sydney Newman et Leonard White. Elle a été diffusée du 7 janvier 1961 au 21 mai 1969 sur le réseau ITV.

    Dans la première saison, Steed n’est qu’un personnage secondaire, le héros est le médecin David Keel, joué par Ian Hendry. La fiancée de Keel est tuée par des trafiquants de drogue et Steed, sorte de policier non officiel, l’aide à venger la mort de sa fiancée en faisant arrêter le coupable, d’où le titre anglais de la série, qui signifie « Les Vengeurs ».

    Steed entraîne ensuite le docteur dans d’autres missions où ils vont lutter ensemble contre le crime. On notera la présence récurrente de Carol Wilson (jouée par Ingrid Hafner), secrétaire et partenaire du médecin pour certaines de ses enquêtes. Leur relation assez ambiguë préfigure les futurs duos mythiques de la série. Un des chefs de Steed, One-Ten (1-10, joué par Douglas Muir) qui lui fournit régulièrement des missions jouera également dans la saison 2.

    A noter que seuls deux des épisodes de la première saison ont été conservés en entier (ainsi que les vingt premières minutes du pilote). En effet, la première saison était diffusée en direct à la télévision anglaise sous la forme d’un show TV entièrement tourné en plateau. C’est la raison pour laquelle cette Saison 1 n’est pas considérée comme une « vraie saison » sur le plan commercial : la commercialisation de la série en DVD l’ignore ainsi totalement. La deuxième saison est donc dénommée commercialement « Saison 1 », la troisième saison « Saison 2 » et ainsi de suite.

    Dans la deuxième saison, Ian Hendry parti, le docteur Martin King (Jon Rollason) assiste Steed durant trois épisodes, et Steed devient ensuite le héros de la série. Steed a pour partenaire féminine l’anthropologue Cathy Gale (jouée par Honor Blackman) dans 17 épisodes de la saison, et la chanteuse de cabaret Venus Smith (Julie Stevens), dans six épisodes. Cette saison est un succès grâce notamment à l’arrivée de Cathy Gale, première femme forte de l’histoire de la télévision et dont la relation avec Steed reste avant tout professionnelle même si elle produit étincelles et tension sexuelle par leurs disputes incessantes.

    Dans la troisième saison, Cathy Gale reste finalement la seule partenaire de Steed. Il est élégant, fait preuve d’un flegme inaltérable et d’un humour très britannique. Elle est belle et efficace, souvent habillée de cuir (d’où le titre français de la série). Les scénarios progressent en qualité, probablement grâce à l’arrivée de Brian Clemens. Le nom de ce scénariste-producteur reste attaché à cette série à laquelle il a donné ses lettres de noblesse. La fantaisie, marque de fabrique des saisons suivantes, fait ici son apparition.

    Ces trois premières saisons sont peu connues en France, car elles n’ont jamais été doublées.

    Pour la suite de la première série, vous pourrez toujours vous référer à la très exhaustive page Wikipedia consacrée à « Chapeau Melon et Bottes de Cuir ».

     

    Chapeau Melon et Bottes de Cuir (The Avengers) – Trailer Saison 1 & 2 (1961)

     

    Chapeau Melon et Bottes de Cuir (The Avengers) – Générique 1965-66

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    Chapeau Melon et Bottes de Cuir (The Avengers) – Générique 1967

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    Chapeau Melon et Bottes de Cuir (The Avengers) – Trailer Saison 5 (1967)

     

    La dernière apparition de la mythique Emma Peel dans la série (Saison 6, Episode 1)

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    Chapeau Melon et Bottes de Cuir (The Avengers) – Générique 1968

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    Chapeau Melon et Bottes de Cuir (The New Avengers) – Générique Série 2 (1976-1977)

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    Et pour le plaisir, la revisite du générique de « Chapeau Melon et Bottes de Cuir » par Alice Mancini…

     

    Ainsi que quelques projets graphiques inspirés par la série…

    https://vimeo.com/search?q=chapeau+melon+et+bottes+de+cuir

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  • La première chronique de Jean d’Ormesson publiée dans Le Figaro en 1969

     

     

    Le premier article signé Jean d’Ormesson parait dans le journal le 2 mai 1969. Relisons cette lettre ouverte adressée à Jean-Jacques Servan-Schreiber, quelques jours après la démission du général de Gaulle, conséquence du non au référendum du 27 avril 1969. Chronique parue dans Le Figaro le 2 mai 1969 : Lettre ouverte à J.-J. S.-S.

     

    Mon cher Jean-Jacques,

    Voilà longtemps déjà que nous nous connaissons. Je me suis pourtant demandé hier quel âge tu pouvais bien avoir. J’ai beaucoup de sympathie pour toi, et un peu d’admiration envieuse pour les qualités qui ont fait ton succès. Et toi, je crois, tu as de l’indulgence pour moi, et pour les défauts qui n’ont pas fait le mien.

    « Pour la première fois », écris-tu, « pour la première fois dans la vie d’un homme de ma génération, on peut être fier de son pays. » Je me suis frotté les yeux, j’ai relu de nouveau. Rien à faire : « Pour la première fois dans la vie d’un homme de ma génération, on peut être fier de son pays ». C’est écrit, noir sur blanc, au début de ton éditorial, à la page 45 du numéro 929 de l’Express. Les bras m’en sont tombés. Tu as dû naître, j’imagine, dans ce que les Américains appellent le début des années vingt. Je veux bien t’accorder que les premières années n’ont pas vu grand-chose d’exaltant : la France en face de la guerre d’Espagne, ce n’était pas exaltant, en en face de Nuremberg, ce n’était pas exaltant, en face de l’Ethiopie, ce n’était pas exaltant. Et en face de la France, ce n’était pas exaltant. Et Daladier peut-être ne suscitait pas l’enthousiasme, ni l’honnête Lebrun, ni les Croix de Feu, ni la drôle de guerre. Et d’abandon en abandon, les catastrophes et les effondrements n’avaient pas de quoi, en vérité, rendre un jeune Français de notre génération très fier d’être Français.

    J’étais un très petit jeune homme au sein de l’abîme de 1940. Toi aussi, si je ne me trompe. Et alors, c’est étrange, au sein de l’abîme justement, j’ai été pour la première fois fier de mon pays. C’est drôle que tu ne l’aies pas été. J’étais un bon petit bourgeois entre mon père et ma mère, dans un château de famille un peu en ruine. On écoutait beaucoup, autour de nous, le vieux maréchal parler de la défaite. Mais mon père, qui était ambassadeur, très comme il faut, un peu conformiste peut-être, souriant et mondain, écoutait la radio anglaise. Il n’aimait pas beaucoup les militaires. Mais un soir où un obscur général à titre temporaire avait prononcé quelques mots, je lui dis que j’étais fier d’être Français. Et je me souviens très bien qu’il me répondit que j’avais raison d’avoir, pour la première fois dans la vie d’un homme de ma génération, été fier de mon pays. Mais mon cher Jean-Jacques, tu étais né, toi aussi ?

    En 1944, un autre ambassadeur, et très comme il faut lui aussi, et à qui je dois beaucoup, m’avait emmené à un balcon du Figaro voir passer un défilé. C’était un peuple qui défilait. Il y avait les facteurs et les policiers et les ménagères et les dames d’oeuvres. Il y avait mon professeur d’histoire que j’aimais beaucoup et qui s’appelait Georges Bidault. Et puis, il y avait un général qui n’en finissait pas, dont on avait appris à connaître la voix mais dont personne ne connaissait le visage. Et c’était un visage familier, pourtant, puisque c’était celui de la France. Ah ! non, ceux qui sont nés après 1944 ne savent pas ce qu’étaient alors le bonheur et l’honneur et la fierté. Mais mon cher Jean-Jacques, tu étais né, toi aussi ?

    Oh ! je comprends bien ce que tu veux dire. Tu veux dire – et tu as raison – qu’il est exceptionnel pour un pays de répondre non au lieu de répondre oui. Ce pays-ci l’a déjà fait pourtant – et à l’appel de qui ? Tu me répondras : c’est à un plébiscite qu’il est rare de dire non. Je te répondrai que, par définition, un plébiscite auquel un peuple dit non n’est pas un plébiscite. Mais voilà que je fais de la politique. Pardon, je ne voulais pas faire de politique. Tu as tout à fait le droit d’être contre un régime et contre un homme : je me ferais volontiers tuer pour que tu aies ce droit-là. Et je persiste à croire que c’est pour que tu aies précisément ce droit-là que l’homme, dont la chute le rend enfin si fier, a joué et a perdu.

    Et puis, est-ce que ce n’est pas étrange, mon cher Jean-Jacques, d’être si fier – pour la première fois dans la vie d’un homme de ta génération – d’un non sans précédent dans les annales de ta jeune mémoire ? La chute qui -pour la première fois dans la vie d’un homme de ta génération – te rend enfin si fier de ton pays, c’est celle d’un homme qui n’avait peut-être qu’un seul titre de gloire, mais qui ne lui sera pas retiré : celui d’avoir su dire non. Il est vrai que ce n’était pas à un de ces plébiscites dont l’issue te rend si fier de ton pays -pour la première fois dans la vie d’un homme de ta génération : c’était à la tyrannie, à la mort, à la dictature, à la violence déchaînée. Mais, mon cher Jean-Jacques, tu étais né, toi aussi? Allons, allons! Pour la première fois de la vie d’un homme de ta génération, mon cher Jean-Jacques, tu es fier de ton pays parce qu’il a dit non à une politique. Il faudra peut-être tâcher, la prochaine fois, de te rappeler une occasion où, sous la conduite d’un homme qui était bourré de défauts, il avait dit non à l’histoire.

    Jean d’Ormesson

     

     

     

  • La vraie histoire de Jacques Mayol

     

     

    Il y a trente ans, « Le Grand Bleu » de Luc Besson était présenté au festival de Cannes, avant d’enchanter plus de neuf millions de spectateurs en France. Un film devenu culte, et qui nous livrait une évocation très romancée de l’histoire de Jacques Mayol. Un documentaire revient aujourd’hui sur la vraie vie du célèbre plongeur.

     

     

    Trente ans après le succès du « Grand Bleu » de Luc Besson, Jean-Marc Barr prête à voix au documentaire « L’homme dauphin, sur les traces de Jacques Mayol » de Lefteris Charitos, sorti en salle mercredi 30 mai. Le film nous propose ainsi un voyage sur les traces de ce précurseur de la cause écologique et raconte la vraie vie de cet homme qui aura tout sacrifié à sa passion pour la mer.

    Jacques Mayol a suscité bien des vocations, fait rêver avec ses plongées dans les abysses, tout en nous ouvrant les yeux sur la beauté et la fragilité des océans. Mais le Jacques Mayol du « Grand Bleu » n’est pas le bourlingueur, bohème, né à Shanghai en 1927 et qui s’est donné la mort en 2001, dans sa maison de l’île d’Elbe.

    Ce documentaire rétablit la vérité, celle d’un homme qui se rêvait dauphin, avec ses parts d’ombre, le premier à franchir la barre des 100 mètres en apnée en 1976. Quand sort le film de Luc Besson en 1988, Mayol a 61 ans, il est d’une autre époque et vit mal le succès du « Grand Bleu » qui éclipse sa propre vie. Jean-Marc Barr qui a joué son personnage à l’écran, prête sa voix au documentaire, dans lequel il lit des extraits du livre de Mayol, « Homo Delphinus ».

     

    « La mer est à l’origine de la vie. A la contempler, on éprouve un sentiment d’harmonie. »

     

    « Personne ne s’attendait à un tel succès pour « Le Grand Bleu », à tel point que lorsque les gens évoquaient Jacques Mayol, ils voyaient ma gueule et plus la sienne, tant le succès du film a éclipsé l’identité du vrai bonhomme… Le documentaire remet les pendules à l’heure, car l’histoire de ce vrai bonhomme est bien plus intéressante que celle du personnage que j’ai incarné. » (Jean-Marc Barr à propos de Jacques Mayol)

    « Jacques m’a fait un cadeau exceptionnel en me permettant de camper son personnage. J’ai appris l’apnée mais le film m’a surtout aidé à choisir mon chemin, ma route, en tant qu’acteur. Aujourd’hui, après trente ans de métier, je pense que « Le Grand Bleu » est un film qui inspire toujours autant, qui continue à faire vibrer en nous ces émotions que nous avons ressenties à l’époque en le faisant, mais qui surtout célèbre un homme qui a encore un message très important à faire passer. » (Jean-Marc Barr à propos du « Grand Bleu »)

    « Soudain, cette chose si sensuelle qu’est la mer nous ouvre les portes d’une forme de spiritualité, quand on est dans ses profondeurs. Et là, ça n’est plus l’intellect qui nous guide, mais l’esprit… Ce qui restera quand on sera mort, en quelque sorte. Cette chose qui devient physique et poétique à la fois, quand on surplombe ce bleu immense, qu’on y plonge et qu’on entre dans cet univers qui nous emporte, c’est vraiment me mettre au contact de ma propre insignifiance… D’un coup, je peux imaginer ma mort. Ca n’est peut-être qu’un fantasme, mais l’expérience est tellement sensuelle et spirituelle. » (Jean-Marc Barr à propos de la mer)

     

    Et c’est un personnage insaisissable qu’on découvre dans « L’homme dauphin, sur les traces de Jacques Mayol ». Un homme libre, qui a vécu en Chine, au Japon, en Suède, aux Etats-Unis, qui a abandonné femme et enfants quand il découvre les dauphins, qui a connu un immense chagrin d’amour lorsque sa compagne Gerda a été assassinée en 1975 en Floride. Mayol a été chauffeur pour stars à Hollywood, il a joué de son charme, s’est initié passionnément au yoga, un personnage hors norme qui a souffert de la solitude, alors qu’il fuyait le monde dans les grandes profondeurs des océans.

     

    « Chaque être humain, mais plus particulièrement quelqu’un comme Jacques Mayol, a en lui sa part de génie et en même temps d’horreur. Jacques a décidé d’assouvir sa passion, jusqu’au bout, mais il a fait beaucoup de dégâts autour de lui. Il a sacrifié sa femme, son garçon et sa fille. Il a vécu par instinct, comme un jeune homme de 20 ans, jusqu’à 70 ans… You can beat everybody but not father time. On peut leurrer tout le monde, sauf le père-temps. »

    « Et il s’est retrouvé à un moment avec le corps qui ne suivait plus. Et surtout seul… La liberté a un prix. Se retrouvant ainsi, soit il assistait à sa lente décomposition, soit il se plongeait lui-même dans cet état qu’il avait recherché toute sa vie. Il s’est pendu, peut-être pour ressentir une dernière fois cette ivresse des profondeurs. On s’est parlé deux semaines avant sa mort, j’écoutais ce qu’il me disait, mais je n’avais pas de solution à lui apporter…. » (Jean-Marc Barr à propos de Jacques Mayol)

     

    « Imaginez à présent que vous êtes un dauphin… Libre de vivre au gré de vos besoins. Il y a un dauphin qui dort en chacun de nous. »

     

    « L’homme est à la recherche de ses origines. Et depuis une vingtaine d’années, il me semble avoir découvert que l’homme est finalement beaucoup plus aquatique qu’on ne le pensait. » (Jacques Mayol)

     

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  • Manifesto de Julian Rosefeldt, au cinéma le 23 mai

     

     

    Manifesto rassemble aussi bien les manifestes futuriste, dadaïste et situationniste que les pensées d’artistes, d’architectes, de danseurs et de cinéastes tels que Sol LeWitt, Yvonne Rainer ou Jim Jarmusch. A travers treize personnages dont une enseignante d’école primaire, une présentatrice de journal télévisé, une ouvrière, un clochard, Cate Blanchett scande ces manifestes composites pour mettre à l’épreuve le sens de ces textes historiques dans notre monde contemporain.

     

    [MANIFESTE] n. masc. : déclaration écrite, publique et solennelle, dans laquelle un artiste ou un groupe d’artistes expose une décision, une position ou un programme. Voilà donc toute une littérature dont le cinéma ne s’était, jusqu’à présent, pas emparé. Réalisé par l’artiste et vidéaste allemand Julian Rosefeldt, enseignant à l’Académie des beaux-arts de Munich, « Manifesto » redonne vie à treize textes fondateurs de l’histoire de l’art et des idées, incarnés par Cate Blanchett.

    Devenant tour à tour une tradeuse, une punk ou une présentatrice TV, l’actrice donne un visage contemporain à ces textes de cinéastes, d’architectes mais également d’artistes dadaïstes, futuristes ou surréalistes, pour mieux nous faire entendre leur inépuisable modernité.

    A l’origine, « Manifesto » n’était pas un film. Ce film est une exposition. Une exposition où les treize portraits incarnés par Cate Blanchett étaient joués simultanément. Une à une, les vidéos représentent un manifeste, de penseurs, artistes, architectes, cinéastes.

    Si elle a déjà été transformée pour des rôles emblématiques (Hela dans « Thor Ragnarok », Galadriel dans « Le Seigneur des Anneaux »…), c’est la première fois que l’actrice dévoile autant de facettes en si peu de temps. Et c’est un véritable challenge. Dans chacun des manifestes, elle est la seule à s’exprimer à l’écran, malgré la présence d’autres acteurs. Déjà visible dans la bande-annonce, la talent de Cate Blanchett transparaît pour faire de ces manifestes complexes un terrain de jeu.

     

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    Manifesto, Official Trailer

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