Le Paradise Garage peut avoir fermé ses portes en septembre 1987, son héritage est encore vivace auprès des nouvelles générations de New-Yorkais.
Pour preuve, le 11 mai 2014, ce qui ne devait être qu’une simple fête de quartier organisée au 84 King Street, à Soho, face à l’entrée de l’ancien club, s’est spontanément transformée en énorme dance-floor, réunissant des milliers de participants venus rendre hommage au Paradise Garage, ainsi qu’à son DJ mythique Larry Levan.
Durant ses dix années d’existence, ce club mythique a défini les règles de la dance music pour imprégner tous les genres musicaux actuels, du garage à la house, en passant par la neo-soul, la funk ou la disco, voire même le hip-hop. Au Paradise Garage s’est composé la bande-son de plusieurs générations de clubbers. Et c’est au Paradise Garage que, pour la toute première fois, le DJ est au centre du show, fixant l’attention des danseurs. Ainsi, Larry Levan deviendra le premier DJ moderne, et la référence pour beaucoup de DJs actuels.
Larry Levan nous a quittés en 1992, à 38 ans.
L’ambiance du Paradise Garage à redécouvrir avec le double album enregistré live en 1979, et mixé par maître Larry Levan himself : « Live At The Paradise Garage».
Le photographe Robert Mapplethorpe nous quittait il y a presque trente ans, le 09 mars 1989, à l’âge de 42 ans. Retour sur la carrière de celui qui fut tout et son contraire en même temps, naviguant entre bisexualité et polygamie dans sa vie personnelle, et dont l’oeuvre aborda tous les thèmes, de l’ésotérisme à la dévotion, en passant par la magie.
Portrait d’un des photographes américains parmi les plus controversés, Robert Mapplethorpe, figure iconique du milieu artistique new-yorkais des années 70 et 80, qui illustra l’exposition de son oeuvre à la National Portrait Gallery organisée en 1988, l’année précédant sa mort.
Ce portrait contient des interviews de Mapplethorpe lui-même, les témoignages du critique et auteur Edmund White, ainsi que de plusieurs des sujets du photographe.
Durée : 52 min.
Réalisateur : Nigel Finch (BBC)
Featuring : Robbert Mapplethorpe, Patti Smith, Kathy Acker, Lynn Davis, Robert Miller, Louise Bourgeois, Leo Castelli
Dans la veine de Bret Easton Ellis époque « Glamorama », avec le même style percutant et vif, l’auteur Jardine Libaire nous entraîne dans le New York des années 80. Grand écart vertigineux entre la haute société et les junkies des bas fonds ; nous sommes plongés à chaque page au coeur d’une société d’une profonde inégalité.
Les protagonistes n’étaient pas censés se rencontrer, encore moins s’aimer. Elise Perez, lumineuse grande tige aux longues tresses et aux grands pieds, se pare d’un manteau de (fausse) fourrure blanche racheté à une junkie dans le métro, pour l’équivalent d’une part de pizza. Elle est voisine de Jamey Hyde, étudiant à Yale, qui vit en coloc à New Haven avec son ami d’enfance Matt. Les deux garçons possèdent les mêmes codes, ils ont traversé sans encombre vingt années remplies de cocktails et de croisières, vivant dans des appartements gigantesques sur la 5ème Avenue ou d’immenses propriétés à Long Island…
Leurs parents sont membres d’une classe à part, qui néglige ses devoirs pour se consacrer à l’art du paraître. Ils cultivent une certaine idée du bon goût mais ne possèdent pas le sens des valeurs. Ils survolent la vie en accumulant des Picasso ou des montres Patek Philippe pour combler la vacuité de leur existence. Elise, quant à elle, est à des années-lumière de ce milieu, sa mère est un pur produit de la classe populaire, corps de matrone ayant enfanté une descendance multiple au hasard de son parcours chaotique.
Cependant Elise est un être à part… Elle ne se prostitue pas, ne se drogue pas, elle cherche à fuir son milieu qui l’entraîne inexorablement. Matt se méfie d’elle et met en garde Jamey, mais de fil en aiguille, celui-ci début une relation avec Elise, tout en prenant bien soin de sauver les apparences, en ne s’affichant pas avec elle. Au jeu du chat et de la souris, nos deux héros vont se rapprocher, se renifler, se rejeter, se détester, jusqu’à finalement s’affranchir des codes…
Quand Jamey s’installe à Manhattan dans le loft d’une amie de ses parents, pour réaliser un stage d’été chez Sotheby’s, il convie sur un coup de tête Elise à l’accompagner. Il est devenu accro à sa simplicité, son naturel désarmant, sa façon de s’offrir sans concessions, toute entière. Il n’a jamais connu cela. Petit à petit, ce fils de bonne famille va prendre conscience de la vacuité de son milieu, qui baigne dans la cocaïne – drogue des riches – pour échapper à la réalité.
Sans spolier le dénouement, Jamey ira jusqu’à lancer une procédure juridique pour renoncer à son héritage pesant, prendre un petit boulot, se marier… Mais ses anciens amis réapparaissent dans sa vie et plongent nos Roméo & Juliette des temps modernes dans un piège qui va les acculer au pied du mur. Ils s’échappent du carcan d’une clinique de luxe et l’histoire se termine en road movie flamboyant vers le Wyoming, no man’s land à deux jours de bus de leurs origines respectives.
Le final est haletant, vont-ils descendre aux enfers ou s’en sortir ? Ce sont des amants maudits, qui ne demandent qu’à vivre simplement leur amour, sans diktat ni faux semblants. L’auteur, en écrivant sur cette époque si particulière de l’histoire de New York, pas encore nettoyée ni dératisée, en quasi faillite, nous rappelle qu’à côté de la Trump Tower et du luxe des boutiques de la 5ème avenue, vivaient encore des fantômes qui tentaient de s’en sortir et de vivre, tout simplement.
A noter qu’Amazon vient d’acquérir les droits du livre pour l’adapter en série… Passionnant…
Bonne année 2019 #Guggenheim! En brisant le rythme orthogonal de la Cinquième Avenue, l’architecte Frank Lloyd Wright a réussi à faire du musée Guggenheim un des monuments les plus connus de New York. L’établissement célèbre cette année son 60ème anniversaire.
Frank Lloyd Wright n’assista pas à l’inauguration du Musée Solomon R. Guggenheim en octobre 1959. Sa mort, cinq mois plus tôt, fit de cette dernière œuvre une sorte de manifeste posthume et un pied de nez géant : l’architecte, adepte d’une parfaite symbiose entre ses constructions et leur environnement, avait dessiné, pour la sévère et classique Cinquième Avenue, un coquillage de marbre dont la couleur, la taille et le volume juraient avec tous les immeubles voisins. Dans cette « sculpture » moderne se trouvent concentrées nombre d’idées testées sur des villas tout au long de la carrière de Frank Lloyd Wright.
Une rampe en hélice pour colonne vertébrale
Le bâtiment est simplissime. A l’extérieur, il a l’aspect d’un cône renversé aux parois bombées, posé sur son socle comme un gros escargot de béton. Quatre grandes meurtrières horizontales en font le tour, annonçant l’architecture et la géométrie intérieures. Cette grande coquille est creuse, éclairée par un dôme de verre.
Un ascenseur conduit les visiteurs au sommet, et tous, pour redescendre, empruntent le même chemin. La fameuse rampe hélicoïdale de Frank Lloyd Wright, ici parfaitement aboutie, se déroule en pente douce jusqu’au rez-de-chaussée. Cette spirale, déjà testée par l’architecte au centre touristique de Sugar Loaf Mountain, un parc touristique du Maryland (1925), puis lors de la transformation du magasin Morris à San Francisco (1948), évoque une continuité spatiale autour de formes géométriques variables et la fluidité d’usage d’un bâtiment.
Au Guggenheim, les fameuses collections du magnat de l’argent et du cuivre sont accrochées dans les salles des 2ème et 4ème niveaux, alors que la place réservée aux expositions permanentes traduit toute la modernité du lieu : elles occupent les 400 mètres de mur bordant la rampe et le vide central visible au-dessus des balustrades. C’est à une artiste allemande réfugiée aux Etats-Unis que Frank Lloyd Wright doit cette fabuleuse commande : Hilla Rebay. Elle conseille Salomon R. Guggenheim et gère ses achats depuis les années trente. Elle choisit l’architecte pour ses théories sur les constructions organiques et son goût des volumes ouverts.
Le projet survit à ses instigateurs
La mort de Solomon R. Guggenheim, l’industriel amoureux de Mondrian et de Kandinsky, en 1949, va mettre en péril le projet pourtant accepté à l’état de maquette depuis 1946. Hilla Rebay est remerciée par le nouveau directoire. Il est trop tard pour renoncer, mais le chantier restera bloqué jusqu’en 1955. Frank Lloyd Wright a 86 ans lorsque les travaux reprennent.
Les principes essentiels de son musée sont conservés, mais des « détails » chers à l’architecte, et significatifs de sa démarche, sont tout bonnement supprimés. Faute d’argent ou d’audace, les nouveaux maîtres d’ouvrage décident de remplacer par de la peinture le placage de marbre poli des murs extérieurs qui devait évoquer la pureté du coquillage.
Le nom de « musée d’art non objectif » est remplacé par celui, plus neutre, du généreux mécène. Frank Lloyd Wright meurt sans avoir achevé son « Panthéon », comme il l’avait baptisé. La forme de ziggourat du musée devait évoquer, telle une tour de Babel, le mélange des arts et des cultures. La fin de l’histoire lui aurait prouvé que cet espace refermé sur lui-même et « protégé de l’absurdité de la métropole américaine » avait bien sa place au milieu des gratte-ciel et de la nouvelle Babylone en perdition.
Happy New Year from the #Guggenheim! In 1959 the museum opened its doors and became a striking addition to New York City’s architecture. Thank you for helping us make the last 60 years of radical art and architecture so unforgettable—here's to the next 60. #Guggenheim60pic.twitter.com/h7igv3nmUn
Le 12 août 1988, Jean-Michel Basquiat disparaissait à l’âge de 27 ans. Le peintre américain d’origine haïtienne reste encore aujourd’hui une énigme, tant il accumule les records après avoir été longtemps boudé par la plupart des grands musées.
Devenu le peintre américain le plus cher de l’histoire (110,5 millions de dollars pour une toile vendue aux enchères chez Sotheby’s à New York le 18 mai 2017), Jean-Michel Basquiat est aujourd’hui l’un des artistes les plus influents de sa génération. Déjà, en janvier 2017, un tableau sans titre était vendu aux enchères chez Christie’s pour la somme époustouflante de 57.285.000 dollars.
Ce grand tableau de 1,83 m sur 1,73 m représente une tête noire torturée et inquiétante sur fond bleu azur. Il a été adjugé après plus de dix minutes d’enchères, une durée très inhabituelle. Le prix de départ avait été fixé à 57 millions de dollars, soit quasiment le record pour celui qui se fit connaître sous le pseudonyme « SAMO » dans les années 70, en taguant sur les murs de New York. La toile n’avait plus été proposée à la vente, ni présentée en public, depuis son acquisition par un collectionneur anonyme en 1984 chez Christie’s. L’acheteur de l’époque n’avait d’ailleurs déboursé que 19.000 dollars pour cette oeuvre de 1982.
Jean-Michel Basquiat, trente ans après sa mort, semble cependant davantage célébré dans la rue qu’au musée… À première vue, cet enfant de Brooklyn, né d’un père haïtien et d’une mère portoricaine, n’a laissé que peu de traces à New York, où il passa pourtant l’essentiel de sa vie et qui fut pour lui une source d’inspiration majeure. Tout juste une plaque, discrète, sur la façade de son ancien atelier, caché dans le minuscule quartier de NoHo. Aucun monument public en son honneur, aucun lieu portant son nom, plus aucune empreinte de ses fameux graffitis signés « SAMO », pour « Same Old Shit ».
Ses admirateurs vont se recueillir, à défaut, sur sa tombe, au cimetière de Green-Wood à New York. Avec le compositeur Leonard Bernstein, « Jean », comme l’appelaient ses proches, est le plus célèbre résident de ce gigantesque cimetière de Brooklyn où sont enterrées 570.000 personnes, selon Lisa Alpert, vice-présidente du développement du lieu. Des visiteurs y « laissent des choses sur sa tombe », une sépulture très sobre, avec l’assentiment de la direction, explique-t-elle.
Presque introuvable dans la rue, Jean-Michel Basquiat l’est aussi dans les musées new-yorkais : dix pièces au MoMA, mais uniquement des dessins et des sérigraphies, six au Whitney, deux au Metropolitan Museum, deux au Brooklyn Museum et une au Guggenheim. Pour un artiste qui a laissé derrière lui plus de 2.000 oeuvres, c’est peu. « C’est une honte que les musées de New York n’aient pas davantage de Basquiat », estime l’artiste Michael Holman, ami du peintre, qui créa avec lui le groupe Gray.
Il rappelle que, du vivant de Basquiat, le couple de collectionneurs Lenore et Herbert Schorr proposa de faire don de tableaux de l’artiste au MoMA et au Whitney, qui refusèrent… Pour Michael Holman, « il y a une certaine dose de racisme » dans le peu d’intérêt affiché par les grandes institutions artistiques de New York du vivant de Basquiat, voire même après sa mort.
Né à Brooklyn en 1960 et décédé trop jeune en 1988, Jean-Michel Basquiat fut souvent considéré comme le porte-parole de l’immigration américaine. Cet artiste néo-expressionniste, issu de l’univers du graffiti, est notamment connu pour ses représentations de paradoxes sociaux. À travers ses peintures, Basquiat illustrait par exemple l’opposition entre la richesse et la pauvreté, ou encore l’intégration et la ségrégation. Il mariait habilement texte et image, couleurs et poésie, pour dénoncer la société moderne ou commémorer les injustices de l’histoire afro-américaine. Des thèmes probablement pas assez consensuels pour les grands musées new-yorkais…
Professeure d’histoire d’art contemporain au California College of the Arts, et auteure du seul ouvrage d’étude de l’oeuvre de Basquiat, Jordana Moore Saggese y voit aussi la conséquence du succès dont cet ovni, débarqué dans le monde de l’art sans aucune formation, bénéficia de son vivant auprès de collectionneurs et de galeristes. « Durant les années 1970 et 1980, critiques et historiens étaient très partagés sur la question de savoir si un artiste pouvait connaître le succès sur les plans à la fois commercial », comme Basquiat, « et critique », afin d’attirer l’attention des musées, explique Jordana Moore Saggese.
Peu avant de mourir d’une overdose d’héroïne à 27 ans, l’artiste était déjà parvenu à attirer l’attention des collectionneurs grâce à ses œuvres lourdes de sens. Aujourd’hui encore, quelque 85 à 90 % des pièces de ce jeune homme charismatique, héros du film « Downtown 81 » dans lequel il joue son propre rôle à 20 ans seulement, sont entre les mains de collectionneurs privés, estime Jordana Moore Saggese. De Leonardo DiCaprio à Bono, en passant par Jay Z, Johnny Depp ou Tommy Hilfiger, la liste des célébrités détenant ou ayant possédé une toile ou un dessin de Basquiat ne cesse de s’allonger.
Quelques galeries new-yorkaises proposent des oeuvres de Basquiat, notamment la Soho Contemporary Art. Mais elles sont plus rares que jamais, avec les records atteints par ses créations aux enchères. Et ses oeuvres sont aujourd’hui inabordables pour les musées, quand bien même ils souhaiteraient en acquérir. Pour preuve, le propriétaire de la Soho Contemporary Art, Rick Rounick, avait neuf tableaux il y a encore quelques mois, mais n’en a plus que deux.
« A mesure que des collectionneurs (possédant des tableaux) vont préparer leur succession et prévoir des dons aux musées, nous verrons davantage d’oeuvres majeures se frayer un chemin jusqu’aux collections publiques », anticipe Jordana Moore Saggese. En attendant, s’il n’est que peu célébré par les institutions, Basquiat infuse la culture populaire par d’autres biais. « Ses peintures et ses dessins apparaissent sur des T-shirts, des baskets, des montres et des sacs », souligne Saggese. « D’une certaine façon, il est plus accessible qu’il ne l’a jamais été ».
Depuis 2014, la marque japonaise de vêtements Uniqlo a sorti plusieurs collections reprenant des oeuvres de Basquiat en collaboration avec le MoMA. L’auteur noir Javaka Steptoe a publié un livre sur cette icône du New York des années 1980, « The Radiant Child », destiné aux enfants. Une façon pour ceux qui ne connaissent rien de cette période d’entrer en contact avec son univers.
« Les enfants l’adorent, parce que son art et le leur sont similaires », explique-t-il. « Il leur donne la permission d’être eux-mêmes ». Pour Michael Holman, l’influence de Basquiat à New York est palpable dans la rue. « On voit tellement de gens qui ont adopté son style, sa coupe de cheveux », dit-il.
Le chanteur canadien The Weeknd a longtemps arboré les mèches dressées en touffes en hommage au peintre. L’artiste s’inscrit aussi dans la culture actuelle par le biais des textes des plus grands rappeurs, genre dominant aux Etats-Unis en général et chez les jeunes en particulier, notamment chez Jay Z, Kanye West ou ASAP Rocky, pour n’en citer que quelques-uns. « C’est un héros pour les jeunes », assure Michael Holman, « comme Warhol l’était pour ma génération ».
À l’époque, au cours d’une interview accordée à Cathleen McGuigan pour le New York Times, Jean-Michel Basquiat avait expliqué qu’il rêvait de devenir une star, et non une mascotte de galerie… Il lui aura fallu attendre près de trente ans… après sa mort… pour voir son rêve se réaliser. En effet, Basquiat collectionne depuis quelques années tous les records en terme de prix de vente de ses toiles, en particulier celles datant du début des années 80.
« Untitled » (1982) : 57.285.000 dollars – En découvrant ce tableau pour la première fois, Yusaku Mazawa a aussitôt ressenti une connexion spirituelle avec l’essence de cette œuvre. C’est la raison pour laquelle le collectionneur japonais a décidé d’investir une telle somme pour acquérir cette pièce.
« Dustheads » (1982) : 48.843.752 dollars – Vendue en 2013 par Tony Shafrazi, cette toile initialement estimée par Christie’s à 35 millions de dollars a dépassé toutes les attentes.
« The Field Next to the Other Road » (1981) : 37.125.000 dollars – Très convoité, ce tableau a longtemps été prisé par Christophe van de Weghe. Depuis 1993, le collectionneur a tenté d’acquérir cette toile à deux reprises, en vain.
« Untitled » (1981) : 34.885.000 dollars – Cette œuvre est considérée comme la transition de Basquiat du statut de street artist underground à celui d’icône mondiale. Détenu depuis 1982 par la Annina Nosei Gallery, le tableau a finalement été vendu par Christie en 2014.
« Untitled » (1982): 29.285.000 dollars – Vendu en 2013, ce tableau à l’effigie d’un roi squelette fait partie des œuvres les plus célèbres de Basquiat. Il est passé par de nombreuses galeries de prestige, parmi lesquelles la Annina Nosei Gallery, la Fredrik Roos Collection et la Tony Shafrazi Gallery.
« Untitled » (diptych) (1982) : 28.928.434 dollars – Cet immense tableau de 6 pieds sur 8 a été acheté en 2013 pour près de 29 millions de dollars. Auparavant, il était entreposé depuis 1982 à la Annina Nosei Gallery.
« Untitled » (1981) : 26.402.500 dollars – Vendu en 2012 pour plus de 26 millions de dollars, ce tableau a battu le précédent record de 20,1 millions de dollars.
« Untitled (Yellow Tar and Feathers) » (1982) : 25.925.000 dollars – Ce tableau fait partie d’une collection de tableaux exposée par Basquiat à la galerie Larry Gasgosian de Los Angeles en 1982. Il a ensuite été acheté par un collectionneur privé.
« Undiscovered Genius of the Mississippi Delta » (1983) : 23.685.000 dollars – Cet immense tableau de 15 pieds associe les symboles de l’histoire afro-américaine à une fascinante technique d’expressionnisme abstrait.
« Untitled » (1981) : 20.092.132 dollars – Vendu en 2012, ce tableau fut la première œuvre de Basquiat à dépasser la barre des 20 millions de dollars.
A signaler tout de même qu’une place porte son nom dans le XIIIème arrondissement de Paris…
Une tranche essentielle de l’histoire du rock que cette performance live des Doors aux WNET-PBS TV Studios, à New York, les 28 et 29 avril 1969. Il s’agit en fait d’un extrait des « Soundstage Performances 1967-1969 » compilant trois showcases live du groupe, de Toronto (1967) à New York (1969), en passant par le Danemark (1968).
Les Doors ne s’étaient plus produits ensemble depuis le concert calamiteux de Miami le 1er mars 1969, et la condamnation de Jim Morrison pour comportement indécent et outrage aux bonnes moeurs, qui conduira à l’annulation des concerts de la tournée américaine du groupe jusqu’en juillet de cette même année.
Ce 28 avril 1969, Jim Morrison apparait donc barbu, sans son célèbre pantalon en cuir, éprouvé par ses démêlés avec la justice. Ce qui n’empêchera pas Les Doors de nous livrer ce jour-là une performance exceptionnelle, adaptant les quatre morceaux joués à la théâtralité, à la présence scénique énorme et à l’imprévisibilité d’un Morrison qui donne le meilleur de lui-même.
Le lendemain de cette performance, le groupe donnera une interview exclusive à la chaine PBS. C’est à cette occasion que Jim Morrison se livrera à une prédiction étonnante préfigurant l’avenir de la musique dans les vingt ans qui suivront cet évènement : « I can envision one person, with tapes and electronic set-ups, singing or speaking, and using machines. (Je peux voir une personne, avec des bandes électromagnétiques et des configurations électroniques, chantant ou parlant et utilisant des machines) ».
Suite à ce TV Show, les Doors ressentiront de nouveau l’envie de se produire sur scène, et entreront dans ce qui sera probablement l’une des périodes les plus créatives qu’ils aient connues, avec des concerts qui rentreront dans les annales, en constituant le matériel à leur nouvel opus live, « Absolutely Live », ainsi que l’enregistrement de l’album « Morrison Hotel » qui marquera le retour du groupe au tout premier plan.
The Doors⎥ Soundstage New York 1969 (Part 1)
Live of 28 – 29th April 1969, WNET-PBS TV Studios, New York.
Track List :
1) Tell All The People
2) Alabama Song
3) Back Door Man
4) Wishful Sinful
Le mois dernier, TriggerTrap a demandé aux photographes de cinq villes autour du monde de créer « le plus original Timelapse jamais fait ». Après un mois d’édition et d’organisation, TriggerTrap partage avec nous le résultat étonnant !
À New York, il n’est pas rare de trouver des oeuvres de peintres ou de photographes célèbres accrochées dans des lieux inattendus de la ville. Du street art aux musées publics, chaque mur de New York semble être un terrain de jeu idéal pour les artistes.
C’est donc dans cette philosophie que The Water Tank Project s’inscrit, une initiative artistique publique mettant à contribution des artistes majeurs tels que Laurie Simmons, John Baldessari, Catherine Opie, Mickalene Thomas, Kenny Scharf, Carrie Mae Weems, ou encore Ed Ruscha, dont les oeuvres investissent les toits de New York. Ce projet visant à transformer une centaine de ces fameux réservoirs en immenses toiles n’est pas uniquement une démarche artistique gratuite, mais participe aussi d’une logique éducative, en tentant de faire prendre conscience aux habitants de New York, comme aux touristes visitant la ville, que l’eau est une denrée rare dans beaucoup d’endroits dans le monde.
Cette campagne organisée par Word Above The Street, association à but non-lucratif dédiée à la défense de la conscience environnementale et sociale à travers l’art, a pour but le rachat de ces réservoirs par des fonds privés. Ainsi, les frères Isseks, héritiers d’une entreprise familiale fondée en 1890, dont l’activité était la construction et l’entretien des réservoirs d’eau, financent l’installation de l’oeuvre sur son support, tandis que le Children’s Movement for Creative Education aide à développer un programme d’études intitulé « Trace The Tap », littéralement « Identifie le Robinet », censé éveiller les consciences des étudiants sur la problématique de pénurie d’eau potable dans le monde.
La réalisatrice Mary Jordan, la fondatrice de Word Above The Street, a conçu The Water Tank Project à son retour d’Ethiopie en 2007, après avoir constaté les effets tangibles du manque d’eau dans cette région du monde. « Nous déclinons sur ces réservoirs tous les symboles de l’abondance d’eau dans notre société, afin de sensibiliser l’opinion publique sur la pénurie que connaissent à contrario la grande majorité des pays du monde » déclarait-elle. « Mon espoir est que quiconque, partout, puisse s’inspirer de ce projet, et soit encouragé à prendre la même initiative ».
Selon le UN Department of Economic and Social Affairs, environ 1.2 milliard de personnes, soit presque un cinquième de la population mondiale, vivent dans ces zones qui connaissent une situation de pénurie d’eau structurelle, tandis que 1.6 milliard de personnes (un quart de la population mondiale) font face au manque économique d’eau.
A ce jour, douze réservoirs ont déjà été « transformés », entre Chelsea, Soho et Financial District. Vous pouvez consulter la carte des prochaines implantations sur le très beau site du Water Tank Project.
Gail Albert Halaban vit et travaille à New York. Ses premiers clichés, elle les prend à six ans, avant d’intégrer la prestigieuse Yale University School of Art, option Photographie, dont elle sort diplômée d’un Master Of Fine Arts (MFA) en 1996. Tout son travail explorera dès lors l’ambivalence de la vie, entre public et privé, ce qui est apparent et ce qui reste caché, premier et second plan, réalité et fiction, solitude et urbanité, observation et voyeurisme…
Son dernier ouvrage paru en 2012, « Vis-à-Vis » est le portrait d’une ville, à travers un Paris historique et typique. Il se veut le prolongement de son ouvrage précédent, « Out of my Window » réalisé à New York en 2009. Et on y retrouve cette confrontation sans cesse recherchée par Gail Albert Halaban, entre premier et second plan, planes perspectives de façades d’immeubles parisiens contre formes et reliefs des occupants de ces mêmes immeubles, qui apparaissent au second plan, et dans un second temps… Précisons tout de même qu’il ne s’agit pas ici de clichés volés, mais bien de photographies mises en scène par l’artiste.
La prochaine fois que vous passez par New York, et que vous atterrissez un soir à Hell’s Kitchen, au hasard de vos pérégrinations pédestres, n’hésitez pas à aller dîner chez Isaac Elvis, à la Trattoria Casa Di Isacco (coin de la 9ème Avenue et 40ème Rue).
Ne vous arrêtez pas au cadre kitch du lieu. Mais lorsque vous aurez poussé la porte, dites-vous juste que tout peut arriver… Prenez place, passez commande. Sur le mur du fond, un écran géant diffuse en boucle un concert d’Elvis à Las Vegas de 1972, dans ce décor hétéroclite fait de centaines de bouteilles de vin, de jambons et fromages exposés comme des trophées. A un moment du diner, vous verrez apparaitre un type qui semble être le patron. S’il est en forme, alors il viendra se présenter. « Bonjour, Isaac Elvis pour vous servir ». Et là, si vous lui semblez sympathique, le show commence…
Le type coupe le son de l’écran géant, et entame son tour de chant. Tout le répertoire d’Elvis y passe ! Isaac commence à commander des bouteilles à son serveur, et au fur à mesure qu’il s’enflamme, il vous raconte sa vie. Son restaurant est une Trattoria, mais en fait, Isaac est Espagnol… Ancien béret vert dans l’armée, le mec a enregistré des disques, chanté en duo avec Dean Martin ou Dieu sait qui, a été marié douze fois, roule en Hummer… Tout ça au doux son du tire-bouchon… Il est déjà deux heures et demi, Isaac est chaud bouillant, vous ne savez plus comment prendre congé. Il finit par vous mettre dehors à trois heures, parce qu’il doit rentrer chez lui dans le Queens, pour filer ensuite à l’ouverture du marché au gros à cinq heures…
Tout ça pour dire, Isaac est fou… Mais franchement, quelle soirée…
[kleo_icon icon= »glass » icon_size= »large »] Trattoria Casa Di Isacco
536 9th Ave – Btwn 39th & 40th St
New York, NY 10018
