Catégorie : Vos Articles

  • Nico Pusch revoit ses classiques

     

     

    Avis aux amateurs de minimal, deep house, techno ou encore techno house ! L’Allemagne nous régale de son dernier phénomène en date, Nico Pusch, DJ aux mille inspirations et mélodies, toutes aussi dynamiques qu’alternatives.

     

    Très jeune, Nico Pusch plonge dans le monde de la musique, et s’y impose rapidement grâce à l’originalité et la fraicheur de ses morceaux. Le DJ mixe, mais remixe surtout ; il touche à tout et s’approprie chaque sonorité, chaque langue, et chaque style.

    Pusch revoit ses classiques, nos classiques, et les met au goût du jour, il modernise, rajeunit, « Another Day in Paradise » de Phil Collins ou « Live Your Life » d’Otis Taylor. Il dynamise nos titres favoris, « We Are the People » d’Empire of the Sun, « I Follow Rivers » de Lykke Li, accélère ce qui lui semble lent, « Free » de KlangKluenster, et va même jusqu’à retravailler la fameuse « Una Mattina » de Ludovico Einaudi.

    Mais il crée aussi, invente, expérimente, et de là naissent des featurings impressionnants, comme « Around the World » avec Chris Valentino, ou bien des sons décalés qui semblent venir de très loin… « Children ».

    Bref, Nico Pusch revendique une liberté musicale à toute épreuve, joue avec ses platines, transforme, change, coupe, ajoute. Véritable artisan de la musique, laissons-nous séduire par son imagination débordante.

     

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    [kleo_divider type= »full » double= »no » position= »center » text= »Pour aller plus loin » class= » » id= » »]

    [kleo_icon icon= »link » icon_size= »large »] Nico Pusch Official

    [kleo_icon icon= »link » icon_size= »large »] Nico Pusch on Soundcloud

     

     

     

  • Et si le sac à main se portait sur la tête ?

     

     

    Dans la série « Hubert a de gros gros problèmes dans la vie », aujourd’hui une question fondamentale est posée : « Et si le sac à main se portait sur la tête ? »

     

    C’est un phénomène culturel et comportemental qui existe depuis l’invention de cet accessoire de maroquinerie, destiné en théorie à la gente féminine. On a tout de suite en tête les années 50-60, avec ces femmes coquettes, façon Mad Men, ou bien ces héroïnes hitchcockiennes qui exhibaient des micro-sacs munis de anses, accrochés à l’avant-bras légèrement infléchi, avec à son extrémité, la main tenant nonchalamment une paire de gants. Ce maintien relevait toute la silhouette, avec la robe coordonnée et le chapeau inclus. C’était structuré, géométrique, sophistiqué, imparable. Autant d’images caractéristiques et surannées que l’on se plaît toujours à revoir aujourd’hui, dans tout ce qui exploite cette époque.

    Depuis quelque temps, soit un demi-siècle plus tard, cette manière désuète de tenir un sac à main que j’appellerais donc pour l’occasion, « Le Porté Main », a refait son apparition. Stupeur et surprise générale. Oui, quoi, pourquoi, comment, pardon, qui ? Nostalgie d’une époque ultra-codifiée, quand la différence entre les femmes et les hommes était donc surlignée à tout point de vue, mimétisme temporel singé ou bêtement réévalué ? Il se trouve que ce qui était anodin, standard dans ces années-là pour les femmes citadines, est réinterprété de nos jours en toute désinvolture, et ce, malgré toute cette eau qui entre-temps a coulé sous nos ponts.

    Je parle de la femme émancipée de cette fin des années soixante, puis de la femme qui avorte, de celle qui prend la pilule, qui travaille, qui vote, de la femme qui divorce et qui n’a donc plus besoin de ce colifichet, ne pouvant contenir de toute façon qu’un tube de rouge à lèvres, un fard à paupière et un micro porte-monnaie. Pour tous ces féministes courroucés, l’objet incriminé est le symbole abject de l’avilissement, de la stigmatisation et l’enfermement de la femme dans le rôle d’une potiche guindée.

    Ce même objet qui pour certains autres messieurs aussi est à jamais indissociable de la femme. Cette femme, qu’ils idéalisent en la conceptualisant jusqu’à l’abstraction, l’alignant parmi d’autres mots clefs de leur propre moteur de recherche. Séduction, coiffure, sein, escarpin, jambe, rouge à lèvres, blonde… Analogie suggestive, fantasmée et fétichiste. Vision définitive de ce que doit être une femme… Ou leur maman ?

    Relayé pendant trois décennies à l’usage exclusif des grand-mères ou de Madame de Fontenay, le sac à main redevient d’un seul coup furieusement tendance courant 2000. Un ou deux panneaux publicitaires plus tard, il suffira d’une happy few aperçue dans la rue avec, pendouillant à son bras, l’un de ces articles de la marque OhLaLaCéboCécher, ainsi qu’un affolement général dans toutes les rédactions des magazines de mode, et Hop La ! Le rouleau compresseur de la fatalité se met en marche. Ce qui est d’abord un désir, une envie, devient caprice puis se change en nécessité, en obligation et enfin, le stade ultime de la névrose, l’obsession morbide, un but dans la vie. Si la Rolex pour le mâle était le signe incontestable de sa réussite (avec gros pénis en option), le sac griffé inabordable en serait l’équivalent pour la femme.

    Mais revenons sur l’attitude et la façon de tenir le dit objet. Mal arboré, cela peut s’avérer désastreux pour celles ou ceux qui tenteraient d’en faire une attitude chic. Premier problème de taille, avec le temps, les sacs à main se sont agrandis tandis que les cerveaux, eux, rétrécissaient. On peut donc à loisir croiser dans les rues des jeunes filles qui semblent s’être jetées avidement sur ce qu’elles ont cru être la nouvelle tendance ou le comble du swagg, sans réfléchir au préalable au le sens même d’une telle démarche.

    Dès que toutes celles qui ont obtenu une longueur de cheveux suffisante et assimilé après un long travail de recherche devant leur miroir les mouvements adéquats pour faire vivre leur double capillaire… ou d’autres encore qui ont appris le maintien, l’élégance et la sobriété en regardant studieusement à la télévision Les Anges Ch’tis de Marseille à Miami, peuvent donc déjà passer à un stade supérieur et s’exercer avec n’importe quel genre de placébo, qu’il soit en plastique, en toile ou autre, petit ou démesuré, en attendant d’avoir un vrai. Elle le laissent ainsi pendre à l’avant-bras toujours infléchi, et à la place de la paire de gants dans la main, désormais, un smartphone dans sa coque protectrice aux mille couleurs de l’arc en ciel.

    Notre époque en est rendue à un tel niveau d’absurdité en tout genre et d’ignorance crasse que sur ce seul exemple du sac à main, il est aisé, par exemple, de voir une jeune fille en survêtement qui, à défaut de posséder un de ces coûteux sacs, n’en exploite que le maintien avec un simple sac en plastique rempli des achats effectués dans un magasin. En province, on dit poche : « je peux avoir une poche pour mettre mes courses, s’il vous plait ?! »… Y en a qui disent aussi pochon… Oui, c’est comme chocolatine, là… Mais bon…

    Cette caricature involontaire où l’on joue à la « madame » a pourtant un avantage évident, celui de muscler le long supinateur, biceps et triceps, avec au bout d’un mois, comme résultat, un bras hypertrophié… (cocasserie). Alors, forcément, à un moment donné, ce phénomène exponentiel va dépasser le cadre fillette-fifille-dadame pour se retrouver aussi chez certains jeunes hommes (oh), envieux sans doute de cette exclusivité féminine. Et là, l’ineptie monte encore d’un cran. Allez, deux…

    Avec le petit Trench ceinturé jusqu’à l’asphyxie, le cheveu court plaqué sur le côté, la silhouette slimmy, les joues creusées et la démarche rapide et saccadée de celui qui n’a pas que cela à faire dans la vie, tous ces vendeurs de grandes enseignes ou de boutiques de luxe, qui ont dégoté tous ces gros sacs en cuir de marque pour une bouchée de pain à des soldes presse ou à des ventes privées, arborent donc leur Prada, Gucci et autres Tom Ford au bout du bras en équerre, abolissant ainsi tout critère de jugement et définitivement toute limite.

    Mais non, il y a sûrement une autre explication, une vérité plus terrible encore. Peut-être qu’ils ne peuvent pas faire autrement parce qu’on les y a tout bonnement obligé. Qui ? Eh bien ces malfaisants qui retiennent leur mère en otage, avec comme seule condition pour leur remise en liberté l’obligation de porter dans la rue, à la vue de tous et de sotte façon, un gros sac à main encombrant, sachant que s’ils ne coopèrent pas, les mamans seront torturées, violées puis exécutées de la pire manière (l’ordre de cette horrible description peut être bien entendu inversé).

    Petit rappel sur l’évolution de l’aspect de cet ustensile sur trois décennies, ainsi que son déplacement géographique sur le corps de son ou sa propriétaire. Tout d’abord, les années 80, avec le sac à dos qui comme son nom l’indique, se positionne… Et oui sur le dos. Dans les années 90, il va se porter en bandoulière et migre alors sur le devant du corps ou sur le côté. Il est communément appelé DJ Bag dans le Marais (à Paris) et Besace (à Saint-Cloud)… Pouvions-nous imaginer que dans les années 2000, ce sac finirait son périple anatomique pendu de manière aussi saugrenue au bout des avant-bras ? « NOOOOON !!! » (foule en colère ralliée à ma cause). Quoi qu’il en soit, on sait maintenant que le ridicule ne tue pas, car si c’était vrai, cela ferait belle lurette que la terre serait devenue un vaste désert.

    Il resterait bien une dernière possibilité pour porter son cabas, sa gibecière, son bagage, son sacotin ou que sais-je encore… Mais je ne suis pas sûr de pouvoir le dire. Allez d’accord, si vous insistez… Là, maintenant, en avant-première, pour peut-être une prochaine mouvance, une nouvelle attitude cool à adopter, une façon, « La Façon » qui ferait que, Ah oui, c’est ça ! Le porter… sur la tête ! Bah, c’est une technique que j’ai en fait chipée à ces femmes ou à ces hommes qui dans certains pays du monde transportent de l’eau ou des choses lourdes ainsi. Un moyen traditionnel, immuable et efficace qui offre paradoxalement à celle ou celui qui l’utilise, une silhouette particulière, une allure altière et gracieuse.

    Imaginez ce spectacle dans les rues de nos villes, femmes et hommes avec leurs vies sur la tête, leurs nécessités, leur but. Et enfin, l’élégance…

     

     

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    [kleo_icon icon= »link » icon_size= »large »] Dévoreur Hubertouzot

    [kleo_icon icon= »link » icon_size= »large »] Hubert Touzot : Photographe dévoreur d’images

     

     

     

  • « 100 Years », le film de John Malkovitch… qui sortira dans 100 ans

     

     

    « 100 Years : The Movie You Will Never See » était présenté à Cannes en mai 2016, sans toutefois y avoir été projeté au public. Au lieu de cela, le film était remisé à l’abri des regards indiscrets, protégé par un système de sécurité très spécial, jusqu’à sa véritable sortie en salle, le 18 novembre 2115…

     

    Oui, le 18 novembre 2115, vous avez bien lu… « 100 Years : The Movie You Will Never See » est un projet à la fois étonnant, original et totalement frustrant, voire agaçant ou dérangeant, selon… John Malkovich et le réalisateur Robert Rodriguez présentait donc le film, dans le cadre du Festival de Cannes 2016, film dont la sortie en salle n’est pas prévu avant novembre 2115, à bon entendeur, salut !

    « 100 Years : The Movie You Will Never See » est le genre de film qui intrigue et qui intéresse, du fait du secret qui plane autour de lui et de l’impossibilité de le découvrir avant une centaine d’années. C’est la marque de cognac de luxe Louis XIII, propriété de la maison Rémy Martin, qui est à l’origine de ce projet fou, qui sera utilisé comme le plus singulier des spots publicitaires… En effet, ce cognac a pour particularité d’être un mariage de 1200 eaux-de-vie de quarante ans d’âge (mariage pour tous), qui une fois mis en bouteille, doit être consommé seulement après 100 ans.

     

    « 100 Years : The Movie You Will Never See » Future Teaser

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    Afin de prolonger ce teasing infernal, l’unique copie du film se trouve ainsi remisée dans un coffre-fort spécial depuis 2015, au siège de Rémy Martin, qui se déverrouillera le 18 novembre 2115, comme nous l’explique Ludovic du Plessis, le directeur exécutif : « Nous voulions un coffre-fort qui s’ouvre d’une manière inédite et jusque-là jamais encore utilisée : grâce à la force du temps. Une fois que la porte est fermée, le compte à rebours commence et il n’y a plus aucun moyen d’ouvrir le coffre, tant que les cent ans ne se sont pas écoulés ».

    L’avant-première, ne rêvez pas, se fera aussi en 2115 et ne sera pas accessible « au commun des mortels »… Seuls ceux qui pourront présenter une invitation en métal seront autorisés à y assister. Il n’y a que mille précieux sésames dans le monde, distribués à diverses personnalités influentes et fortunées qui les transmettrons, à leur mort, à la génération suivante et qui lui permettrons d’assister à cette cérémonie un peu spéciale.

     

    « 100 Years : The Movie You Will Never See » Nature Teaser

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    Dans la bande-annonce du film, Malkovich explique : « L’intention du film, c’est de nous questionner sur l’état du monde dans cent ans ». Le délégué général du Festival de Cannes, Thierry Frémaux, exprimait en 2016 sa confiance dans le projet. « 100 Years est un projet très innovant. J’espère que nos descendants le prendront en compte au moment de décider de la Palme d’Or 2116. »

    Rendez-vous donc en novembre 2115, pour enfin découvrir « 100 Years : The Movie You Will Never See »… Alors, pour nous aider à patienter (car qui sait…), nous pouvons déjà nous rabattre sur les trois teasers, « Future », « Nature » et « Retro »…

    #notcomingsoon

     

    « 100 Years : The Movie You Will Never See » Retro Teaser

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    « 100 Years : The Movie You Will Never See » Featurette

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  • Les stations de Métro fantômes réhabilitées

     

     

    C’est un projet original : réhabiliter les vieilles stations de Métro abandonnées en salles de spectacle, lieux d’exposition, piscine, boite de nuit, restaurants…

     

    Certaines stations ont été abandonnées au lendemain de la Seconde Guerre Mondiale, d’autres ont été construites mais n’ont jamais accueilli aucun voyageur, d’autres enfin servent de centres de formation pour les techniciens de la RATP. Quatorze stations sont ainsi concernées. Un jeune architecte parisien, Manal Rachdi, a imaginé ce que pourraient être ces stations New-Age. Avec Nicolas Laisné, ils ont revisité la station Arsenal et ont mis en image le résultat de leurs recherches.

    Contactée, la RATP n’a pas caché sa réticence à ce projet. Les stations de Métro fantômes vont sans doute alors le rester encore longtemps : squattées, dégradées, elles ne sont plus aux normes et nécessiteraient des investissements colossaux pour être réhabilitées. Actuellement, seuls les adeptes de l’exploration urbaine sillonnent les rails. Un autre projet, celui de la réhabilitation des tunnels de la  voie de chemin de fer de la petite ceinture propose aquariums, salles de cinéma et bars. Quant aux rails, ils pourraient céder leur place à des jardins potagers.

     

     

     

     

     

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    [kleo_icon icon= »link » icon_size= »large »] OXO Architectes

     

     

     

  • Cliff Martinez, du coeur dans les synthés

     

     

    Certaines collaborations entre réalisateurs de films et compositeurs furent plus des alchimies que de simples associations artistiques.

     

    Steven Spielberg et John Williams, Tim Burton et Danny Elfman, David Cronenberg et Howard Shore, Jacques Audiard et Alexandre Desplats, Jacques Demy et Michel Legrand, Sergio Leone et Ennio Morricone… ou Steven Soderbergh et Cliff Martinez.

    Une alchimie, une fusion, les lient les uns aux autres, devenues indissociables de tout processus entre l’écriture du projet et la mise en forme, et ce jusqu’au montage. Tous ces binomes ont chacun une spécificité, à savoir si la musique a été composée pour le film ou le film réalisé pour illustrer la musique.

    On sait par exemple que Sergio Leone tournait avec la musique déjà composée en amont, ce qui lui permettait d’être en parfaite adéquation avec le score de Morricone, ou bien que Williams a toujours eu besoin de voir toutes les images pour coller au mieux au rythme et à la tonalité du film.

    Cliff Martinez, ancien batteur du groupe Red Hot Chili Peppers, commence sa carrière de compositeur en signant la B.O. de « Sexe, Mensonges et Vidéo » de Steven Soderbergh, avec qui depuis il entretient une collaboration étroite, sorte de fil rouge entre tous ses films.

    Le compositeur de la musique de « Solaris » du même Steven Soderbergh, lui-même remake du « Solaris » d’Andreï Tarkovski sorti trente ans plus tôt, a sa propre marque de fabrique, son propre langage. Alliant toujours l’électronique à quelques passages instrumentaux joués avec des instruments classiques, le son est toujours flottant, comme suspendu, ce qui confère au film qu’il illustre ces ambiances si particulières.

    Que cela soit donc pour « Solaris », pour la géniale série « The Knick » ou encore pour trois films réalisés par Nicolas Winding Refn, « Drive », « Only God Forgives » et « The Neon Demon », la musique de Martinez est une protagoniste à part entière des films qu’elle habille.

    Malgré l’emploi des machines et la répétition des samples, il y a une véritable chaleur, une viscéralité qui imprègne chacune des mélopées s’échappant jusqu’à nos oreilles. Sa musique nous enveloppe, nous caresse, nous lèche. Amniotique et sensuelle, sa musique est une femme…

    Pour les plus férus de musiques de films, on peut sans problème dire que Cliff Martinez représente le prolongement de ce qu’avait déjà entrepris Stewart Copeland, l’ancien batteur du groupe Police, qui lui aussi s’était frotté en son temps à cet exercice, avec notamment son chef d’œuvre, la B.O. de « Rumble Fish » (« Rusty James ») de Francis F. Coppola, et cette recherche de sonorités échantillonnées, ouattées et caressantes.

    La musique électronique au cinéma ne naît pas avec Martinez, certes. Avant lui, Wendy Carlos (« Shining », « Orange Mécanique » ou « Tron » en 1982) s’était déjà lancé dans cette direction. Et avant lui Jerry Goldsmith qui dès la fin des années 60 avait expérimenté pour le film « The Illustrated Man » des sonorités étranges jouées par les premiers synthétiseurs de l’époque.

    Si on joue aux archéologues, on peut même remonter jusqu’en 1956 avec le film « Planète Interdite » dans lequel Louis et Bebe Baron inventent une sorte de symphonie électronique à l’aide d’un appareil appelé le Ring Modulator, l’ancêtre du synthétiseur. Il s’agit là du tout premier film de science fiction de cette ampleur et de la première bande originale entièrement obtenue avec des sonorités électroniques.

    A Hollywood aujourd’hui, et même en France d’ailleurs, il est à déplorer cette frilosité excessive concernant la place de la musique dans le processus d’un film. Trop de facilité avec le sempiternel recours au symphonique ou à d’hideuses illustrations violonneuses.

    Bref, un nouveau score de Cliff Martinez, c’est donc toujours l’excitation au rendez-vous, et la découverte de ce qu’il aura encore sorti de son chapeau pertinent pour nous ravir.

     

     

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    [kleo_icon icon= »link » icon_size= »large »] Dévoreur Hubertouzot

    [kleo_icon icon= »link » icon_size= »large »] Hubert Touzot : Photographe dévoreur d’images

     

     

     

  • H.P.Lovecraft, l’innommable dompté

     

     

    Sans H.P. Lovecraft, il n’y aurait ni Steven King, ni John Carpenter, ni Clive Barker.

     

    En clair, il n’y aurait aucun de ceux qui, à partir des années soixante jusqu’à nos jours, ont écrit ou réalisé sur les thématiques du fantastique insondable, de l’horreur viscérale, de l’abomination comme échelle de valeur. De tout ce qui fait peur de manière la plus irrationnelle.

    Cet écrivain qui ne rencontrera jamais la consécration de son vivant a tout de même bâti une nouvelle mythologie à base de déités funestes et antédiluviennes, d’êtres et d’organismes ignobles aux intelligences supérieures qui, tapis dans les ténèbres, peuvent attendre des millénaires avant de refaire surface parmi les humains. De revenir enfin et de prendre leur revanche sur l’homme et sa sotte supériorité.

    Howard Philip Lovecraft est une sorte de pendant à Edgar Allan Poe, dans la mesure ou l’autre écrivain américain, son aîné, auteur de « L’enterré vivant », créait la peur avec toujours une explication rationnelle à la fin de ses récits. Lovecraft, quant à lui, développe sur des bases rationnelles des récits qui progressivement glissent vers l’innommable et l’impensable, qui se terminent toujours sur des explications et des révélations qui dépassent l’entendement, avec la folie de tous ceux qui ont voulu comprendre, comme seul échappatoire.

     

    Perdre la raison parce que la vérité était d’ordre cosmique et infini…

     

    Lovecraft, c’était l’art de faire avec du vieux (fantôme, vampire, bestiaire horrifique et autres lieux hérités de la grande période littéraire gothique) de nouveaux récits, et redéfinir entièrement la syntaxe même de l’art du récit d’horreur. Parce que le génie ou la folie de cet auteur était d’inclure pratiquement tous ses écrits non pas dans des romans ou des nouvelles, ou encore des contes uniques et indépendants, mais en une grande, vaste et même histoire. Et faire croire que tout ce qui était conté était vrai, plausible, là, à quelque kilomètres de chez vous.

    C’est cela qui rend l’ensemble, même aujourd’hui, si effrayant, si bluffant, quant à savoir si cela est vrai finalement ou pas. C’est cette manière ordonnée, précise dans l’écriture, où les faits sont classés un à un de manière si rigoureuse, si implacable.

    Le créateur du Nécronomicon réussit donc non seulement à inventer un nouvel alphabet avec le principe de faire peur, mais il va encore beaucoup plus loin puisqu’il remet en cause toute notre histoire humaine, notre monde, notre univers tel que nous le connaissions jusqu’à présent. Jamais donc auparavant un auteur, un romancier, aura eu cette arrogance, cette pertinence et ce degré de folie, surtout par le thème qu’il aborde : le récit fantastique.

    Dans la réalité, Lovecraft semblait être un pur produit de son époque, soit un blanc américain, raciste, antisémite, vivant dans la peur absolue de l’autre, de celui qui est différent ou qui vient de l’étranger, d’une autre culture. Bref, Lovecraft, c’était les années d’avant la deuxième guerre mondiale, avec la montée du nazisme, la grand dépression, la crise et la pauvreté qui frappaient tout le monde. Vous me direz que tout cela n’a pas vraiment changé aujourd’hui, mais à la différence que cet écrivain, sans vraiment le savoir, s’est nourri de ses propres névroses, de son cortège de phobies dans lequel il stagnait, pourrissait, pour finalement accoucher en partant de l’horreur ordinaire à une horreur supra-humaine.

     

     

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    [kleo_icon icon= »link » icon_size= »large »] Dévoreur Hubertouzot

    [kleo_icon icon= »link » icon_size= »large »] Hubert Touzot : Photographe dévoreur d’images

     

     

  • M Comme Manfred…

     

     

    Si le transhumanisme s’est surtout illustré au cinéma sous la houlette de l’acteur Arnold Schwarzenegger, c’est avec Thierry Mugler, désormais prénommé Manfred, que ce processus de transformation corporelle s’est exprimé de manière la plus spectaculaire, pour ne pas dire monstrueuse…

     

    Quand l’acteur de Terminator ne représentait qu’une fiction de l’homme supérieur, customisé dans le cadre de films de science fiction, par le biais d’une sublimation de l’homme cyborg invincible, Mugler alias Manfred a quant à lui réellement sauté le pas pour devenir autre chose. Bien qu’ayant gardé la même voix et sans doute aussi les mêmes caractéristiques psychologiques, il arbore depuis plus de dix ans cet aspect tout droit sorti du comics « Sin City » de Frank Miller. De cette enveloppe frêle de danseur classique avec la coupe au bol qu’on lui connaissait dans les années 80, le créateur du parfum Angel s’est peu à peu métamorphosé, nous entraînant dans une singulière expérience, qui est aussi celle partagée par ceux qui le croisent sur leur chemin, celle d’affronter du regard l’étrangeté « über mann », l’autre, cette différence outrée, cette curiosité.

    Avec Jean-Paul Gaultier, Azzedine Alaïa et Claude Montana, en leur temps, l’homme qui fera révéler plus tard le véritable talent caché de Cindy Sanders, avait cassé le moule d’une mode comme on l’entendait à l’époque. Il souhaitait, au delà du simple fait de surprendre ou d’apporter sa pierre à l’édifice, se servir de l’afféterie du monde des vêtements de luxe pour exprimer son penchant pour l’architecture, le grandiloquent, le spectaculaire, mais aussi une certaine noblesse trouvée dans la vulgarité et un esprit comics et pop. Ses robes tapageuses ne soulignaient pas spécialement une femme qui serait bien faite. Cela lui était égal, qu’elle soit bien faite, car ce qu’il recherchait avant le confort vestimentaire, c’était la représentation permanente, le show, le « Wouah », le « Oh lala, c’est dingue ».

    Paradoxalement, ses créations pour les hommes n’ont jamais été à la hauteur de ce qu’il a pu imaginer pour les femmes. On se souviendra de vestes sages, peut-être aussi de ce col Mao porté par Jack Lang à l’Assemblée nationale en 1981, mais avec le  recul, le reste paraît terriblement daté ou en demie-teinte. Non, c’est seulement et réellement la représentation féminine comme seule source d’inspiration pour créer des pin-up insectoïdes, des amazones futuristes, des mutantes reptiliennes, qui poussa et poussera encore Mugler alias Manfred à oser Joséphine.

    Aujourd’hui, Manfred est donc ce producteur de shows impressionnants à l’âge gommé, devenu à l’instar de Karl Lagerfeld, une créature, un pur control freak qui tyrannise sa propre vie par unique souci de laisser une trace sur terre après sa mort. Une trace baroque, un reflet déformant, Felliniesque…

     

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  • Diamants sur canapé | Episode 3

     

     

    La Fête…

    « 5ème Avenue, 5 heures du matin, Audrey Hepburn, Diamants sur canapé et la genèse d’un film culte » par Sam Wasson – Sonatine Editions – 2010 (Extraits)

     

    Le tournage n’a duré qu’une semaine à New-York. Le temps des scènes chez Tiffany et de quelques extérieurs. Tout le reste du film fut tourné à Los Angeles dans les studios de la Paramount. On dit que miss Hepburn aurait amené pas moins de trente-six valises ainsi que son mari, Mel Ferrer et leur fils de dix mois, Sean. On logea toute la petite famille dans une maison de Coldwater Canyon.

     

    25:17 : La fête bat son plein.

    Pour filmer la scène de la fête, Blake Edwards a l’idée d’en organiser une vraie, pour mettre les acteurs « en condition ». Rien de tel pour filmer « sur le tas » de vraies scènes de comédie hilarantes. Il s’agissait de laisser libre cours au naturel. Cette petite sauterie dura pas moins de huit jours pleins. Blake Edwards voulait de vrais acteurs pour cette scène, pas des figurants. C’est ce qu’il avait demandé au bureau de casting. Pas de grands acteurs, non, mais des acteurs de seconds rôles qui seraient capables, le moment venu, de tourner plusieurs prises d’une situation cocasse observée durant la fête. « Convaincre le studio de rémunérer des acteurs jusqu’à 125 dollars par jour quand les figurants sont beaucoup moins chers ne fut pas facile à négocier ». Il fallut une semaine, du 2 au 9 novembre, à Blake Edwards pour avoir la matière suffisante à une scène qui durerait 13 minutes dans le film. Il fallut également engager une chorégraphe, afin que chaque morceau de fête, chaque personnage mis en avant, chaque scène soit organisée et les déplacements orchestrés.

    Blake eut certaines idées, comme celle du téléphone dans la valise, du fou rire devant la glace ou de la douche. D’autres fois, il demandait aux acteurs d’improviser, comme pour la scène de la dispute. Ou encore, les idées étaient saisies au bond, comme celle de tenir ses chaussures à la main lorsqu’on a trop mal aux pieds. Blake Edwards avait organisé une vraie fête, et comme dans toutes les fêtes, certains acteurs avaient des coups de barre qui étaient filmés au vol. Une autre fois, Georges Peppard pinça les fesses de Joyce Meadows qui dansait moulée dans une robe blanche. Elle poussa un cri et la scène fut enregistrée. On ne savait jamais à quoi s’attendre !

    La scène de la chute, quant à elle, faillit tourner au drame. « Cette fois c’était l’actrice Dorothy Whitney qui s’y collait ; elle interprétait Mag Wildwood et devait tomber directement devant l’objectif en gardant les bras le long du corps. Cette pitrerie fut un véritable cauchemar pour l’actrice. Elle était terrorisée. – Je n’y arrive pas, je n’en suis pas capable ! Disait Dorothy. Blake a insisté jusqu’à ce qu’il obtienne gain de cause. » Il a fallu plus de treize prises.

    Quand Audrey Hepburn arriva sur le plateau numéro 9 de la Paramount début du mois de novembre 1960, la fête battait son plein depuis déjà plusieurs jours. 540 litres de thé glacé et de Canada Dry, de la viande froide, des sandwichs, plus de 60 cartouches de cigarettes et 20.000 dollars de frais de production. « Il y avait du monde partout ! ». On avait fait venir un enfumoir à abeilles pour recréer l’ambiance enfumée d’une fin de soirée. Audrey était coiffée d’une choucroute énorme parsemée de mèches blondes décolorées. « Entre les scènes, elle était douce, modeste et gentille avec tout le monde. Certaines stars regagnent leur loge entre les prises, mais pas elle. »

    La scène fut une réussite. A tel point que Blake et le scénariste Tom Waldman décidèrent d’en faire tout un film : c’est comme ça qu’est née l’idée de « La Party ».

     

     

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  • Diamants sur canapé | Episode 2

     

     

    Les croissants…

     

    « 5ème Avenue, 5 heures du matin, Audrey Hepburn, Diamants sur canapé et la genèse d’un film culte » par Sam Wasson – Sonatine Editions – 2010 (Extraits)

     

    Dimanche 2 octobre 1960. New-York, 5ème Avenue, il est 5 heures du matin. La rue est déserte. Il fait froid. Audrey Hepburn, oscarisée pour son rôle dans « Vacances Romaines », s’apprête à tourner la toute première scène de « Diamants sur canapé », sous la réalisation de Blake Edwards. Une comédie ! Elle n’a jamais joué dans une comédie et malgré l’heure matinale, nerveuse, fume cigarette sur cigarette. Elle attend dans un taxi jaune l’ordre de tourner. Dans sa main, un sac en papier brun. « Action ! »

     

    Un taxi jaune apparaît. Il s’arrête le long du trottoir, devant une boutique au N°727 de la 5ème Avenue. Une jeune femme en descend, claque la portière. Elle porte une robe noire, un collier de perles, des gants noirs, des lunettes de soleil malgré l’heure matinale. Elle est coiffée d’un chignon. Sans doute rentre-t-elle d’une soirée chic. Elle lève la tête vers l’enseigne : « Tiffany ».

    « Ca tourne » ! Le second assistant-réalisateur fait signe au chauffeur de taxi qui démarre. La rue avait été spécialement évacuée pour la scène. Il fallait faire vite. Le soleil brillerait bientôt bien trop haut pour illustrer un matin aux aurores. De plus, le premier ministre soviétique, Nikita Khrouchtchev, devait faire une apparition sur cette même 5ème Avenue à 7h30 précises. Cela ne laissait donc que deux heures pour tourner. Mais Audrey Hepburn ne souhaite pas bâcler la scène. Elle se dit que si Holly, la call-girl dont elle joue le rôle, ne se sent chez elle que chez Tiffany, alors il lui faut prendre son temps et savourer cet instant comme un pur moment de bonheur. Aussi, plutôt que de s’approcher tout de suite de la vitrine, choisit-elle de s’arrêter au bord du trottoir et de lever les yeux. Blake Edwards ne lui avait-il pas demandé de se fier à son intuition là où d’autres réalisateurs exigeaient un mot-à-mot parfait ?

     

    0:48 : La jeune femme avance à petits pas telle une geisha vers la vitrine du magasin. Elle regarde les bijoux.

    Sam Wasson raconte : « Il avait fallu coudre deux robes uniquement pour ces quelques secondes. Une pour déambuler devant le magasin, fendue sur le côté afin de lui permettre de se déplacer, l’autre pour les scènes statiques, tellement ajustée qu’elle ne lui permettait aucun mouvement. Audrey devait enfiler les deux robes alternativement. »

     

    1:02 : La jeune femme tient dans sa main un petit sac de papier dont elle sort un croissant qu’elle met à la bouche et un gobelet contenant un café.

    « Comment allait-elle faire pour avaler ce truc ? Audrey ne voulait pas faire d’histoire mais elle avait les viennoiseries en horreur et avait demandé à Blake si cela le dérangerait qu’elle déambule devant la vitrine de Tiffany en mangeant plutôt un cornet de glace. Mais il avait refusé. Evidemment, sa décision était entièrement justifiée. C’était l’heure du petit déjeuner après tout et ce ne serait pas vraisemblable. »

     

    2:22 : La jeune femme jette la pochette en papier dans une poubelle avant de s’éloigner sur le trottoir. Le générique prend fin.

    « Les badauds commençaient à s’attrouper déjà par groupes de deux ou trois, et, un court instant plus tard, ce qui n’était au début qu’un petit attroupement s’était mué en une foule de curieux ». Sur une photo, on voit la foule prendre des photos du tournage, sur le trottoir d’en face. C’était la première fois qu’on tournait un film à l’intérieur du magasin Tiffany. Cet exploit avait necessité six longs mois de tractations et la contrepartie, c’était Audrey ! « Laisser une équipe entière s’installer parmi certains des bijoux les plus coûteux de la planète représentait un défi logistique et un cauchemar pour les assureurs, certes, mais d’un point de vue promotionnel, cela représentait une opportunité en or pour le joaillier. Il n’y avait qu’à mettre le collier Schlumberger au cou d’Audrey et de laisser les photographes la mitrailler. » Et en effet, c’est ce qui se passa. Audrey Hepburn fut photographiée dans la boutique Tiffany avec à son cou le collier créé par Jean Schlumberger, au centre duquel se trouvait le plus gros diamant jaune du monde, de 8 centimètres de diamètre pour un poids de 128,54 carats. « Jusque là, le collier n’avait été porté que par une seule femme, Madame Sheldon Whitehouse, épouse d’un sénateur qui avait présidé le bal donné par Tiffany en 1957. »

    Ce bijou apparaît brièvement à l’écran, protégé derrière une vitrine, dans la scène où Holly et Paul font graver la bague trouvée dans un paquet de friandises.

     

    65:26 : « Il m’est arrivé de remonter la 5ème Avenue très souvent, mais c’était la nuit. Est-ce que vous aimez Tiffany ? Ce n’est pas magnifique ? Il semble que rien de désagréable ne peut arriver dans un magasin de ce genre. En réalité je me fiche des bijoux, à part les diamants, bien entendu. Regardez ça ! Qu’est-ce que vous en dites ? Bien sûr, je serais insensée de porter des diamants avant 40 ans. »

     

     

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  • Diamants sur canapé | Episode 1

     

     

    Histoire de la Petite Robe Noire…

     

    « 5ème Avenue, 5 heures du matin, Audrey Hepburn, Diamants sur canapé et la genèse d’un film culte » par Sam Wasson – Sonatine Editions – 2010

    Le film « Diamants sur canapé » de Blake Edwards (1961) n’aurait jamais dû voir le jour en raison de son sujet sulfureux pour l’époque. Audrey Hepburn y campe une call-girl, Holly Golightly, inspirée de la mère du romancier Truman Capote. Le scénario, rédigé par George Axelrod (« Sept ans de réflexion ») est tiré de la nouvelle éponyme « Breakfast at Tiffany’s ». A l’époque, Audrey Hepburn dans un rôle de garce généralement alloué à Bette Davis, c’est une révolution. Parce que c’était elle, soudain, vivre seule, sortir, avoir l’air sublime, boire un petit coup de trop et être célibataire ne semblait plus honteux mais amusant. Le film fut un véritable succès. Parce que c’était elle, et aussi, grâce à une certaine petite robe noire.

    La costumière, Edith Head, avec huit Oscars à son actif, était une institution à la Paramount. Elle fit la connaissance d’Audrey Hepburn sur le tournage de « Vacances Romaines ». Elle avait l’habitude de tourner avec Grace Kelly, celle « qu’elle préférait habiller » car elle avait une beauté emblématique des années 1950 : « Elle avait le tour de taille idéal, les sourcils parfaitement dessinés et rentrait tout naturellement dans le moule ». Audrey, c’était une autre histoire ! Il fallait dissimuler son cou grêle derrière des foulards ou des colliers, élargir sa carrure pour mettre son visage en valeur, cacher ses bras trop frêles sous des manches, ses jambes d’échalas sous des jupes longues et sa petite poitrine en attirant le regard sur sa taille de guêpe. Sans parler de ses sourcils trop épais…

    Pour le film « Sabrina », en 1954, Billy Wilder avait demandé à un jeune couturier parisien de 26 ans (Audrey en avait 24), Hubert de Givenchy, de transformer la jeune fille normale de Long Island en élégante parisienne. Deux brindilles se rencontrent donc au 8 Rue Alfred de Vigny, l’une de deux mètres de haut et l’autre de 1m73, aux mensurations peu généreuses : 80–55–80. Une robe de cocktail noire au décoletté en V dans le dos, tenue par deux petits nœuds aux épaules, transforma Audrey en icône de la mode et en muse de Givenchy.

     

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    Durant l’ère victorienne, le noir était presque exclusivement réservé au deuil. C’est la couleur qui était associée à la féminité et à la séduction : il fallait que la femme attire le regard de l’homme. Dans les années 1920, les garçonnes se glissent dans les robes-tubes de satin noir. Chanel s’empare de ce concept de modernisation et la petite robe noire se démocratise. Après le Krach boursier, elle devient le symbole de la nouvelle austérité. Et après la guerre, Dior en fait, à Paris, un signe de luxe et d’élégance. Mais dans le cinéma hollywoodien des années 1950, c’est encore la couleur qui représente l’emblème de la féminité, le noir étant réservé aux femmes vénéneuses, les vamps qui font souffrir et par qui le malheur arrive (« Gilda » avec Rita Hayworth). En 1960, Hubert de Givenchy reçoit le script de « Diamants sur canapé » :

     

    « La portière du taxi s’ouvre et une fille en descend. Elle est vêtue d’une robe de soirée décolletée dans le dos et porte, en plus de son sac à main, un sac en papier brun. »

     

    La scène avait lieu au petit matin. Et Audrey était l’archétype de la fille saine et gentille : porter du noir, à New-York, alors que Holly est une fille toute simple du Texas qui ne connaît rien à la mode parisienne et n’a pas d’argent ! C’était du jamais vu. Grâce à cette scène de « Diamants sur canapé », le glamour devint accessible aux femmes de milieu modeste : n’importe qui pouvait devenir chic grâce à la petite robe noire. Pendant que Doris Day s’amusait avec des motifs floraux sur fonds de bleu et de rose, Audrey Hepburn osa la robe noire qui symbolisait le pouvoir et l’expérience sexuelle. Sur elle, cette couleur devint sophistiquée et glamour. Des millions de femmes allaient se rendre compte qu’elles pouvaient s’approprier ce qui jusque là était réservé aux femmes très riches s’habillant chez les grands couturiers français. De par sa simplicité, la petite robe noire, facile à coudre à la maison, allait entrer dans tous les foyers.

     

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