Catégorie : Photographie

  • La nouvelle monographie de George Byrne, « Post Truth »

     

     

    Los Angeles, la ville où se fabriquent les rêves, est de nouveau mise à l’honneur dans un magnifique Technicolor, dans le cadre du lancement de la nouvelle monographie de George Byrne, « Post Truth », qui présente des photographies de paysages urbains de la mégapole californienne. A découvrir sans modération…

     

    Les images acidulées de « Post Truth » sont le fruit de cinq années de travail assidu de l’artiste australien George Byrne, qui s’est installé dans la Cité des Anges en 2014. « Ces cinq années marquent pour moi une période de création frénétique », déclare-t-il, « une période durant laquelle ma vie de tous les jours a complètement changé. Je suis passé de la condition de serveur dans des cafés ici à LA… à celle d’artiste à plein temps, avec deux ou trois expositions par an dans des galeries de différents pays. Les images du livre illustrent d’ailleurs cette évolution ».

    On peut ainsi considérer la série « Post Truth » comme une sorte de témoignage du photographe qui apprend à connaître son nouvel environnement. On le voit, au fil de ses pérégrinations urbaines, tomber amoureux d’une ville, de son architecture issue directement de la culture automobile du sud de la Californie, de sa lumière caractéristique, de sa flore emblématique et de ses façades blanchies par le soleil.

    Pour en savoir plus sur le processus créatif de l’artiste, il suffit d’admirer les clichés de George Byrne, qui évoluent de la capture brute de la ville à des compositions de rêve, aux couleurs pastel. Les textures, les surfaces et les paysages se mélangent pour composer des œuvres d’art abstrait, dans un style dont l’artiste né à Sydney est devenu l’un des ambassadeurs les connus et reconnus au monde.

    Ian Volner, auteur de la préface du livre, écrit ainsi : « Ce que Byrne parvient à induire est un état mental étrangement familier, une rencontre avec la ville, un frisson que seuls ceux qui ont eu l’occasion de passer un après-midi solitaire à Las Palmas ou dans la partie orientale de Chinatown, ou encore de remonter North Gower à cinq heures, sous l’obscurité croissante des collines, ont pu ressentir ».

    George Byrne a fréquenté le Sydney College of the Arts, puis beaucoup voyagé, avant de s’installer à Los Angeles en 2014 – où il vit et travaille désormais. Ses photographies à grande échelle dépeignent la beauté derrière l’ordinaire quotidien. L’artiste fait référence aux lignes épurées, à la netteté et à la clarté du modernisme, tout en évoquant également la photographie urbaine du mouvement New Topographics dans les années 70.

    Ces magnifiques photos sont à découvrir dans l’ouvrage « Post Truth » de George Byrne, sorti en octobre 2020.

     

     

     

     

     

     

     

     

     

     

     

     

     

     

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    [kleo_icon icon= »link » icon_size= »large »] George Byrne Officiel

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  • 1979, l’année qui changea le monde, Episode 10 : Le deuil des sacrifiées

     

    [kleo_pin type= »circle » left= »yes » right= » » top= » » bottom= » »]          « FOCUS » : un article de fond sur un thème que nos rédacteurs ont sélectionné.

     

     

    L’année 1979 est définitivement une année-charnière, comme la fin d’un cycle. Elle scelle le sort des dernières utopies. Le monde prend une pelle et enterre à la hâte les cadavres encore fumants de nos illusions perdues. Après 1979, rien ne sera plus vraiment comme avant…

     

    Coincée à la fin d’une décennie qui paraît un peu creuse, durant laquelle les dirigeants politiques semblent manquer de charisme (le pâle Carter face au cowboy médiatique Reagan, VGE après De Gaulle et Pompidou), l’année 1979 n’attire décidément pas les flashes. Et pourtant… Que d’événements considérables ont eu lieu cette année-là, autant de tremblements qui ont marqué la face du monde et dont on ressent encore les répliques quarante ans plus tard.

    Révolution iranienne, arrivée de Saddam Hussein au pouvoir en Irak, début de la Guerre d’Afghanistan qui mènera à la chute de l’URSS et à l’apparition du terrorisme islamiste, second choc pétrolier et crise économique mondiale, paix entre Israël et l’Egypte, fin des Khmers Rouges… Il n’est pas insensé de penser que 1979 a en réalité été l’année la plus importante de l’après-Seconde Guerre Mondiale.

     

    En 1979, Reza et son frère Manoocher ont photographié la révolution iranienne. Pour Arte Reportage, ils exhument et commentent aujourd’hui 40 photos réalisées dans les premières années de la jeune révolution. Leur pays vivait alors des moments historiques. L’islam radical s’installait au pouvoir et le monde ne serait plus jamais comme avant. C’était il y a 40 ans.

     

    « Prison d’Evin, 1983. Cette image est peut-être belle mais elle est en même temps si triste… Ces jeunes filles étaient prisonnières depuis plusieurs années parfois. Certaines étaient des opposantes au régime, mais pas toutes. Contraintes de porter le tchador, elles étaient obligées de prier et de chanter à la gloire de Khomeiny. Je me demande ce qu’elles sont devenues. On ne le saura jamais. » (Rachel Deghati)

     

    « Je me souviens très bien de ce jour, quand je suis rentré dans cette prison. La prison d’Evin en Iran, une des prisons les plus redoutables au monde… Parmi les milliers de prisonniers qui y étaient enfermés, très peu ont survécu. Il y avait des milliers de jeunes femmes, de jeunes garçons, qui avaient été arrêtés dans la rue, pour avoir dit un mot contre Khomeini ou contre l’Islam. » (Manoocher Deghati)

     

    « Sur cette photo, on voit le visage triste de ces jeunes filles. La composition de l’image est peut-être belle, mais je suis content que ça renvoie aussi un message de tristesse. Parce que la plupart d’entre elles ont été exécutées. Dans la loi islamique, on ne peut pas exécuter des femmes vierges. Il faut donc les violer avant de les exécuter… C’est un des aspects les plus horribles de cette loi. » (Manoocher Deghati)

     

     

     

    [kleo_divider type= »full » double= »no » position= »center » text= »Pour aller plus loin » class= » » id= » »]

    [kleo_icon icon= »link » icon_size= »large »]  Arte Reportage : « Iran, au coeur de la révolution » 

    [kleo_icon icon= »link » icon_size= »large »]  Arte Reportage : « Le Deuil des Sacrifiées » 

     

     

     

  • Boulevard du Temple, Paris (1838) by Daguerre

     

     

    Cette photo d’une rue à première vue déserte est un morceau d’histoire de la photographie. On la doit à Louis-Jacques-Mandé Daguerre, l’un des pionniers de la discipline. Il s’agit de l’une des toutes premières photos du monde. Et plus précisément, d’un daguerréotype, une plaque de cuivre, polie comme un miroir et recouverte d’une couche d’argent.

     

    Nous sommes Boulevard du Temple, à Paris. Il est environ 08h00, par un beau matin ensoleillé d’avril ou mai 1838. L’image, d’environ 13 x 16 cm, a été prise depuis la fenêtre de l’atelier de l’artiste, au 5 rue des Marais, à proximité de l’actuelle place de la République.

    Si cette photo est admirable, c’est parce qu’il s’agit probablement de « la première photographie de l’histoire où figurent des êtres humains », selon l’historien Larry J. Schaaf, auteur d’un article publié dans l’ouvrage collectif « Tout sur la photo, Panorama des mouvements et des chefs d’œuvre » (paru chez Flammarion en 2012).

    A première vue, la rue semble déserte. Mais si l’on y regarde de plus près, on aperçoit des passants, et même des voitures et des charrettes qui se pressent ce matin-là sur le boulevard. Malheureusement, le procédé du daguerréotype nécessite un temps de pose d’une durée de 7 à 20 minutes. Ce qui réduit en l’occurrence la foule « à l’état de fantômes », comme le résume Larry J. Schaaf. Et regardez de plus près encore… Un homme est bien visible, en bas, à gauche de l’image. Vous l’avez ?

     

     

     

    Cet homme, la jambe levée, se fait en réalité cirer les bottes ou les souliers par un second personnage, plus petit. Peut-être un enfant. « Ces personnages, immobiles par nécessité, ont sans le savoir pris la pose pendant plusieurs minutes, alors que la foule des passants est trop mouvante pour que son image puisse être capturée par l’appareil », explique Françoise Ravelle, dans « Paris vu par les pionniers de la photo » (Parigramme).

     

    « C’est involontaire. C’est un sujet imprévu qui apparaît. Et c’est contraire à la production même des images de l’époque où quand on représente un sujet, c’est forcément volontaire, que cela soit dans la peinture ou la sculpture. La photo du boulevard du Temple est en cela très emblématique de l’art de la photographie. » (André Gunthert, le rédacteur en chef de la revue « Etudes Photographiques »)

     

    Cette fascination pour ce premier « photobomb » de l’histoire de la photo n’est pas récente. Dès 1839, Samuel Morse, l’inventeur du télégraphe, à qui Louis Daguerre a montré la photo, est complètement subjugué. Dans une « Lettre de Paris » publiée en avril 1839 dans le « New York Times », il écrit :

     

    « Les objets en mouvement ne s’impressionnent pas. Le boulevard, si constamment rempli d’une cohue mouvante de piétons et de voitures, était parfaitement désert, à l’exception d’un individu qui était en train de faire cirer ses bottes. Bien entendu, ses pieds durent rester immobiles pendant un moment, l’un posé sur la boîte du cireur, l’autre sur le sol. En conséquence, ses bottes et ses jambes ont été bien définies, mais il n’a ni corps ni tête, car ceux-ci étaient en mouvement. »

     

    Précisons ici que l’image que nous connaissons n’est qu’une copie de mauvaise qualité. Le cliché vu par Samuel Morse était beaucoup moins contrasté, tout en nuances de gris. Alors que l’image actuelle ressemble presque à une photocopie, sur laquelle l’homme apparaît paradoxalement plus nettement.

     

    D’autres personnages ?

    La photo du boulevard du Temple fut offerte à Louis Ier de Bavière, au sein d’un triptyque également composé d’une photo de statues et d’un second cliché du boulevard du Temple, pris celui-ci à midi, sans qu’aucun personnage ne se soit arrêté suffisamment longtemps pour apparaître sur l’image.

     

     

     

    Le daguerréotype, exposé à Munich dès le mois d’octobre 1839, survécut au bombardement de la ville durant la Seconde Guerre Mondiale mais fut presque entièrement décapé… lors d’une tentative de nettoyage, vers 1960, raconte Larry J. Schaaf. Heureusement, un négatif de l’image avait été réalisé en 1937 et une copie du daguerréotype fut recréée en 1979. Laquelle est depuis de nouveau exposée à Munich.

    En 2010, l’article d’un journaliste américain a fait resurgir la photo sur le devant de la scène. Ce journaliste scientifique de la radio publique américaine NPR, Robert Krulwich, avait en effet consacré un article à une photo prise à Cincinnati en 1848, qu’il pensait être la plus ancienne photo d’un être humain. Un lecteur avisé lui a toutefois signalé l’existence de la photo de Louis Daguerre, plus vieille de 10 ans, à laquelle le journaliste a donc également consacré un article, relayé par Slate.fr à l’époque.

    Poussé par la curiosité, un autre lecteur de Robert Krulwich, Charles Leo, analyse l’image plus en profondeur, la « nettoie » pour révéler plus de détails, avant d’en faire une version colorisée et annotée. Publié sur son blog, le travail de cet amateur, patron d’une entreprise spécialisée dans les illustrations en 3D d’architecture, auquel les internautes sont invités à collaborer, permet de révéler que l’homme qui se fait cirer les bottes et son cireur ne sont pas seuls sur la photo. Au total, une petite dizaine de personnes seraient même visibles sur le cliché, si on en croit Charles Leo.

     

     

     

    A commencer par une ou deux personnes, assises sur un banc à droite, mais également deux ou trois personnes sur le trottoir de gauche, dont un jeune enfant avec un chien. Il croit aussi distinguer une calèche sur la route, ainsi qu’un chat ou un enfant à une fenêtre. Il fait par ailleurs l’hypothèse que l’homme dont on dit qu’il se fait cirer les chaussures pourrait en réalité être en train d’actionner une pompe à eau, comme l’attesteraient les deux formes rondes, des seaux, à côté de lui.

    Une théorie qui n’est pas privilégiée par les spécialistes de Daguerre, pour qui c’est un jeune arbre, placé juste devant le cireur de chaussures qui prêterait à confusion. Quant aux formes rondes, peu de chance qu’il s’agisse de seaux, car elles sont également présentes sur l’autre photo du boulevard présente dans le triptyque. Or cette fois, aucun personnage ne se trouve à côté d’eux.

     

     

     

    Encore un détail : à quelle saison la photo a-t-elle été prise ? Etant donné la présence d’arbres dénudés et garnis côte à côte, Charles Leo envisage que la photo ait été prise à l’automne. Raté ! On l’a vu, c’est en réalité au printemps que le cliché a été réalisé. Un des contributeurs du projet croit par ailleurs déduire de la longueur des ombres des arbres et de leur direction que la photo a été prise entre 3 et 4 heures de l’après-midi.

    Reste qu’un détail a échappé à ce lecteur attentif : les daguerréotypes prennent des photos… en miroir ! Voilà donc la vue que Daguerre avait en réalité de la fenêtre de chez lui… Les ombres partent donc vers l’ouest et nous sommes bien le matin, autour de 08 heures.

     

     

     

    Une photo pionnière, mais peut-être pas « la première »

    L’histoire de la photo du boulevard du Temple est magnifique. Mais la légende semble un peu trop belle pour être totalement vraie. Le cliché a en effet peu de chance d’être réellement la première photo sur laquelle figure un être humain. Car même en mettant de côté les revendications de divers inventeurs de l’époque (comme celle du Français Hippolyte Bayard, qui assure avoir réalisé des autoportraits dès 1837), dont les œuvres ne sont malheureusement pas parvenues jusqu’à nous, plusieurs photos pourraient bien détrôner le boulevard du Temple dans ce « concours ». Mais elles sont cependant toutes attribuées à Daguerre…

     

     

     

    C’est une petite image de 5,8 cm sur 4,5 cm. Un petit miroir aux tons laiteux qui tient dans le creux de la main. Mais pour son possesseur, « c’est le Saint-Suaire photographique ». Vers la fin des années 80, le marchand d’art et expert Marc Pagneux achète cette image au marché aux puces de Vanves. Au dos du cadre, une inscription : « M. Huet, 1837 ». On distingue également les premières lettres de la signature de Daguerre.

    La date est surprenante, voire problématique : personne ne pensait jusqu’alors que quiconque ait pu fixer le moindre portrait avant les années 1840, le temps de pose étant beaucoup trop long. Personne n’était par ailleurs capable de retracer le parcours de la photo l’ayant conduite de Daguerre aux puces de Vanves.

     

     

     

    Pourtant, Jacques Roquencourt, très certainement le plus grand spécialiste de Daguerre, et André Gunthert, le rédacteur en chef de la revue « Etudes Photographiques », dans laquelle est révélée, en 1998, l’existence de cette pièce incroyable, sont convaincus qu’il s’agit bien d’un portrait réalisé par Daguerre lui-même, avant le boulevard du Temple.

    Ils s’appuient pour cela sur plusieurs éléments : une lettre de Daguerre à Isidore Niépce, datée du 17 janvier 1838, dans laquelle il affirme avoir réalisé des essais de portraits « dont un est assez bien réussi » ; l’aspect matériel de l’objet, qui rappelle celui des autres exemples d’essais connus et datés de l’inventeur et enfin des reconstitutions procédurales effectuées par Jacques Roquencourt, dans les conditions du procédé de Louis Daguerre et avec un objectif similaire à celui de l’inventeur du daguerréotype.

     

    « Il y a très peu d’humains sur les daguerréotypes de Daguerre. Qui aurait alors eu l’idée d’inscrire une date pareille sur un daguerréotype ? Ce n’est pas crédible. Personne d’autre que Daguerre n’a pu écrire une telle date. Je reste donc persuadé que le portrait de M. Huet est un candidat crédible au titre de première photo d’un être humain ! » (André Gunthert)

     

    Dès la fin des années 1990, Marc Pagneux est donc convaincu de détenir la première photo au monde d’un être humain. Un bien inestimable. « Ce portrait a trop de valeur pour qu’on puisse se permettre une estimation. Une image comme ça, c’est un patrimoine national », explique-t-il à l’époque… avant que la photo ne se retrouve, une dizaine d’années plus tard, à une vente aux enchères chez Pierre Bergé & Associés, estimée entre 600.000 et 800.000 euros. Où elle ne trouvera même pas preneur !

    La découverte aurait dû révolutionner l’histoire de la photo, mais les collectionneurs et les historiens semblent bouder le fameux « Saint Suaire photographique », qui n’est jamais cité comme pouvant être la première photo d’un être humain. Pourquoi ? Pour André Gunthert, c’est peut-être dû à la personnalité controversée du propriétaire, après des rumeurs le concernant.

     

     

     

    André Gunthert nous met également sur la piste d’un autre portrait, de 6,8 x 5,3 cm, détenu par la Bibliothèque Nationale de France. Non daté officiellement, il est attribué à Daguerre, en raison d’une signature de Daguerre gravée sur la plaque au recto. Il pourrait lui aussi dater des essais de 1837.

    Au dos de celui-ci, un autographe, signé par le photographe Paul Nadar, en 1926 : « J’ai acheté le présent daguerréotype provenant d’un ancien photographe qui le tenait de son père, ami paraît-il de Daguerre […]. Il n’y a pas lieu de douter de l’authenticité de la signature de Daguerre qui s’identifie parfaitement avec d’autres bien connues. Cette plaque oxydée sur les bords compte parmi les premières de Daguerre ».

    Un autre portrait mal connu de Daguerre ? Notre surprise est totale. Mais André Gunthert émet une hypothèse…

     

    « Je l’analyserais comme une dissimulation volontaire de Daguerre. Car en 1839, il abandonne ses droits de propriété. Il pensait sans doute pouvoir encore améliorer ses productions de portraits, pour pouvoir vendre son procédé après. » 

     

    Les daguerréotypes vendus par Giroux ne permettent en effet pas de faire de portrait. L’objectif n’est bon que pour les paysages. Mais Daguerre, lui, possédait justement un autre objectif, de plus courte focale…

     

     

     

    Dernier candidat crédible à la première photo d’un être humain : ce troisième daguerréotype, toujours de Louis Daguerre, en collaboration avec Mathurin-Joseph Fordos. Vous les avez remarqués ? Ces ouvriers ou vagabonds, allongés contre la grille, à l’ombre de cette statue d’Henri IV ?

    L’oeuvre est détenue par le Musée des Arts et Métiers, qui date sa réalisation… entre 1836 et 1839. Ce qui est extrêmement vague. Mais, sur son verso, figure un autographe de Fernand Langlé, du 1er février 1879 : « Cette plaque représentant une vue du Pont-Neuf, est le premier daguerréotype tenté en plein air. Il a été exécuté par Daguerre et Fordos, en collaboration scientifique expérimentale, et conservé par ce dernier. Après sa mort, il m’a été donné, comme souvenir de lui, par Mme Vve Fordos ».

    Un premier daguerréotype en plein air, que nos deux spécialistes datent donc, en s’appuyant sur des écrits de Daguerre… entre 1837 et 1838. Probablement, donc, quelques mois avant le boulevard du Temple.

     

    Article de Renaud Février pour L’Obs

     

     

     

  • Robert Frank, l’Amérique dans le viseur

     

     

    Robert Frank, considéré comme l’un des photographes les plus importants du XXème siècle, est mort à l’âge de 94 ans. Américain d’origine suisse, il était devenu célèbre avec son album « Les Américains » paru en 1958, un livre de clichés en noir et blanc tiré de ses voyages à travers les Etats-Unis, qui a révolutionné l’histoire de la photographie.

     

    Robert Frank, considéré comme l’un des photographes les plus importants du XXème siècle, est mort lundi 09 septembre, à l’âge de 94 ans au Canada, a annoncé le New York Times (en anglais) ce mardi 10 septembre, citant son galeriste new-yorkais Peter MacGill.

     

    « Il a tiré de l’Amérique un triste poème », disait Jack Kerouac.

    Né dans une famille juive allemande à Zurich (Suisse) en 1924, Robert Frank développe un intérêt précoce pour la photographie. A vingt ans, il se rend aux Etats-Unis et trouve rapidement un emploi de photographe chez Life et Harper’s Bazaar. Mais il quitte rapidement cette position confortable pour une vie de photographe itinérant qui lui convient davantage.

    Influencé par Walker Evans, dont il fut l’assistant, mais aussi par Bill Brandt et André Kertész, ou encore par la Beat Generation, il publie en France en 1959 son premier livre de clichés en noir et blanc, « The Americans » ; un manifeste préfacé par Jack Kerouac, fruit d’un périple de deux ans à travers les Etats-Unis (ou « faire la route » comme Kerouac), qui révolutionne la photographie d’après-guerre.

    « Avec son petit appareil photo, qu’il élève et manipule d’une seule main, il a tiré de l’Amérique un triste poème, prenant sa place parmi les poètes tragiques de ce monde », avait écrit Jack Kerouac, l’auteur de « Sur la Route », avant d’ajouter : «  A Robert Frank j’envoie ce message : vous avez des yeux ».

     

     

     

    Son regard a influencé de nombreux photographes

    Le regard sensible et pourtant sans concession de Robert Frank tend alors un miroir honnête et sans concession à son pays d’adoption, l’Amérique, et fait date. Les Etats-Unis et ses habitants y sont saisis dans toute leur diversité. Drive-in, bars, snacks, haute société, laissés pour compte, religion, politique, ségrégation, paysages nus, rues bondées, rien n’échappe à son objectif. A l’époque, « The Americans », qui s’inscrit dans la lignée de la Beat Generation (mouvement littéraire et artistique) et fera de lui une figure de la contre-culture, avait été considéré comme déprimant et subversif, révélant la face sombre de l’American Dream : pauvreté, ségrégation, inégalités et solitude.

    Il a « fait naître une nouvelle iconographie où des visages anonymes s’amalgament au bord de routes tristes, dans les excroissances urbaines ou les vides d’un territoire démesuré », résume la galerie du Jeu de Paume, qui l’a exposé en 2009.

    Le regard de Robert Frank influencera à son tour plusieurs générations de photographes, de Diane Arbus à Lee Friedlander et Garry Winogrand.

     

    Censuré par les Rolling Stones au cinéma

    Après ce coup de maître photographique, Robert Frank se consacre jusqu’au début des années 70 au cinéma. Son premier court-métrage, « Pull My Daisy » (1959), adapté d’une pièce inachevée de Jack Kerouac, est typique de la Beat Generation et l’on y croise d’ailleurs les figures du mouvement, Allen Ginsberg, Peter Orlovsky et Gregory Corso. Ce film qui privilégie l’improvisation est suivi de « Me and My Brother » (1965-68) et « Conversations in Vermont » (1969).

     

    [arve url= »https://vimeo.com/92403607″ align= »center » title= »Robert Frank : « Pull My Daisy » » description= »Pull My Daisy (1959) is a short film that typifies the Beat Generation. » maxwidth= »900″ /]

     

     

    Robert Frank a également signé « Cocksucker Blues » (1972), le célèbre documentaire consacré à la tournée américaine des Rolling Stones, après la sortie de l’album « Exile On Main Street ». Ce film est connu pour montrer l’envers du décor, en particulier des scènes d’excès et de débauche en coulisse (hôtels, backstages, avions privés, limousines), mais aussi des scènes d’ennui et de solitude peu glamour. Mais de ce fait, il n’a jamais été distribué ou diffusé officiellement en raison d’une interdiction par le groupe anglais.

    Installé dans son repaire canadien de Mabou en Nouvelle-Ecosse, il revient ensuite à la photographie avec des photomontages très libres de négatifs et de polaroïds griffonnés et s’engage dans un travail plus autobiographique et introspectif qui donne lieu à plusieurs publications, dont « The Lines of My Hand ».

     

    « Je détruis ce qu’il y a de descriptif dans les photos pour montrer comment je vais, moi », explique-t-il alors. «  Quand les négatifs ne sont pas encore fixés, je gratte des mots : soupe, force, confiance aveugle… J’essaie d’être honnête. »

     

    Il continue le cinéma expérimental en parallèle avec « Energy and How to Get it » (1981), « This Song for Jack » (1983) puis « Candy Mountain » (1987), un road-movie tourné entre New York et la Nouvelle-Ecosse (Canada) et co-dirigé avec Rudy Wurlitzer, dans lequel jouent Tom Waits, Joe Strummer de Clash et Bulle Ogier. Sa vidéo la plus récente, « True Story », remonte à 2004. Le photographe et cinéaste, qui a perdu sa fille Andrea en 1974 puis son fils Pablo en 1994, y explore les thèmes de la mémoire et de la perte.

     

    Source : France Info / Wikipedia

     

     

     

     

     

     

     

     

     

     

  • Le D-Day par Robert Capa

     

     

    Le 6 juin 1944, à Omaha Beach, Robert Capa prend plus de 100 clichés au péril de sa vie. Une maladresse dans un laboratoire les détruira presque tous. Récit…

     

    A 6h30 du matin, quand les barges américaines acheminent les premiers soldats vers Omaha Beach au rythme des remous et des vomissements, un photojournaliste est présent. Un seul… Robert Capa. En effet, en dehors du futur cofondateur de l’agence Magnum, aucun autre photographe civil n’est assez fou pour débarquer avec les Boys, non seulement au Jour J, mais aussi à l’Heure H, dans la salve d’assaut inaugurale. De fait, le témoignage livré par Capa dans la grisaille du 6 juin 1944, entre les balles et les obus, est historique, unique, précieux.

    Ce témoignage photographique, personne ne l’a jamais vu dans son intégralité. Et personne ne le verra jamais… Sur les 106 clichés pris par Robert Capa ce jour-là à Omaha Beach, 95 n’ont jamais vu le jour, purement et simplement détruits. 11 seulement nous sont parvenus, dont celui, mythique, du « visage dans les vagues ». Récit d’un épisode parmi les plus rocambolesques de l’histoire de la photographie.

     

    « Si tes photos ne sont pas bonnes, c’est que tu n’es pas assez près. »

     

    Robert Capa va bien devoir s’appliquer son célèbre conseil à lui-même lorsqu’il choisit, à la veille du D-Day, de se joindre à la Compagnie E du 116ème régiment d’infanterie américaine. Destination : Easy Red, l’un des secteurs d’Omaha, plage surplombée par les blockhaus allemands. « Le correspondant de guerre a son sort – et sa vie – entre ses mains, il peut parier sur ce cheval-ci ou ce cheval-là, ou remettre sa mise dans sa poche à la dernière minute », déclare Capa dans ses mémoires. « Je suis un joueur. Je décidais de partir avec la Compagnie E dans la première vague ».

    La flotte alliée mouille à Weymouth, dans le sud de l’Angleterre. Dans la nuit du 5 au 6 juin, Capa et 300.000 Alliés traversent la Manche dans une opération logistique d’ampleur inédite. Atteint par la tension ambiante, le reporter écrit une dernière lettre à ses proches (il ne la postera jamais), joue au poker avec des soldats, néglige enfin son petit déj’ « pré-débarquement », composé de petits pains, d’œufs et de saucisses. Au ventre, rien d’autre que la peur…

    « Le soleil, ignorant que ce jour serait différent de tous les autres, s’est levé à l’heure habituelle », décrit Capa. Les vedettes sont alors mises à l’eau, avec à bord les premières centaines de soldats voués à participer à la boucherie. 15 kilomètres plus loin, à l’approche du mur de l’Atlantique érigé par les Allemands, une pluie de plomb les accueille en Normandie. Lorsque les barges de débarquement touchent le fond, les hommes sautent pour parcourir les 100 derniers mètres à pied. Robert Capa commence à mitrailler – non avec une arme, mais avec l’un de ses Contax.

     

     

     

     

    « Ma belle France était repoussante et horrible. […] Les hommes de mon bateau pataugeaient dans l’eau jusqu’à la taille, leurs fusils prêts à tirer, les poteaux jaillissaient de la mer et la plage fumait en arrière-plan – tout cela était parfait pour la photographie. » (Robert Capa)

     

    Cerné par les projectiles, et bientôt par les cadavres, Robert Capa trouve refuge derrière l’un des pieux d’acier de la défense nazie. Ainsi adossé, il photographie les combattants américains alourdis par leur équipement, qui tentent péniblement, parfois vainement, de maintenir la tête au-dessus de la surface de l’eau. Le soldat de première classe Huston « Hu » Riley est l’un d’eux. Ironie du sort : l’homme occupe dans sa compagnie le poste d’instructeur pour la natation. Seulement voilà, il vient de recevoir quatre balles à l’épaule.

     

     

     

    « Deux gars m’ont aidé à sortir de l’eau, un sergent et un photographe avec un appareil autour du cou. Ce devait être Robert Capa. Il n’y en avait pas d’autre. Je me souviens très bien m’être dit : mais que diable ce dingue de photographe fait-il ici ? » (Huston Riley, via « Slate »)

     

    Le Private First Class, ensuite pris en charge par un infirmier, est alors à mille lieues nautiques de soupçonner que son visage deviendra « The Face in the Surf » (« le visage dans les vagues »), l’icône du Débarquement, à l’aura d’autant plus légendaire qu’il faudra un demi-siècle pour déterminer son identité avec exactitude. En effet, un autre soldat, Edward Regan, a affirmé être le héros immortalisé par Capa, avant de se faire contredire par des vérifications approfondies.

    Pour l’heure, à Omaha Beach, Robert Capa continue d’employer toute son énergie à se maintenir en vie… Abandonnant finalement son pieu d’acier, le photoreporter s’abrite derrière un tank amphibie. L’opération Neptune lui rappelle un autre enfer, la guerre d’Espagne. « Es una cosa muy seria. Es una cosa muy seria » (« la situation est grave »), répète-t-il comme un mantra.

     

     

     

    D’après son récit, Capa abandonne ensuite son imperméable Burberry, qui pèse une tonne. Il rejoint la plage en se plaçant dans le sillage de deux militaires. Tente brièvement de creuser un trou avec une pelle. Tremble tellement qu’il n’arrive plus à changer de pellicule. Fait marche arrière, s’engouffre dans un bateau dans lequel un obus fait exploser les gilets de sauvetage. C’est à bord de cette barge, en fin de compte, que le photographe épuisé est ramené vers l’USS Chase. Il fait partie des 10 % qui ressortent indemnes de la première vague d’assaut sur Omaha la sanglante. Les 90 % restants sont blessés ou tués.

     

    « Les légendes expliquaient que les photos étaient floues parce que les mains de Capa tremblaient trop. »

     

    De retour dans le sud de l’Angleterre, le photojournaliste expédie sa production au bureau londonien du magazine « Life » : 4 rouleaux de 36 poses qui contiennent le plus grand moment de sa carrière. Faisant confiance à sa baraka, Robert Capa reprend le premier bateau militaire en partance pour la France, rejoint la tête de pont, où on le croyait mort, puis commence à couvrir la campagne de Normandie.

    Parallèlement, à Londres, ses négatifs atterrissent entre les mains d’un laborantin nommé Dennis Banks. Dans la précipitation, ou l’excitation, le jeune homme commet une erreur. Il ferme la porte du séchoir à films. Témoignage historique ou pas, la chaleur fait implacablement son effet sur les pellicules : elles fondent.

    Le directeur photo de « Life », John G. Morris, parvient à sauver en catastrophe 11 négatifs d’un des quatre rouleaux (il n’en reste aujourd’hui plus que 8). Les pertes s’élèvent à environ 90 %. Le même chiffre que les pertes de la première vague américaine à Omaha Beach ! Lorsqu’il est informé de la catastrophe, Capa se lamente : « Le peu qui reste imprimable n’est rien par rapport au matériel gâché ».

     

    FRANCE. Normandy. Omaha Beach. The first wave of American troops lands at dawn. June 6th, 1944.

     

     

    L’accident de laboratoire n’empêche pas « Life Magazine » de publier le 19 juin les images épargnées. Épargnées… mais défigurées. « Les légendes expliquaient que les photos étaient floues parce que les mains de Capa tremblaient trop », note placidement le photographe d’origine hongroise.

    Le rescapé du Débarquement n’a pas tout perdu. Outre les négatifs sauvés de la destruction, qui deviendront avec la postérité les « Magnificent Eleven » (« Les Onze Magnifiques »), Robert Capa se fait embaucher définitivement par « Life ». En compagnie du rédacteur Christian Wertenbaker, il suit la progression des Alliés en France, voit la Libération de Paris, « le plus beau jour du monde ».

    En 1947, Robert Capa prend la plume – il s’est toujours rêvé écrivain – et raconte sur un ton détaché ses aventures de reporter de guerre. Il choisit un titre symbolique : « Slightly Out of Focus », « Juste un peu flou »…

     

     

     

    Source : Cyril Bonnet pour le Nouvel Obs (06 juin 2014)

    Crédit Photos : Robert Capa / Magnum

     

     

     

  • Les 80 ans de la Retirada

     

     

    Le Mémorial du Camp de Rivesaltes dans les Pyrénées-Orientales présente, dans le cadre des commémorations du 80ème anniversaire de la Retirada, une grande exposition consacrée au photographe suisse Paul Senn, qui a suivi au plus près la guerre civile espagnole et l’exode de centaines de milliers de personnes vers la France.

     

    S’il est célèbre dans son pays, son travail sur la Guerre d’Espagne l’est beaucoup moins. Pourtant, les clichés de Paul Senn (1901-1953) livrent un témoignage fort sur le conflit et sur la Retirada, l’exode vers la France en 1939 de milliers de femmes, d’enfants et d’hommes fuyant face à l’avancée des troupes de Franco.

    Nous sommes donc à la fin de la guerre civile en Espagne, en janvier et en février 1939. Les réfugiés, ceux qui ont survécu à l’épuisement, à la dénutrition et aux mitraillages de l’aviation, seront accueillis côté français puis le plus souvent internés dans des camps : Argelès-sur-Mer, Rivesaltes… C’est ce drame collectif qu’illustre Paul Senn à travers ce témoignage exceptionnel constitué de 1200 photos.

     

    « Il est arrivé avec les convois de l’aide suisse, explique Markus Schürpf, le conservateur de la collection Paul Senn. Et il est revenu plusieurs fois avec ces convois. Il a photographié toutes ces situations dramatiques dans différentes villes de la région. »

     

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    Portraits bouleversants

    Au Mémorial du camp de Rivesaltes (Pyrénées-Orientales), c’est le rendez-vous de l’émotion et du souvenir pour ceux de la Retirada. L’histoire de 475.000 personnes, très majoritairement des républicains espagnols et des civils fuyant, le plus souvent à pied, dans le vent glacé de la montagne pyrénéenne, l’inexorable avancée de l’armée de Franco après la chute de Barcelone. Depuis janvier, des commémorations se tiennent tout au long de la chaîne des Pyrénées.

    Regards hagards, visages émaciés, les clichés de Paul Senn nous feraient presque ressentir la peur, le froid et la détresse de ces milliers de réfugiés obligés de fuir leur pays qui s’apprête à basculer dans la dictature. Des réfugiés espagnols que Senn retrouvera au Camp de Rivesaltes trois ans plus tard, en 1942, où certains ont été internés au côté de Juifs et de Tziganes par le régime de Vichy. Il réalise alors une série de photos bouleversantes au plus près de la souffrance.

     

    « Mon père était de la Retirada. Il a passé la frontière au Perthus et il a séjourné au camp d’Argelès. Quand on regarde les photos de Paul Senn, on sent qu’on y est, qu’on est au milieu de ces malheureux qui fuient l’Espagne. Et quand il photographie le camp de Rivesaltes, on ressent dans son corps la Tramontane glacée. On a froid dans le dos… Paul Senn photographie de très près, et ça le rapproche de Capa, à mon avis. » (Michel Lefebvre, journaliste au Monde et commissaire de l’exposition)

     

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    Sous le nom « Des Espagnols dans les Camps », l’exposition de Paul Senn est également itinérante. Constituée de 14 portraits accompagnés de témoignages de réfugiés, elle est présentée dans les 13 anciens lieux d’internement de la région.

     

    Dans la grande salle, Herminia Gallart, native de Valence en Espagne, sèche ses larmes. Elle vient tout juste d’éclater en sanglots. « Trop d’émotion », dit-elle. « C’est une partie de l’histoire de l’Espagne qu’on a totalement occultée pendant toutes ces années. Cette souffrance qu’on ne souhaitait pas reconnaître, surtout pas. »

    « Les cicatrices sont encore ouvertes, vous savez. Et cette exposition, c’est sans doute le meilleur moyen de les refermer ». Son grand-père aurait pu faire partie des marcheurs de février 1939 mais il est mort en détention. « Quatre-vingts ans après tout ça, on se sent encore marqué par cet événement majeur, les premiers réfugiés de notre ère » ajoute Elisabeth Lagrange, qui reviendra à Rivesaltes pour « tout voir » et ne rien oublier.

     

    « Tout voir »… Comme Paul Senn lui-même, qui dans le sillage de l’ONG suisse Ayuda Suiza, sillonna les chemins de la Guerre d’Espagne en 1937, de la Retirada en 1939 et des camps en 41-42. C’est lui qui, le premier, avait découvert et immortalisé la maternité d’Elne (Pyrénées-Orientales), administrée par Élisabeth Eidenbenz, jeune institutrice suisse qui sauvait les bébés à naître des mamans de la Retirada.

    « Il s’attachait à capter les regards, surtout ceux des enfants. Et il n’oubliait jamais de revoir ceux qu’il avait photographiés », indique encore Markus Schürpf, l’archiviste de Paul Senn qui a recensé 1600 reportages publiés en vingt-trois ans de photographie. Ce qui donne, en parallèle à l’exposition de Rivesaltes, une passionnante rétrospective à Perpignan. Pour que le pays catalan jamais n’oublie les souffrances des réfugiés dans les cols verglacés de cet hiver 1939…

     

     

     

     

     

     

     

     

     

     

     

     

     

    Exposition « Paul Senn, un photographe suisse dans la Guerre d’Espagne »

    Du 3 Février au 30 Septembre 2019 au Mémorial du Camp de Rivesaltes

    Commissariat : Markus Schürpf et Michel Lefebvre

     

     

     

  • Manoocher Deghati : Le deuil des sacrifiées

     

     

    En 1979, Reza et son frère Manoocher ont photographié la révolution iranienne. Pour Arte Reportage, ils exhument et commentent aujourd’hui 40 photos réalisées dans les premières années de la jeune révolution. Leur pays vivait alors des moments historiques. L’islam radical s’installait au pouvoir et le monde ne serait plus jamais comme avant. C’était il y a 40 ans.

     

    « Prison d’Evin, 1983. Cette image est peut-être belle mais elle est en même temps si triste… Ces jeunes filles étaient prisonnières depuis plusieurs années parfois. Certaines étaient des opposantes au régime, mais pas toutes. Contraintes de porter le tchador, elles étaient obligées de prier et de chanter à la gloire de Khomeiny. Je me demande ce qu’elles sont devenues. On ne le saura jamais. » (Rachel Deghati)

     

    « Je me souviens très bien de ce jour, quand je suis rentré dans cette prison. La prison d’Evin en Iran, une des prisons les plus redoutables au monde… Parmi les milliers de prisonniers qui y étaient enfermés, très peu ont survécu. Il y avait des milliers de jeunes femmes, de jeunes garçons, qui avaient été arrêtés dans la rue, pour avoir dit un mot contre Khomeini ou contre l’Islam. » (Manoocher Deghati)

     

    « Sur cette photo, on voit le visage triste de ces jeunes filles. La composition de l’image est peut-être belle, mais je suis content que ça renvoie aussi un message de tristesse. Parce que la plupart d’entre elles ont été exécutées. Dans la loi islamique, on ne peut pas exécuter des femmes vierges. Il faut donc les violer avant de les exécuter… C’est un des aspects les plus horribles de cette loi. » (Manoocher Deghati)

     

     

     

    [kleo_divider type= »full » double= »no » position= »center » text= »Pour aller plus loin » class= » » id= » »]

    [kleo_icon icon= »link » icon_size= »large »]  Arte Reportage : « Iran, au coeur de la révolution » 

    [kleo_icon icon= »link » icon_size= »large »]  Arte Reportage : « Le Deuil des Sacrifiées » 

     

     

     

  • Tod Papageorge : New York en Kodachrome (1966-1967)

     

     

    Tod Papageorge n’aura utilisé le Kodachrome que pendant deux ans, en 1966 et 1967. Jeune photographe débarqué à New York à 25 ans, il espérait qu’un travail en couleurs pourrait convaincre les magazines de publier ses clichés. Il attendit en vain et mit ses diapositives de côté pendant cinquante ans.

     

    Dans cette série intitulée « Dr. Blankman’s New York », Tod Papageorge nous emmène en vadrouille dans les rues de la Grande Pomme et nous fait faire un bond de cinquante ans en arrière, au contact d’une époque révolue. On y découvre les gens alanguis dans les parcs, les vitrines et la vie qui grouille dans les rues de New York. Les couleurs sont vives et audacieuses, pour capturer au mieux la luminosité naturelle de la ville. Et au hasard de cette série, on découvre que ce mystérieux Dr S.H. Blankman s’affiche sur un des clichés, à la devanture d’une clinique d’optométrie ; « Eyes Examined »…

     

     

     

     

     

    Tod Papageorge débarque donc à New York en 1965. Ses amis Garry Winogrand et Joel Meyerowitz lui suggèrent de prendre des photos de rue en couleur, pensant qu’elles avaient plus de chance d’être publiées dans les magazines. Et il faut admettre que ces photos couleur, qu’on découvre dans le livre consacré à son travail, « Dr. Blankman’s New York. Kodachrome 1966-1967 » publié en 2017, sont un enchantement.

    Peut-être est-ce le temps de pose long imposé par la pellicule peu sensible, ou bien l’excitation liée à la découverte d’une nouvelle ville par un jeune homme plein d’espoir : les images qu’il rapporte des rues de Manhattan, baignant dans une lumière crue les matières et les grains de peau, sont d’une sensualité folle.

    Plutôt que de viser l’action ou l’anecdote, Tod Papageorge s’arrête sur une coiffure, une robe, une vitrine, joue des couleurs les plus éclatantes, tout en prêtant une attention aux nuances plus subtiles – comme cette pile de cartons qui déroule ses teintes beiges dans le soleil matinal.

     

     

     

     

     

     

    Tod Papageorge est né à Portsmouth, dans le New Hampshire en 1940, et a commencé à faire de la photo en 1962, durant son dernier semestre à l’Université du New Hampshire. Un mois plus tard, il découvre Henri Cartier-Bresson et décide de devenir photographe.

    Après avoir obtenu son diplôme, Papageorge travaille pendant environ un an dans une compagnie d’assurance à San Francisco, puis dans un hôpital psychiatrique à Boston. En 1965, il passe dix mois à faire des photos en Espagne et à Paris et, à la fin de la même année, il retourne aux États-Unis et s’installe à New York, où il rencontre Robert Frank et est  invité par Garry Winogrand à participer à un atelier que Winogrand organise chez lui le dimanche soir…

    Son travail est présenté dans plus de trente grandes collections publiques, comme celles du Musée d’Art Moderne, l’Institut d’Art de Chicago, le San Francisco Museum of Modern Art et la Bibliothèque Nationale à Paris.

    A découvrir absolument !

     

     

     

     

     

     

     

     

     

     

     

    © Photos tirées du livre « Dr. Blankman’s New York. Kodachrome 1966-1967 » de Tod Papageorge, en anglais, Steidl, 136 p., 40 €.

     

     

     

  • Polaroid SX-70, l’appareil photo qui changea le monde

     

     

    En 1972, lors de l’assemblée générale annuelle de la société Polaroid, Edwin Land montait sur scène, sortait un appareil photo de sa poche et prenait cinq clichés en dix secondes… La révolution était en marche.

     

    L’appareil photo en question présenté par Edwin H. Land ce jour de 1972, le Polaroid SX-70, devenait ainsi le tout premier boitier instantané SLR, SLR comme Single-Lens Reflex. En plus d’être le tout premier appareil photo à utiliser l’iconique film instantané Polaroid au désormais célèbre cadre blanc, il sera aussi le tout premier appareil à pouvoir être transporté dans la poche. Tout ça pour dire, c’est à cet « instant » que tout commença, et que l’univers de la photographie connaîtra son ultime révolution, en ouvrant la voie à la démocratisation de la photo, pour aboutir aux modes d’utilisation actuels de l’appareil photo, entre numérique, compact et téléphone mobile.

    Près de 50 ans plus tard, le SX-70 reste un des meilleurs appareils instantanés jamais conçus, et une armée de nostalgiques chevronnés de la photo instantanée ne jurent encore aujourd’hui que par lui. Mais comment les blâmer, tant l’esthétique de cet appareil révolutionnaire reste magique, avec ses finitions chromage métallique ou PVC noir et ses façades en cuir au chic absolu.

    La photographie instantanée est décidément de retour en multipliant toujours plus de déclinaisons du Polaroid SX-70, et attire depuis quelques années des adeptes de plus en plus jeunes.

     

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    [kleo_divider type= »full » double= »no » position= »center » text= »Pour Aller Plus Loin » class= » » id= » »]

    [kleo_icon icon= »link » icon_size= »large »] L’histoire de Polaroid

    [kleo_icon icon= »link » icon_size= »large »] Polaroid Originals

    [kleo_icon icon= »link » icon_size= »large »] Polaroid Passion

     

     

     

  • Plongée dans le métro new-yorkais avec Willy Spiller

     

     

    La force d’un photographe est aussi de savoir capturer l’air de son époque, de la rendre intemporelle en sublimant toute sa photogénie. Willy Spiller est de ceux-là. Avec talent, il a immortalisé des scènes du quotidien new-yorkais dans les années 1970 et 1980.

     

    Pour les connaisseurs, ces clichés ne sont pas sans rappeler la série « Waiting For The Get Down » signée Baz Luhrmann. Pourtant, ici, pas de fiction, juste la réalité d’une époque révolue. Le photographe suisse Willy Spiller ne s’est jamais lassé de contempler les scènes de rue de New York depuis les années 1970, scènes qu’il a compilées dans plusieurs livres, dont « Hell on Wheels ».

     

    Subway New York, 1977-1984 © Willy Spiller 2016

     

    Subway New York, 1977-1984 © Willy Spiller 2016

     

    Subway New York, 1977-1984 © Willy Spiller 2016

     

    Subway New York, 1977-1984 © Willy Spiller 2016

     

    Subway New York, 1977-1984 © Willy Spiller 2016

     

    Subway New York, 1977-1984 © Willy Spiller 2016

     

     

    Avec leur grain particulier, ses photographies dévoilent les styles de l’époque, les trains-trains quotidiens des New-Yorkais allant au travail ou flânant dans les rues, à une époque où le Subway (comme on l’appelle là-bas) recensait plus de 200 crimes par semaine.

    Publiées pour la première fois en 1984, ses archives de la Grosse Pomme ont été rééditées en 2017 chez Sturm & Drang. Témoins de ces deux décennies, les clichés de Willy Spiller immortalisent la bouillonnante mégalopole américaine, alors que le hip-hop résonnait dans les ghetto-blasters et que les graffiti coloraient les murs.

     

    Subway New York, 1977-1984 © Willy Spiller 2016

     

    Subway New York, 1977-1984 © Willy Spiller 2016

     

    Subway New York, 1977-1984 © Willy Spiller 2016

     

    Subway New York, 1977-1984 © Willy Spiller 2016

     

    Subway New York, 1977-1984 © Willy Spiller 2016

     

    Subway New York, 1977-1984 © Willy Spiller 2016

     

     

    « Un poème coloré de la ville et de ses habitants », tel que le qualifie l’éditeur du livre.

     

    Article signé Mademoiselle Julie