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Étiquette : The Neon Demon

  • The Neon Demon : Belles de Nuit

     

     

    Avec « The Neon Demon » sorti en 2016, Nicolas Winding Refn n’a définitivement pas fini de magnifier nos cauchemars en susurrant à l’oreille des démons…

     

    Depuis la sensation « Drive », ses scènes d’action ultra-violentes et l’hyper masculinisation de Ryan Gosling, arborant un blouson avec un scorpion brodé au dos, puis avec la castration du même Gosling dans « Only God Forgives », son film suivant dans lequel le héros blond à l’œil passablement vide devient le jouet de sa mère dans un Bangkok fantasmé, le réalisateur Nicolas Winding Refn n’en finit pas de brouiller les pistes et nos certitudes en des tours de passe-passe singuliers. Un glissement où la représentation absolue du mâle finit, avec ce dernier opus « The Neon Demon », par devenir une femme incandescente, souveraine et elle aussi toujours aussi dangereuse.

    Ces trois films forment ainsi une trilogie autour d’une réinvention des années 80, avec une esthétique, des motifs et un son empruntés à cette époque. A l’instar de Wong Kar Waï, Michael Mann, David Lynch, Brian De Palma, ou encore d’un Dario Argento, Nicolas Winding Refn se sert de ses illustres modèles pour à son tour livrer sa perception d’une idée ou deux qu’il utilisera comme prétexte afin de toujours nous raconter un peu le même film. « Drive » avec le polar, le film de vengeance, le cinéma. « Only God Forgives » avec le thème de la mafia, du film noir. Quant à « The Neon Demon », il nous parle du monde de la mode, de la beauté comme vecteur de ce milieu, de la jeunesse comme Nivarna à reculons, de vampirisme, de cannibalisme et de cinéma d’horreur. Des thématiques que le réalisateur de la trilogie « Pusher » va décliner comme autant de reflets et d’éclats de miroir.

    « The Neon Demon » n’est cependant pas une critique de la mode, de son monde ou de ses représentations, pas même encore une vision de la femme, de l’argent, des apparences, de notre société ou de son nihilisme. Non, c’est un trip étrange et maniéré, sophistiqué à l’extrême, sidérant, somptueux, où y apparaissent dans des ambiances toujours plus 80’s les fantômes de films cultes de cette époque. « Looker », « Suspiria », « Les Prédateurs »… Los Angeles est le parfait écrin pour signifier la ville ultime de tous les pêchés, tel un aimant à fantasmes, à désir et à mort. Ville monde-cimetière où des harpies mettent en charpie pour s’en repaître d’innocentes victimes qui découvriraient trop tard ce qui exalte la beauté.

    Si le réalisateur danois de Branson exhume autant de splendeurs cinématographiques venant des eighties, en les agitant sans vergogne dans ce film en un patchwork stylisé, il sait qu’il n’abîme ni ces modèles d’antan, ni ce qu’il tricote aujourd’hui. Le tout forme un poème visuel et vénéneux, une ode fait de lumière aveuglante et d’ombres inquiétantes. Mais en aucun cas, on nous sert un film prétentieux ou poseur. Paradoxalement, il s’agirait plutôt pour Nicolas Winding Refn de son film le plus drôle et le plus léger de toute sa filmographie.

    Le score de Cliff Martinez (probablement l’un de ses meilleurs depuis celui de « Solaris ») hypnotise les images. Là aussi, le compositeur de « Drive » et « Only God Forgives » convoque toutes les sonorités 80’s, électroniques, inquiétantes et luxuriantes, rappelant ainsi Tangerine Dream, Vangelis, Carpenter. Des sonorités flottantes au grès des scènes, comme des îlots… « The Neon Demon » est un archipel perdu dans cet océan amniotique, mais sans eau. Juste du sang. Un sang convoité par des bouches avides et cruelles.

     

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    [kleo_divider type= »full » double= »no » position= »center » text= »Pour aller plus loin » class= » » id= » »]

    [kleo_icon icon= »link » icon_size= »large »] Dévoreur Hubertouzot

    [kleo_icon icon= »link » icon_size= »large »] Hubert Touzot : Photographe dévoreur d’images

     

     

     

  • Cliff Martinez, du coeur dans les synthés

     

     

    Certaines collaborations entre réalisateurs de films et compositeurs furent plus des alchimies que de simples associations artistiques.

     

    Steven Spielberg et John Williams, Tim Burton et Danny Elfman, David Cronenberg et Howard Shore, Jacques Audiard et Alexandre Desplats, Jacques Demy et Michel Legrand, Sergio Leone et Ennio Morricone… ou Steven Soderbergh et Cliff Martinez.

    Une alchimie, une fusion, les lient les uns aux autres, devenues indissociables de tout processus entre l’écriture du projet et la mise en forme, et ce jusqu’au montage. Tous ces binomes ont chacun une spécificité, à savoir si la musique a été composée pour le film ou le film réalisé pour illustrer la musique.

    On sait par exemple que Sergio Leone tournait avec la musique déjà composée en amont, ce qui lui permettait d’être en parfaite adéquation avec le score de Morricone, ou bien que Williams a toujours eu besoin de voir toutes les images pour coller au mieux au rythme et à la tonalité du film.

    Cliff Martinez, ancien batteur du groupe Red Hot Chili Peppers, commence sa carrière de compositeur en signant la B.O. de « Sexe, Mensonges et Vidéo » de Steven Soderbergh, avec qui depuis il entretient une collaboration étroite, sorte de fil rouge entre tous ses films.

    Le compositeur de la musique de « Solaris » du même Steven Soderbergh, lui-même remake du « Solaris » d’Andreï Tarkovski sorti trente ans plus tôt, a sa propre marque de fabrique, son propre langage. Alliant toujours l’électronique à quelques passages instrumentaux joués avec des instruments classiques, le son est toujours flottant, comme suspendu, ce qui confère au film qu’il illustre ces ambiances si particulières.

    Que cela soit donc pour « Solaris », pour la géniale série « The Knick » ou encore pour trois films réalisés par Nicolas Winding Refn, « Drive », « Only God Forgives » et « The Neon Demon », la musique de Martinez est une protagoniste à part entière des films qu’elle habille.

    Malgré l’emploi des machines et la répétition des samples, il y a une véritable chaleur, une viscéralité qui imprègne chacune des mélopées s’échappant jusqu’à nos oreilles. Sa musique nous enveloppe, nous caresse, nous lèche. Amniotique et sensuelle, sa musique est une femme…

    Pour les plus férus de musiques de films, on peut sans problème dire que Cliff Martinez représente le prolongement de ce qu’avait déjà entrepris Stewart Copeland, l’ancien batteur du groupe Police, qui lui aussi s’était frotté en son temps à cet exercice, avec notamment son chef d’œuvre, la B.O. de « Rumble Fish » (« Rusty James ») de Francis F. Coppola, et cette recherche de sonorités échantillonnées, ouattées et caressantes.

    La musique électronique au cinéma ne naît pas avec Martinez, certes. Avant lui, Wendy Carlos (« Shining », « Orange Mécanique » ou « Tron » en 1982) s’était déjà lancé dans cette direction. Et avant lui Jerry Goldsmith qui dès la fin des années 60 avait expérimenté pour le film « The Illustrated Man » des sonorités étranges jouées par les premiers synthétiseurs de l’époque.

    Si on joue aux archéologues, on peut même remonter jusqu’en 1956 avec le film « Planète Interdite » dans lequel Louis et Bebe Baron inventent une sorte de symphonie électronique à l’aide d’un appareil appelé le Ring Modulator, l’ancêtre du synthétiseur. Il s’agit là du tout premier film de science fiction de cette ampleur et de la première bande originale entièrement obtenue avec des sonorités électroniques.

    A Hollywood aujourd’hui, et même en France d’ailleurs, il est à déplorer cette frilosité excessive concernant la place de la musique dans le processus d’un film. Trop de facilité avec le sempiternel recours au symphonique ou à d’hideuses illustrations violonneuses.

    Bref, un nouveau score de Cliff Martinez, c’est donc toujours l’excitation au rendez-vous, et la découverte de ce qu’il aura encore sorti de son chapeau pertinent pour nous ravir.

     

     

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    [kleo_icon icon= »link » icon_size= »large »] Dévoreur Hubertouzot

    [kleo_icon icon= »link » icon_size= »large »] Hubert Touzot : Photographe dévoreur d’images